L’ONF au fil du temps

Montréal occupe une place importante dans l’histoire de l’ONF. La métropole québécoise est rapidement devenue le siège d’un des huit studios de production de l’Office à travers le Canada, ayant vu le jour dans une ancienne scierie d’Ottawa il y a 84 ans. C’est aussi à Montréal qu’ont émergé plusieurs des plus grands noms de l’ONF, comme Michel Brault et Pierre Perrault. Pourtant, ce n’est pas uniquement par ses artistes que l’Office s’est taillée une place dans l’histoire du cinéma. Au cours des années, l’ONF a participé à l’avancée technologique du cinéma (une part de crédit est due à ses technicien·ne·s pour le développement des caméras IMAX). C’est d’ailleurs pour cette contribution soutenue aux technologies du cinéma que l’ONF s’est vu décerner un Oscar honorifique en 1988.

« Permettre aux Canadien·ne·s de cultures différentes d’avoir une visibilité à l’échelle nationale et internationale; là est le projet fondateur de l’ONF »

Une collection colossale à l’entretien exigeant

La statuette d’or est loin d’être la relique la plus impressionnante qu’il est possible de trouver dans ce bâtiment de l’ONF à Saint-Laurent. Entouré d’une troupe de journalistes cinéphiles excité·e·s, Le Délit y fut accueilli avec cordialité par une dizaine d’expert·e·s responsables de l’entretien de l’énorme collection détenue par l’ONF. Cette collection consiste en 14 000 films, dont 6 500 ont déjà été numérisés, et dont certains sont accessibles en ligne. Ces courts et longs-métrages ne représentent pourtant qu’une « pointe de l’iceberg », puisque l’ONF détient jusqu’à 80 000 plans d’archives, dont 50 000 sont disponibles sur le site d’archives de l’ONF. Une bonne partie de ces plans d’archives sont des « stock shots » ; des éléments inutilisés provenant d’anciennes productions, permettant d’établir une archéologie des étapes et états de la création d’un film.

Les employé·e·s de l’ONF ont souligné le lot de défis accompagnant la conservation d’une aussi imposante collection. Selon ceux·celles-ci, dans de mauvaises conditions, une bobine de 250 pieds d’acétate peut se dégrader, et dégager jusqu’à une vingtaine de cuillères à thé d’acide acétique ; ce qu’on appelle le « syndrome du vinaigre ». Pour prévenir cette forme de dégradation, les bobines entretenues font le sujet de suivis et de tests d’acidité, constamment maintenues à une humidité et température optimales. Les bobines sont entreposées dans des boîtiers non-hermétiques, conçus avec un relief leur permettant d’être aérées. Les mesures prises pour assurer la sécurité de l’inventaire vont jusqu’à la création de doubles de chaque film dans un format différent, qui sont envoyés dans d’autres villes en cas d’accident grave. Une précaution nécessaire quand il est question, comme dans plusieurs cas, de la dernière copie existante d’une relique du cinéma québécois! Des efforts sont déployés au bâtiment de Saint-Laurent pour restaurer environ 120 films québécois par année, dans l’objectif de rendre disponible aux futures générations canadiennes tout le patrimoine cinématographique possible. Ce patrimoine, c’est une collection de plans d’archives remontant jusqu’aux années 1890 et dont le plus vieux film date de 1919.

Un artisan du nouveau cinéma

Ce travail de conservation du passé contribue pourtant aussi à des productions actuelles : il arrive souvent que l’ONF reçoive une demande d’utilisation d’un de ses plans d’archives ou d’un extrait de film, ce qui nécessite parfois un travail de restauration. Dans des cas plus particuliers, l’ONF est invité à collaborer à des projets s’enracinant dans d’autres pays. C’est ce qui est arrivé lorsqu’il a participé à la création du film The Forbidden Reel, un documentaire du cinéaste canado-afghan Ariel Nasr, qui raconte les efforts des résistants face aux talibans pour cacher et protéger des films en Afghanistan. Ce projet, disponible sur le site de l’ONF, a été possible grâce aux ressources de l’Office, qui a pu créer un cadre dans lequel il est possible de restaurer ces films et en extraire des segments pour les transformer en un documentaire leur faisant honneur. Les expert·e·s de l’ONF racontent qu’en recevant les acétates afghans survivants, ils ont été étonné·e·s de constater que malgré le climat sec et difficile du pays, les bobines étaient restées en bon état. Dans un travail où l’humidité et la température jouent un rôle crucial, cette anecdote souligne en quoi la préservation de films fonctionne différemment d’un climat à l’autre.

« Cette collection consiste en 14 000 films, dont 6 500 ont déjà été numérisés »

Un long processus légal est nécessaire pour distribuer la version numérisée d’un film appartenant à l’ONF. Une fois les droits accordés, si aucune loi d’archivage ou de la société concernée n’a entravé le processus, le film peut apparaître sur le site de l’ONF (un service de streaming rendu disponible depuis 2009). La Cinérobothèque, ce bâtiment du Quartier latin fermé depuis une quinzaine d’années, a précédé la création du site innovateur de l’ONF. Autrefois ouvert à tous, cet endroit permettait à ses visiteur·euse·s de parcourir et de visionner une sélection de films de l’ONF.

Disponibles gratuitement, sinon avec un abonnement ou par paiement sur le site de l’ONF, plusieurs films sont enseignés dans des cours de l’Université McGill, entre autres. C’est le cas du cours de cinéma québécois (FREN 315), donné chaque hiver par le Département de littératures de langue française, de traduction et de création (DLTC), qui inclut dans son plan de cours une sélection de classiques québécois disponibles gratuitement sur le site. Permettre aux Canadien·ne·s de cultures différentes d’avoir une visibilité à l’échelle nationale et internationale ; là est le projet fondateur de l’ONF. Avec un premier bâtiment grouillant de nouvelles productions, et un second remettant en lumière plus d’une centaine d’œuvres chaque année, tout semble signaler que ce projet a survécu au cœur de l’ONF, alors qu’il s’apprête à célébrer ses 85 ans.

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Le Délit (LD) : Comment te sens- tu en ce jour où tu te dévoiles au monde?

Cléo Berger (CB) : Pour moi ce n’est pas une course qui commence, mais un marathon essoufflant qui se termine ; une quantité énorme de péripéties qui ont mené à… une chanson. Je me sens rassurée que ce soit fini. Ne plus pouvoir toucher à la chanson, la voir enfin accessible, c’est entrer en relation avec le public. J’attends ce moment depuis des années. Ça n’a pas toujours été rose ; beaucoup d’étapes ont été influencées par la disponibilité de mon partenaire, mon plus grand collaborateur, ce qui implique des moments de productivité et de ralentissement puisqu’on travaille de façon très reliée. On a des goûts similaires, on se complète et on se comprend musicalement. C’est pourquoi, en travaillant ensemble, les étapes s’achevaient en étant sur la même longueur d’onde. C’était vraiment important pour arriver à mon but.

LD : Et quel était ce « but »?

CB : Me révéler. J’ai découvert la scène très jeune avec mon ancien groupe. On a connu un succès de bouche à oreille qui nous a permis de jouer en concert et en festival pendant des années, sans enregistrer quoi que ce soit. Nous étions quatre filles punk rock qui voulaient dénoncer. J’étais au chant, où j’amenais ma rage d’incomprise qui se cherchait, qui revendiquait par la chanson. Maintenant, quatre ans après notre séparation, il y a encore cette revendication dans ma musique. Sauf que je suis devenue capable de rassembler tous les morceaux dispersés de ma personnalité. J’ai gagné la maturité de savoir faire fonctionner ensemble des côtés contradictoires de qui je suis.

LD : Est-ce qu’on te sent plus heureuse en t’écoutant?

CB : Je me considère une personne très tourmentée, mais il y a une paix à savoir le montrer honnêtement dans l’art. Si je suis heureuse, c’est dans cette « mission » que je me donne. J’aimerais être capable de faire sourire, même si j’écris à propos des bas-fonds d’une réflexion plutôt sombre. « S’il veut de moi » raconte une désillusion face à l’amour ; je chante que je ne crois plus à l’amour, pourtant je veux que ceux et celles qui m’écoutent soient invité·e·s dans un espoir naïf. J’essaie de rendre tout ça dansant. On réunit l’auditoire sur un plancher de danse, mais aussi dans des idées qui s’opposent et jouent ensemble.

LD : Ta chanson a une esthétique qu’on reconnaît aussi sur tes réseaux sociaux. En quoi cette image de Cléo Berger participe-t-elle à ce travail de révélation?

CB : Cette esthétique, cette façon de s’habiller, ce style, c’est une nostalgie pour quelque chose qui se perd selon moi ; une vision de l’élégance. Je ne me présente pas en suivant une époque précise, mais la recherche des esthétiques qui survivent au temps. Malgré tout, ma vision de l’art est façonnée par les années 1960 et 1970. Les œuvres de ces décennies, que ce soit au cinéma, en musique ou sur la scène, montrent une humanité qui nous a quitté·e·s, selon moi. C’est aussi un imaginaire que j’aime récupérer pour situer ma musique dans un espace qui se ressent comme un rêve.

« On réunit l’auditoire sur un plancher de danse, mais aussi dans des idées qui s’opposent et jouent ensemble »

LD : Les autres formes artistiques que tu mentionnes ont- elles une influence sur ta relation avec la musique?

CB : C’est partiellement en hommage au film Cléo de 5 à 7 d’Agnès Varda que j’ai choisi mon nom d’artiste. C’est un de mes films préférés parce que j’y reconnais plusieurs de mes obsessions : la relation entre l’artiste et son art, le temps qui s’écoule sans contrôle, et le rapport au mystère. J’ai choisi de travailler dans des domaines artistiques en espérant dédier ma vie à ces questions. Le cinéma et le théâtre sont les milieux dans lesquels j’ai passé la majorité de mon temps depuis la séparation de mon ancien groupe. Depuis ces années passées au sein d’équipes de production, j’apprends à apprécier l’aspect technique de la création.

LD : Comment cet amour de la technique s’est-il manifesté dans la production de « S’il veut de moi »?

CB : Ça m’a ouvert à apprivoiser le processus de production et d’enregistrement. C’était un aspect de la création musicale avec lequel je n’étais pas familière et que je ne voulais pas forcer. Il m’est arrivé plusieurs fois de repousser un enregistrement parce que je n’étais pas dans la bonne énergie. Les émotions que je veux exprimer nécessitent une voix qui ne se forme pas toujours au bon moment.

« Ne plus pouvoir toucher à la chanson, la voir enfin accessible, c’est entrer en relation avec le public »

LD : Et comment créer les « conditions idéales »?

CB : La scène! C’est le seul en- droit, avec l’énergie que fournit le public, où la voix et l’émotion se coordonnent parfaitement. Le corps le sait. C’est pour cette raison que le retour sur scène est la chose que j’attends le plus. J’ai hâte, mais je ne sais pas encore quel genre de public j’aurai cette fois-ci. Reste à voir!

« S’il veut de moi » est disponible sur Spotify, Apple Music et toutes les autres plateformes d’écoute musicale.

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L’édition de cette année se démarque par la modification du processus de sélection: ce sont maintenant les enseignant·e·s de littérature participant au prix qui ont proposé les romans, et le jury a fait la sélection des cinq œuvres en lice parmi les dix romans soumis le plus fréquemment. Ce processus, par lequel les professeur·e·s peuvent favoriser des œuvres que leurs étudiant·e·s apprécieront, sera d’ailleurs maintenu à l’avenir.

MILLE SECRETS MILLE DANGERS

par Alain Farah

aux éditions Le Quartanier

Un roman se déroulant en une seule journée, celle du mariage d’Alain, alter-ego de l’auteur du même nom (et professeur à l’Université McGill). Cette «journée parfaite» devient le lieu de plusieurs mésaventures, de grandes réflexions et le point de culmination de toute une vie. Drame et comédie sont indissociables dans ce récit où l’auteur exécute une réinvention personnelle des possibilités du roman en présentant dans le désordre les morceaux d’un grand casse-tête où tout est un indice pointant ailleurs.

«En une journée, on arrive à couvrir la grande et la petite histoire»

Le jury du Prix littéraire des collégiens

Le jury dit avoir choisi ce roman pour son souffle, sa langue « d’une maîtrise irréprochable », sa « célébration de la vie », ainsi que sa structure narrative « vraiment particulière et géniale » .

Alain Farah a affirmé être joyeux et fier de voir son roman parmi les finalistes d’un prix qu’il suit depuis longtemps. Il a remercié les enseignant·e·s et le comité de sélection, soulignant au passage son impatience de rencontrer ses co-finalistes et de lire leurs textes ainsi que d’échanger avec les étudiant·e·s.

MUKBANG

par Fanie Demeule

aux éditions Tête Première

La protagoniste de ce roman se découvre une passion pour les mukbangs, des spectacles numériques de consommation massive de nourriture. L’autrice fait le portrait d’une société où Internet prend une place envahissante et mystique en élaborant une trame narrative captivante et remplie de surprises dont les amateur·rice·s de références culturelles sortiront bien repu·e·s. Une lecture unique s’illustrant par la présence de codes QR qui, d’une page à l’autre, permettent au lectorat de se perdre lui aussi dans l’univers du web. Ce livre offre plusieurs approches à sa lecture, où le téléphone cellulaire s’impose comme signet.

«Un livre percutant et décoiffant qui met exactement en pratique ce qu’il raconte»

Le jury du Prix littéraire des collégiens

Le jury a signalé son appréciation pour cette œuvre où «le corps est un moteur d’écriture incroyable» et observe une «réflexion incarnée» exécutant une «radioscopie impitoyable de nos réseaux sociaux».

Affirmant ne pas pouvoir être plus ravie et touchée, l’autrice Fanie Demeule a remercié rapidement le jury et a félicité les autres finalistes.

LÀ OÙ JE ME TERRE

par Caroline Dawson

aux éditions Remue-Ménage

Les parents de Caroline, 7 ans, lui annoncent qu’il faut tout laisser derrière et fuir le Chili pour commencer une nouvelle vie à Montréal. Déchirée par l’exil, son passé abandonné et son désir de s’intégrer, la petite Caroline camoufle sa furieuse envie de vivre pour devenir une immigrante modèle. Ce livre soulève la question de l’effacement de l’identité: est-il possible d’embrasser une culture sans renier ses origines? L’exil veut-il nécessairement dire qu’une vie se termine et qu’une autre commence? Existe-t-il un équilibre où l’on peut être accepté·e dans sa nouvelle vie sans du moins trahir la précédente? La narration riche de Dawson permet à la fois de mettre le lectorat dans les souliers d’une jeune immigrante, mais aussi de partager les regrets qui surgissent de cette rétrospective.

«Penser que Là où je me terre va faire partie [du] territoire intellectuel et affectif [des collégien·ne·s] me procure une grande joie»

Caroline Dawson

Le jury admire la «manière hyperréaliste» avec laquelle ce roman aborde «un pan moins connu de l’histoire de l’immigration au Québec», ainsi que «son inscription dans la tradition du témoignage littéraire à caractère social». Ils soulignent que ce livre permet au lectorat de découvrir l’autre, de le comprendre et pour certains d’enfin parvenir à se reconnaître dans un livre.

L’autrice Caroline Dawson explique que le Prix littéraire des collégiens est bien le prix pour lequel elle pourrait être le plus heureuse d’être finaliste, puisqu’elle enseigne la sociologie au collégial depuis 15 ans.

TOUT EST ORI

par Paul Serge Forest

aux éditions VLB Éditeur

La famille Lelarge contrôle le marché des fruits de mer sur la Côte-Nord quand survient, sur la plage de Baie-Trinité, un visiteur suspect, envoyé par un mystérieux conglomérat japonais. C’est alors que débute une enquête sur l’étranger, qui exerce toutes sortes de fascinations sur cette famille destinée à être marquée par la suite de renversements et des réflexions à venir. Dans l’univers côtier complexe que ce roman construit, tous·tes, dans la mosaïque de personnages, ignorent que sera bientôt introduite une invention qui promet de chan­ger le cours de l’histoire… Un roman aussi succulent que les fruits de mer qui viennent orner sa trame.

«Tout étonne et tout déroute dans [cette] saga familiale [de] la Côte-Nord»

Le jury du Prix littéraire des collégiens

Le jury relève la présence de l’alchimie et même d’une forme de magie «qui donnent à l’histoire des contours métaphysiques». Avec sa langue truculente, cette œuvre forme un ensemble singulier et irrésistible.

L’auteur Paul Serge Forest est lui aussi honoré de la sélection et songe aux longs moments où «les cégépien·ne·s ont été privé·e·s de l’expérience collégiale», après lesquels l’esprit communautaire du prix mérite une célébration. Il remercie le jury de sélection et les participant·e·s, avec qui il est excité de pouvoir interagir.

VALIDE

par Chris Bergeron

aux éditions XYZ

Cette œuvre est un roman à la fois dystopique et autobiographique fictionnalisant l’histoire de l’autrice trans. Dans un futur où une intelligence artificielle dictatoriale conformiste contrôle le monde, Christian/Christelle entre en dialogue avec cette entité afin d’aller au bout de sa transformation en déjouant les algorithmes qui ont pour objectif de documenter sa vie. D’abord une histoire personnelle, puis un récit prophétique, Valide brise les codes en confrontant à la fois ceux du genre et ceux du système central conformiste.

«Être lue, être entendue, être comprise, c’est déjà un prix en soi»

Chris Bergeron

Le jury explique avoir choisi cette première oeuvre car elle «fait éclater toutes les cases, toutes les catégories, toutes les limites entre les genres littéraires, sexués et identitaires», ainsi que pour son «intelligence, son inventivité, son audace et son courage» alors qu’elle aborde «des sujets brûlants d’actualité en appelant à s’ouvrir à l’autre».

Selon Chris Bergeron, les genres littéraires ne sont que des « cases artificielles », et elle est heureuse de constater que la proximité de son roman avec la science-fiction n’a pas empêché de mettre en lumière ses qualités littéraires. L’autrice est particulièrement touchée que des centaines de jeunes puissent passer quelques heures dans la tête d’une personne trans, ce qui « remplit [son] cœur d’espoir ».

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Cinéma du Parc et Cinéma Moderne (plateformes en ligne)
Pour 5$ à 12$, ces cinémas locaux offrent une gamme de films récents dont les suivants méritent l’attention: 

Tant que j’ai du respir dans le corps est un documentaire québécois suivant les efforts des intervenantes offrant des soins aux citoyen·ne·s les plus vulnérables de la Ville de Montréal.

Je m’appelle humain est un documentaire québécois et une incursion dans l’histoire canadienne aux côtés de la femme de lettres innue Joséphine Bacon.

Femme(s) est un documentaire composé d’entretiens avec des femmes et souligne les injustices et les forces venant avec l’identité féminine. Le Délit en a publié une critique au mois de novembre.

Aznavour: le regard de Charles regroupe des pellicules filmées par l’artiste lui-même de 1948 à 1982 et offre ainsi une perspective unique sur sa vie.

Été 85 est un film de François Ozon racontant l’histoire d’amour de deux jeunes garçons le temps d’un été. Le Délit en a publié une critique au mois de septembre.

Netflix
L’année 2020 et toutes ses péripéties ont bien accéléré une chose: le couronnement de Netflix comme nouveau roi de Hollywood. La plateforme avait annoncé une gamme impressionnante de réalisateur·rice·s et d’acteur·rice·s prestigieux·ses pour 2020 et la fermeture des cinémas à partir du mois de mars a laissé la plateforme inébranlée et même avantagée par la situation, se retrouvant dans une position de quasi-monopole de l’attention des masses. En comprenant que les cinémas ne rouvriraient pas leurs portes de sitôt, plusieurs productions ont pris la décision de vendre leurs films prévus pour l’année 2020 à Netflix, afin de leur permettre d’être vus et de leur éviter une perte financière. Voici donc certains de ces nouveaux films qui méritent une attention particulière:

Mank de David Fincher raconte l’écriture du scénario du film Citoyen Kane (Citizen Kane), imitant avec raffinement le style du cinéma des années 1940.

Le Blues de Ma Rainey (Ma Rainey’s Black Bottom) est le récit de l’enregistrement d’un nouvel album de blues de l’artiste Ma Rainey. L’acteur Chadwick Boseman y offre sa dernière performance à vie.

Les sept de Chicago (The Trial of the Chicago 7) est le récit du procès de sept militants contre la guerre du Vietnam en 1969. Le Délit en a publié une critique au mois d’octobre.

Je veux juste en finir (I’m thinking of ending things) de Charlie Kaufman est une adaptation du roman du même nom, racontant l’excursion surréelle d’un couple étrange. Le·la spectateur·rice devra beaucoup y réfléchir et, très probablement, le réécouter.

Da 5 Bloods : Frères de sang (Da 5 bloods) est un film de Spike Lee racontant le retour au Vietnam de quatre vétérans afro-américains. Ils y cherchent la dépouille de leur chef et un trésor secret.

Dick Johnson is dead est un documentaire unique où la cinéaste Kirsten Johnson met en scène la mort de son père Dick, et explore avec lui l’évolution de sa démence.

Crip Camp : la révolution des éclopés (Crip camp : A Disability Revolution) est un documentaire rassemblant vidéos d’archives et entrevues concernant un camp où des personnes ayant des handicaps de toutes sortes ont eu l’opportunité de s’épanouir ensemble dans les années 1960 aux États-Unis.

David Attenborough: Une vie sur notre planète (David Attenborough: A life on our planet) explore la beauté de notre planète, les dangers qui la menacent et les solutions qui s’offrent à l’humanité.

Crave
Au Québec, Crave est une plateforme qui permet d’accéder à plusieurs banques de films en fonction du forfait sélectionné. Voici quelques films à découvrir présentement disponibles sur la plateforme:

Portrait de la jeune fille en feu de Céline Sciamma est un chef‑d’œuvre racontant l’amour impossible entre une peintre et la femme dont elle fait le portrait.

Never Rarely Sometimes Always raconte le voyage d’une jeune femme allant à New York avec sa cousine pour se faire avorter.

Emma. est une adaptation du roman de Jane Austen où une jeune femme (Anya Taylor-Joy, vue récemment dans l’excellente série Le jeu de la reine [The Queen’s Gambit]) manipule les relations amoureuse de son cercle d’amies.

L’homme invisible (The Invisible Man) est un film d’horreur où une femme tente d’échapper à son ancien amoureux abusif, maintenant capable d’être invisible.

David Byrne’s American Utopia est une présentation musicale de Broadway enregistrée et réalisée par Spike Lee comportant humour, musique, émotions et critique de la société américaine.

Antigone de Sophie Deraspe est le récit d’une jeune femme québécoise immigrante provoquant un mouvement social en protégeant son frère de la déportation.

De nombreux films de qualité sont aussi disponibles sur les plateformes Tou.tv et Criterion.

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Des salles de cinéma virtuelles

Dans l’objectif de continuer à diffuser des films de qualité et d’atténuer leurs pertes financières, plusieurs cinémas, tels que le Cinéma Moderne et le Cinéma du Parc, ont créé des plateformes en ligne où il est possible de visionner les parutions québécoises (ou internationales) les plus récentes ainsi que d’autres films parmi une sélection plus ancienne.

Les cinémas en ligne d’ici possèdent plusieurs dizaines de films (tels Nadia Butterfly, Femme(s) et Je m’appelle Humain) parmi lesquels choisir à des prix respectables, variant entre 5 et 12 dollars.

Le Festival Cinemania sur tous les écrans

Comme la majorité des grands festivals internationaux (Cannes, TIFF, NYFF, etc.) ont fait au cours des derniers mois, le Festival Cinemania a transposé l’expérience d’une programmation de films à un processus entièrement virtuel où chaque film est disponible sur une plage horaire précise. 102 métrages, variant entre une durée d’une dizaine de minutes ou de quelques heures, sont disponibles sur la plateforme Cinemania en ligne à une fourchette de prix variable.

Le Festival Cinemania se déroule du 4 au 22 novembre 2020 et mérite qu’on encourage le cinéma d’ici en visionnant en ligne les films qui nous intéressent le plus.

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Un prix littéraire (presque) inchangé

C’est vendredi le 6 novembre qu’ont été dévoilées les cinq œuvres en lice pour le Prix littéraire des collégiens 2021. Le lancement s’est déroulé partiellement en direct et a inclus des vidéos des auteur·rice·s dont les œuvres ont été sélectionnées, qui ont partagé leur reconnaissance et leur fébrilité.

Les cinq livres du Prix littéraire des collégiens 2021 sont: Tireur embusqué de Jean-Pierre Gorkynian, Une joie sans remède de Mélissa Grégoire, Ténèbre de Paul Kawczak, Chasse à l’homme de Sophie Létourneau et Le mammouth de Pierre Samson.

Les délibérations pour déterminer l’œuvre gagnante ainsi que son dévoilement se dérouleront à Québec en avril 2021.

Un Salon du livre transposé aux écrans

Alors que ses milliers de visiteur·euse·s auraient pu s’inquiéter de ne pas avoir l’occasion cette année de découvrir les livres d’ici et de rencontrer leurs auteurs et autrices, le Salon du livre de Montréal aura bien lieu du jeudi 12 au dimanche 15 novembre. Pour adapter l’expérience du Salon du livre à la situation de pandémie, de nombreux événements seront disponibles en ligne (souvent en direct), et les visiteur·euse·s pourront rencontrer leurs auteur·rice·s favori·te·s à travers leurs écrans.

Le processus de rencontre se déroulera comme suit: les visiteur·euse·s pourront trouver leur auteur·rice·s préféré·e·s sur le site Internet du Salon, sélectionner une plage horaire qui leur convient et choisir entre une rencontre de 25 minutes en groupe de cinq personnes ou une rencontre de cinq minutes seul·e avec l’auteur·rice.

Le processus d’inscription ainsi que toutes les informations sont disponibles sur le site Internet du Salon du livre de Montréal 2020.

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Un sujet toujours d’actualité

Le long-métrage commence avec une séquence d’introduction présentant les protagonistes alors qu’ils planifient une manifestation dans la ville de Chicago en août 1968. Le film fait ensuite une ellipse d’un an au commencement du procès de ces hommes, qui s’étendra sur 151 jours (et qui occupe presque l’entièreté du long-métrage). Venus à la cour avec l’intention de profiter de l’attention médiatique que leur fournit le procès pour protester contre la guerre du Vietnam, les activistes Tom Hayden (Eddie Redmayne), Abbie Hoffman (Sacha Baron Cohen), Jerry Rubin (Jeremy Strong), David Dellinger (John Caroll Lynch) et Rennie Davis (Alex Sharp), ainsi que leur avocat William Kunstler (Mark Rylance) réalisent rapidement que leur procès est truqué: leur juge (Frank Langella) est partial contre eux et le jury est manipulé. S’ajoute à cela le militant Bobby Seale (Yahya Abdul-Mateen II), chef du parti des Black Panther, faussement accusé d’avoir collaboré avec eux pour « les rendre plus effrayants aux yeux du jury » et joint au procès. En effet, le procureur général Richard Schultz (Joseph Gordon-Levitt), derrière lequel se cache le gouvernement Nixon récemment élu, semble motivé par des fins politiques et chercherait à tout prix à mettre ces activistes « dangereux pour la nation » derrière les barreaux.

« Le visionnement de Les sept de Chicago s’avère plutôt troublant puisqu’on y reconnait des enjeux très actuels et familiers »

Malgré le fait que ce procès se soit déroulé il y a plus de 50 ans et que les héros du film se proclament porteurs de changement, le visionnement de Les sept de Chicago s’avère plutôt troublant puisqu’on y reconnait des enjeux très actuels et familiers. La présence de racisme systémique, de violence policière, d’intérêts politiques malhonnêtes et la corruption du progrès par le système fait de l’œuvre de Sorkin une réflexion pertinente sur l’état présent du système.

Un dispositif cinématographique bien construit

Alors que Le grand jeu atteignait difficilement la qualité habituelle des scénarios de Sorkin, Les sept de Chicago prouve enfin que le scénariste a sa place dans la chaise du réalisateur. Le rythme du film qui se déroule presque entièrement en cour, parvient par l’usage efficace d’entre-coupures à insérer dans les séquences des retours à la manifestation et à ses causes ainsi qu’à créer une double narration (Sacha Baron Cohen s’ajoute comme narrateur plus humoristique) sans déstabiliser le public. C’est là une manifestation fréquente du génie de Sorkin: communiquer de l’information complexe dans des scènes conçues méticuleusement pour être comprises et appréciées par le public sans qu’il réalise nécessairement à quel point il absorbe beaucoup d’éléments narratifs à la fois.

« Le dialogue intelligent et droit au but de Sorkin est élevé par la qualité du jeu de l’ensemble des acteurs et actrices du film »

Le dialogue intelligent et droit au but de Sorkin est élevé par la qualité du jeu de l’ensemble des acteurs et actrices du film. Les performances dignes de mention sont celles d’Eddie Redmayne, qui offre exactement la complexité nécessaire pour amener à l’écran les enjeux auxquels Hayden avait été confronté; celle de Sacha Baron Cohen, qui propose un regard humoristique et une présence provocatrice au récit; celle de Mark Rylance, né pour jouer l’avocat vertueux et découragé; et celle de Michael Keaton, qui fait une courte apparition dans le rôle de l’ex-ministre de la Justice Ramsey Clark.

La course aux Oscars de Netflix

En cette période où la majorité des sorties en salles prévues sont repoussées indéfiniment, Netflix semble produire la majorité des films qui sortiront à temps pour être éligibles à la cérémonie des Oscars 2021 (qui se déroulera en avril). Cette situation diminuant fortement la compétition pour la cérémonie donne à Netflix l’avantage d’être derrière deux des films qui auraient forte chance de se faire acclamer aux Oscars, Les sept de Chicago et Mank de David Fincher (prévu pour le 4 décembre). Ce dernier n’étant pas encore sorti, il est difficile d’entrevoir laquelle de ces deux figures de proue sera la plus célébrée, mais il est certain que le dernier projet de Sorkin risque d’être reconnu pour sa pertinence dans l’actualité ainsi que pour son excellent scénario (pour lequel Sorkin a une place assurée, comme à son habitude, dans les nominations de meilleure scénarisation).

Le film Les sept de Chicago est disponible sur la plateforme Netflix dans plusieurs langues depuis le vendredi 16 octobre 2020.

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Même si le visionnement des nouveaux films prend davantage place sur les plateformes en ligne, cet espoir est encourageant pour les cinémas, qui ont perdu beaucoup de revenus pendant les derniers mois. La réouverture des salles de cinéma est donc une occasion pour le public d’offrir son soutien aux artistes locaux en allant voir les films québécois à l’affiche au courant de l’année.

Voici une présentation des 34 films de cinéastes québécois·es annoncés pour la prochaine année et promus à l’événement.

JUKEBOX
Un documentaire de Guylaine Maroist et Éric Ruel s’intéressant à Dyonisos Pantis, un important producteur de musique populaire dans les années 1960.
Sortie : 4 septembre 2020

SLAXX
Un film de fiction de Elza Kephart où des jeans possédés causent un massacre dans un magasin de vêtements.
Sortie : 11 septembre 2020

LA DERNIÈRE PLONGÉE DE DAVE
Un documentaire de Jonah Malak sur des plongeurs allant récupérer un corps dans la cave de Boesmansgat.
Sortie : 11 septembre 2020

NADIA, BUTTERFLY
Un film de fiction de Pascal Plante mettant en vedette une nageuse olympique et sa quête d’identité vécue au travers de son ultime épreuve sportive.
Sortie : 18 septembre 2020

SŒURS : RÊVES ET VARIATIONS
Un documentaire de Catherine Legault mélangeant animation et performances pour s’intéresser à Tyr et Jasa, deux artistes montréalaises d’origine islandaise.
Sortie : 18 septembre 2020

LA DÉESSE DES MOUCHES À FEU
Un film de fiction d’Anaïs Barbeau-Lavalette adapté du roman de Geneviève Pettersen où le personnage de Catherine vit son adolescence dans les années 1990.
Sortie : 25 septembre 2020

SOUTERRAIN
Un film de fiction de Sophie Dupuis, qui raconte un accident dans une mine et la mission de sauvetage qui s’ensuit.
Sortie : 9 octobre 2020

LA CONTEMPLATION DU MYSTÈRE
Un film de fiction de Albéric Aurtenèche racontant le récit initiatique d’Éloi, rentré aux terres des forêts laurentiennes dont il a hérité, mélangeant réel et irréel.
Sortie : 16 octobre 2020

MON ANNÉE SALINGER
Un film de fiction de Philippe Falardeau où une jeune aspirante écrivaine est embauchée comme assistante de l’agente littéraire de l’auteur J.D. Salinger.
Sortie : 23 octobre 2020

TRAVERSÉES
Un documentaire de Florence Pelletier et de Caroline Côté relatant l’expédition de trois femmes suivant la rivière Koroc au Nunavik, un passage emprunté par les Inuits depuis des millénaires.
Sortie : 30 octobre 2020

NULLE TRACE
Un film de fiction de Simon Lavoie dessinant le portrait d’un futur troublé, où une contrebandière et une jeune étrangère cheminent vers leur destin dans un décor forestier.
Sortie : 30 octobre 2020

CHAMPIONS
Un documentaire de Helgi Piccinin suivant un athlète autiste et une athlète atypique dans leur odyssée sportive jusqu’aux Olympiques spéciaux.
Sortie : Octobre 2020

LE CLUB VINLAND
Un film de fiction de Benoit Pilon racontant l’histoire du frère Jean, un éducateur exceptionnel dans un collège de garçon de l’Est du Québec pendant les années 1940.
Sortie : 4 novembre 2020

JE M’APPELLE HUMAIN
Un documentaire de la réalisatrice abénakise Kim O’Bomsawin où Joséphine Bacon, une femme libre ayant consacré sa vie à transmettre son savoir et celui de ses ancêtres, revisite l’histoire.
Sortie : 6 novembre 2020

LES VIEUX CHUMS
Un film de fiction de Claude Gagnon où Pierrot, à la nouvelle de sa mort imminente, retourne à sa ville natale de Saint-Hyacinthe pour reconnecter avec les gens et les lieux qu’il aime.
Sortie : 6 novembre 2020

LA FACE CACHÉE DU BAKLAVA
Un film de fiction de Maryanne Zéhil racontant les difficultés du choc culturel et des changements vécus par une femme libanaise.
Sortie : 27 novembre 2020

LE MEILLEUR PAYS DU MONDE
Un film de fiction de Ky Nam Le Duc dans lequel, à la suite de l’élection d’un gouvernement d’extrême droite au Canada, un immigrant et deux réfugiés cohabitent durant une période de grande transformation.
Sortie : Novembre 2020

MARIA CHAPDELAINE
Un film de fiction de Sébastien Pilote (faisant l’adaptation du roman de Louis Hémon) où la jeune femme Maria vivant dans le Québec rural des années 1910 se voit offrir plusieurs destins.
Sortie : 11 décembre 2020

TANT QUE J’AI DU RESPIR DANS LE CORPS
Un documentaire de Steve Patry s’intéressant aux intervenants de rue qui rencontrent les âmes errantes et malades dans les rues de la métropole.
Sortie : Hiver 2021

ERRANCE SANS RETOUR
Un documentaire de Mélanie Carrier et Olivier Higgins explorant le camp de réfugiés rohingyas de Kutupalong ; le plus peuplé au monde.
Sortie : 22 janvier 2021

LES LIBRES
Un documentaire de Nicolas Lévesque suivant quatre détenus travaillant les six derniers mois de leur correction dans une usine de transformation de bois et s’intéressant au processus de réintégration dans la société.
Sortie : 12 février 2021

FÉLIX ET LE TRÉSOR DE MORGÄA
Un film d’animation de Nicolas Lemay où Félix part à la recherche de son père en mer à l’aide du marin Tom et découvre une société secrète dans une cité souterraine.
Sortie : 26 février 2021

NO ORDINARY MAN
Un documentaire de Aisling Chin-Yee et Chase Joynt examinant la vie du musicien Billy Tipton, une icône de la culture transgenre.
Sortie : Février 2021

LIVE STORY : CHRONIQUE D’UN COUPLE
Un film de fiction de Jean-Sébastien Lozeau dans lequel les réseaux sociaux viennent bouleverser le personnage d’Alex et sa conception de son couple.
Sortie : Février 2021

TU TE SOUVIENDRAS DE MOI
Un film de fiction du réalisateur Éric Tessier, adapté de la pièce du même nom, racontant l’histoire d’un ancien professeur d’histoire perdant la mémoire et placé sous la garde d’une jeune femme. Cette rencontre le confronte à son passé.
Sortie : Mars 2021

TRÈS BELLE JOURNÉE
Un film de fiction de Patrice Laliberté où un coursier à vélo de colis anonymes voit l’arrivée d’une nouvelle voisine chambouler son quotidien rigide et solitaire.
Sortie : Mars 2021

AINSI SOIENT-ELLES
Un documentaire de Maxime Faure s’intéressant à des Sœurs Auxiliatrices et à leurs réflexions concernant leur vie de lutte pour les droits des femmes.
Sortie : Mars 2021

COMME UNE VAGUE
Un documentaire de Marie-Julie Dallaire rendant hommage à la musique, ces sons abstraits qui provoquent dans le cerveau « la même réaction que le chocolat, le sexe ou la drogue ».
Sortie : Hiver 2021

SAINT-NARCISSE
Un film de fiction de Bruce Labruce dans lequel un jeune homme retrouve sa mère dans un chalet isolé, où elle vit avec une mystérieuse jeune femme.
Sortie : Printemps 2021

COMME UNE MAISON EN FEU
Un film de fiction de Jesse Noah Klein racontant le retour à la maison d’une femme ayant abandonné son mari et sa petite fille deux ans plus tôt.
Sortie : Printemps 2021

LE GUIDE DE LA FAMILLE PARFAITE
Un film de fiction de Ricardo Trogi qui utilise l’humour pour se demander si nous vivons dans une société de surprotection parentale.
Sortie : Printemps 2021

LA PARFAITE VICTIME
Un documentaire de Monic Néron et Émilie Perreault s’intéressant aux « ratés » du système de justice en matière d’agression sexuelle. Les réalisatrices décortiquent des cas dans la foulée du mouvement #MoiAussi et se questionnent à savoir si le système de justice est adéquat.
Sortie : Printemps 2021

SAM
Un film de fiction de Yan England racontant l’histoire d’un athlète de haut niveau se trouvant au cœur d’un événement dramatique.
Sortie : Printemps 2021

LA RÉVISION (titre provisoire)
Un film de fiction de Catherine Therrien où un professeur de philosophie voit l’une de ses étudiantes mettre en pratique son enseignement. Ils s’embarquent alors dans un voyage qui bouscule leurs plus profondes convictions.
Sortie : Printemps 2021

Pour en savoir plus, visiter : aimetoncinema.ca

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PARASITE
Par Bong Joon-Ho
Seul film dans une langue étrangère nominé dans la catégorie Meilleur film, ce chef‑d’œuvre du cinéaste coréen Bong Joon-Ho aborde les rapports de classes ainsi que le combat de l’ascension économique dans un commentaire social qui se retourne constamment contre les attentes de son auditoire. Il s’agit du récit d’une famille pauvre s’infiltrant dans une famille fortunée en travaillant pour eux. Ayant l’allure d’une comédie pendant les premières dizaines de minutes, le long-métrage prend par la suite des tournures plus sombres.
Points forts : La réalisation, le montage (le rythme du film) et le design de production.
Catégories de nomination (6) : Meilleur film, Meilleur réalisateur, Meilleur scénario original, Meilleur film international, Meilleur design de production et Meilleur montage.

1917
Par Sam Mendes

Ce projet de passion du réalisateur de American Beauty et Skyfall consiste en une nouvelle approche aux films de guerre : ce film se déroule en environ 24 heures, et a la particularité d’être raconté en une seule longue prise (c’est du moins ce que le montage s’efforce de faire paraître). Cet aspect technique rafraîchissant permet au jeu des acteurs de résonner encore plus profondément chez l’auditoire. Originale et touchante, cette œuvre nominée dans 10 catégories et ayant eu un grand succès aux Golden Globes semble être un des plus forts candidats pour dominer les Oscars.
Points forts : La cinématographie et la réalisation.
Catégories de nomination (10) : Meilleur film, Meilleur réalisateur, Meilleur scénario original, Meilleure cinématographie, Meilleur maquillage et coiffure, Meilleur design de production, Meilleure musique, Meilleurs effets visuels, Meilleur mixage sonore et Meilleur montage sonore.

MARRIAGE STORY
Par Noah Baumbach

Ce film touchant produit par Netflix raconte le processus déchirant d’un divorce. Les deux personnages principaux (Scarlett Johansson et Adam Driver) se poussent l’un et l’autre à se battre pour avoir la garde de leur fils. Un film se voulant très réaliste et ne cherchant pas à prendre des dimensions exagérées demeure centré sur ce que vivent les deux parents et est garni de scènes aux émotions intenses et magnifiquement exprimées.
Point fort : Les performances des deux acteurs principaux.
Catégories de nomination (6) : Meilleur film, Meilleure actrice principale (Scarlett Johansson), Meilleur acteur principal (Adam Driver), Meilleure actrice secondaire (Laura Dern), Meilleur scénario original et Meilleure musique.

THE IRISHMAN
Par Martin Scorsese

Dans ce long-métrage, revenant au style des films de gangsters de Scorsese (Goodfellas, Mean Streets et Casino), le réalisateur maîtrisant cette esthétique est associé avec trois grands acteurs comme Robert De Niro, Al Pacino et Joe Pesci (sorti de la retraite pour ce rôle). Le (très) long-métrage relate la vie d’un camionneur (De Niro) prenant une place de plus en plus importante dans un réseau de criminels, jusqu’à un point où il se trouve déchiré par un choix de fidélité. Le résultat : un chef‑d’œuvre de trois heures et demie donnant toutes les preuves d’être une culmination de la carrière de quatre grands noms du cinéma.
Points forts : Les effets visuels (le rajeunissement des acteurs) et la réalisation.
Catégories de nomination (10) : Meilleur film, Meilleur réalisateur, Meilleur acteur secondaire (Al Pacino), Meilleur acteur secondaire (Joe Pesci), Meilleur scénario adapté, Meilleure cinématographie, Meilleur design de costumes, Meilleur design de production, Meilleur montage et Meilleurs effets visuels.

ONCE UPON A TIME… IN HOLLYWOOD
Par Quentin Tarantino

Dans ce neuvième film de Quentin Tarantino, le cinéaste américain fait hommage au Hollywood des années 1960 en présentant la transition qui s’y déroulait en 1969 avec l’assassinat de l’actrice Sharon Tate ainsi qu’avec la lente disparition du genre western. Ce récit est raconté sous l’angle de la relation entre les deux personnages fictifs de Rick Dalton, une star de western qui voit l’achèvement de sa carrière arriver plus vite que prévu, et son cascadeur Cliff Booth, une version idéalisée et très « cowboy » de ces figures hollywoodiennes.
Point fort : Le design de production.
Catégories de nomination (10) : Meilleur film, Meilleur réalisateur, Meilleur acteur principal (Leonardo DiCaprio), Meilleur acteur secondaire (Brad Pitt), Meilleur scénario original, Meilleure cinématographie, Meilleur design de costumes, Meilleur design de production, Meilleur mixage sonore et Meilleur montage sonore.

JOKER
Par Todd Philips

Ce film ayant suscité beaucoup de discussions médiatiques à sa sortie et possédant le plus grand nombre de nominations propose une nouvelle approche au genre des films de superhéros. Centré sur un personnage principal souffrant de maladie mentale et destiné à devenir le personnage mythique du Joker, ce long-métrage est une expérience psychologique marquante et guidée par le talent incontestable de l’acteur Joaquin Phoenix.
Point fort : La performance de Joaquin Phoenix
Catégories de nomination (11) : Meilleur film, Meilleur réalisateur, Meilleur acteur principal (Joaquin Phoenix), Meilleur scénario adapté, Meilleure cinématographie, Meilleur design de costumes, Meilleur maquillage et coiffure, Meilleure musique, Meilleur montage, Meilleur mixage sonore et Meilleur montage sonore.

LITTLE WOMEN
Par Greta Gerwig

Cette adaptation du roman de Louisa May Alcott est une occasion pour Greta Gerwig d’appliquer sa vision connue pour être moderne et féministe à ce grand classique de la littérature américaine. Le film suit la vie de quatre sœurs entrant dans l’âge adulte au 19e siècle et confrontées à la question du mariage et de la famille. Le personnage principal (joué par la talentueuse Saoirse Ronan) ne croit pas au mariage et désire devenir écrivaine. Un film chaleureux et plein d’espoir où la réalisatrice partage son dévouement à l’œuvre originale.
Points forts : Le scénario et les performances des actrices principales.
Catégories de nomination (6) : Meilleur film, Meilleure actrice principale (Saoirse Ronan), Meilleure actrice secondaire (Florence Pugh), Meilleur scénario adapté, Meilleur design de costumes et Meilleure musique.

JOJO RABBIT
Par Taika Waititi

Ce film de comédie où l’on reconnait le style improvisateur du réalisateur Taika Waititi (Thor Ragnarok) présente les aventures d’un enfant nazi pendant la Deuxième Guerre mondiale. Ce jeune allemand, déployant tous ses efforts pour être un fervent nazi et ayant pour ami imaginaire un Hitler comique, voit ses conceptions renversées lorsqu’il découvre qu’une adolescente juive vit dans les murs de sa demeure. Un film se voulant très différent par son contexte et son style des comédies habituelles et abordant le fanatisme d’un point de vue très original : celui d’un jeune garçon cherchant à se sentir accepté.
Point fort : Le design de production.
Catégories de nomination (6) : Meilleur film, Meilleure actrice secondaire (Scarlett Johansson), Meilleur scénario adapté, Meilleur design de costumes, Meilleur design de production, Meilleur montage.

FORD v FERRARI
Par James Mangold

Ce film raconte l’histoire vraie de la tentative de Ford de produire une voiture capable de battre Ferrari à la compétition du Mans. Les deux protagonistes, parfaitement incarnés par Christian Bale et Matt Damon, passent au travers de la pression de la compétition et sont mis au défi par les caprices des entreprises. Le film captive par son rythme alternant entre passages dramatiques et séquences de courses excitantes.
Point fort : Le montage.
Catégories de nomination (4) : Meilleur film, Meilleur montage, Meilleur mixage sonore, Meilleur montage sonore.

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Innovation réussie

Cette prouesse cinématographique déjà observée dans quelques rares métrages (par exemple Birdman de Alejandro G. Iñárritu) devient possible pour le réalisateur Sam Mendes grâce à des mois de préparations, à une planification précise des déplacements de la caméra et à plusieurs effets de montage stratégiquement placés. Le résultat est prodigieux : aux yeux du·de la spectateur·rice, le tout semble être une seule longue prise.

Ce point de vue audacieux permet de saisir la géographie et la temporalité du périple des deux jeunes hommes et pousse l’auditoire à se connecter avec eux, avec une efficacité très rare au cinéma. L’absence de coupures de montage force le·la spectateur·rice à vivre avec les personnages l’entièreté de leurs expériences, ce qui rend leurs émotions plus puissantes et leur héroïsme plus impressionnant.

Distribution efficace

Les deux acteurs principaux, Dean-Charles Chapman et George Mackay, tous deux peu connus à Hollywood (et c’est d’ailleurs pour cette raison qu’ils ont été sélectionnés, selon le réalisateur), arrivent à incarner avec succès les deux jeunes Anglais lancés dans des situations plus grandes qu’eux auxquelles le film nous pousse à nous intéresser. Plusieurs grands noms tels que Colin Firth, Andrew Scott, Mark Strong, Benedict Cumberbatch et Richard Madden font tout de même de courtes apparitions au cours du film (sans aller jusqu’à voler la vedette aux acteurs principaux).

À une époque où le genre des films de guerre semble avoir atteint un point de sursaturation,  le réalisateur Sam Mendes parvient, avec 1917, à prouver qu’il est toujours possible d’approcher ces œuvres héroïques de façon surprenante et nouvelle. Ce long-métrage, à la fois léger dans ses dialogues entre les deux protagonistes et lourd dans son approche de la brutalité de la guerre, réussit à mettre l’auditoire dans les bottes de deux soldats contraints à mener à exécution une mission désespérée, et à vivre avec eux chaque moment de son déroulement. Avec un rythme engageant et équilibré, une cinématographie méritant d’être vécue en IMAX et des performances sans défaut, ce film vaut l’attention du public et risque de se mériter plusieurs prix aux Oscars, où il a été sélectionné dans 10 catégories, dont meilleur film et meilleur réalisateur.

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Une nouvelle approche

À une époque où la recette des films de superhéros est connue de tous, le film Joker vient se démarquer des autres métrages de l’univers des héros en se centrant sur un « vilain ». De plus, le film se déroule dans un monde dépourvu de magie ou de technologie miraculeuse et ne comporte aucune grande bataille finale (un troisième acte utilisé au point d’être devenu cliché). Plutôt que de nous en mettre plein la vue à l’aide d’effets spéciaux comme il est devenu habituel de le faire à Hollywood, le réalisateur Todd Phillips opte pour une photographie travaillée et pour un univers cinématographique faisant référence aux films des années 1970–80 (notamment à Taxi Driver de Martin Scorsese).

Un récit psychologique

Le film nous entraîne dans la vie d’Arthur Fleck (Joaquin Phoenix), un aspirant humoriste souffrant d’une maladie particulière provoquant des rires incontrôlables. Après la perte de son emploi comme clown, Arthur descend lentement au plus profond de sa folie en provoquant au passage un mouvement social antiélitiste ayant pour symbole le clown. L’histoire nous montre la dégradation de l’esprit de celui qui deviendra éventuellement le Joker. Cet être, bien que malade, vient émouvoir les spectateur·rice·s par la vraisemblance de son cheminement. Bien que l’on soit différent d’Arthur, l’on peut comprendre ses réactions face aux horreurs qu’il subit, dont le réalisme mêlé à la gravité de l’univers du personnage perturbent à merveille l’auditoire.

Une expérience à vivre

Joker n’est pas un film à regarder pour se détendre, mais bel et bien pour habiter pendant deux heures un esprit chaotique. Cette expérience présente une perspective unique sur la maladie mentale et sur les fléaux qui habitent les parts d’ombres de notre société. Il ne faut pas s’attendre, en visionnant ce film, à une leçon intéressante, à une révélation incroyable ou à des scènes d’action divertissantes. Là n’était pas l’intention du réalisateur. Pour apprécier Joker à sa juste valeur, il faut accepter d’entrer en salle pour vivre une expérience psychologique qui sera chaotique, touchante, souffrante et parfois malaisante, mais qui s’avérera de grande qualité pour les esprits préparés.

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De hautes attentes

À l’annonce du casting du film –— composé entre autres de Leonardo DiCaprio, de Brad Pitt et de Margot Robbie — de nombreux·ses admirateur·rice·s de Tarantino se sont emballé·e·s ; Pitt et DiCaprio ayant déjà travaillé avec Tarantino, le renouvellement de cette équipe promettait beaucoup. Avec la combinaison d’un tel casting et de cet univers passionnant, le réalisateur annonçait un long-métrage sans précédent dans sa carrière. Comment expliquer alors une telle déception pour un aussi grand nombre d’auditeur·rice·s?

Une construction inhabituelle

Il se trouve que Once Upon a Time… in Hollywood, sorte de « lettre d’amour à Hollywood », est en réalité très différent des autres films de Tarantino, notamment d’un point de vue structurel. Dans ce film, l’objectif de Tarantino est de faire vivre aux spectateur·rice·s l’époque des westerns et du Hollywood qui leur a donné naissance. À travers ce contexte, le réalisateur cherche à construire une tension entre la célébrité Sharon Tate et Rick Dalton et son complice Cliff Booth, deux véritables « has-been » du cinéma. En cours de route, Tarantino n’hésite pas à faire référence à ses propres films ou à critiquer le cinéma de l’époque (en ciblant notamment l’acteur Bruce Lee). Résultat : un film manquant cruellement de propulsion narrative. Ce manquement s’explique bien : Tarantino semble avoir misé sur des moments forts plutôt que sur la construction d’une histoire évoluant grâce à des personnages interreliés et à leur confrontation, qui constitue habituellement le point fort de ses films. Complètement dépourvues de fil conducteur, les premières minutes du film donnent l’impression de visionner un documentaire narratif sur la carrière d’un ancien acteur.

Un film de moments

Ce n’est qu’à la dernière heure du film que l’ensemble commence à prendre sens pour le·a spectateur·rice. Le film se termine avec une séquence d’action bien exécutée à travers laquelle Tarantino transpose son récit dans une réalité alternative où Sharon Tate n’a pas d’importance.

On aboutit donc avec un film où la forme et l’univers prennent toute la place, au détriment du fond et de la narration, et qui néglige le talent de l’actrice Margot Robbie dans le but de construire une tension autour de son personnage. Tarantino sacrifie ici ce qui fait la force de ses films pour une suite de moments forts et pour exprimer quelques opinions.

Malgré tout, le film Once Upon a Time… in Hollywood reste très appréciable, d’un style optimal et dans lequel les excellent·e·s acteur·rice·s font vivre à tout·e spectateur·rice des émotions fortes. Ce film n’est peut-être pas aussi palpitant que les blockbusters monopolisant les cinémas, mais un·e fan des films de Tarantino ou de la culture des années 1960 y trouvera définitivement du plaisir. Si les critiques à l’égard de la qualité du film sont aussi partagées, l’on peut se demander si dépourvue des grandes vedettes en tête d’affiche et de la célébrité du réalisateur, l’œuvre aurait connu le même succès. ξ

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