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Il y a quelque temps, j’ai lu L’heure de l’étoile de Clarice Lispector et depuis, je songe sans cesse aux (explosions) de son personnage Maccabée. (Explosions), toujours en parenthèses dans le livre, causées par l’irruption de ce qui transcende son quotidien, et force un temps d’arrêt.

C’est peut-être ça que je ressens moi aussi, quand j’appuie sur le déclencheur.

(Et alors les hantises prennent vie, explosent en couleurs).

- Héloïse Huynh

Galerie Cygneau.

Ils ont dit qu’il ne fallait pas

J’ai repris mes yeux dans les fougères
désentortillé mes genoux, décoloré mes tympans

à en démembrer le souffle

Pour atteindre les galaxies
dans la boîte sur la grande étagère
où derrière leurs dents, peut-être.

Ils ont dit :
« Il n’y a que les fous qui aiment les miettes de musique
la confiture de forêt
et les clochettes des rivières »

Quand mon visage a coulé de mon visage,
j’ai dit :
« On va dire. »

Ensemble, nous marchons dans nos souliers vides

- Marianne Collette

Je tourne autour d’une fontaine chaque jour pour vous rencontrer et vous offrir cette tarte au citron sans meringue. Trempez‑y un doigt, je ne vous retiens pas.

S’il-vous-plaît enterrez-moi avec mon pantalon blanc, mon gilet bleu en mesh et mon chandail jaune phosphorescent. S’il fallait que je sois morte maintenant, je m’enroulerais de ma tenue de star, et puis je serais une star née enterrée.

Si je meurs tout de suite, je n’ai pas appris à coudre, ni à retenir mon souffle dans ma tombe. Si on meurt avant d’avoir découvert le nom du groupe underground qu’on a pas pu former, on doit – il n’y a pas le choix – retenir un petit souffle même en étant mort·e, un souffle qui rit, et déjà il s’est essoufflé, qui rit pourtant de sa maigreur et qui se ménage pour la prochaine fois, la vie d’après je veux dire, pour qu’on se rappelle minimalement dans cette vie-là on a pas de nom, et qu’on a jamais appris à se fabriquer un costume bleu blanc jaune.

Finalement je ne veux pas qu’on me mette sous terre.

Je veux qu’on me lance contre une foule lors d’un concert punk.

En attendant je me languis des pans de tissus à draper sur un corps autre que le mien. Je l’appelle comme je me happe à un fjord, je crie immergée. L’art de la subtilité me fuit comme le corps que j’espère, et en attendant mon tour j’offre de la tarte au citron sans meringue aux sans visages.

Je tourne autour d’une fontaine et lorsqu’iels trempent un doigt dans la crème, je dis : je te napperai de zeste. Certain·e·s tombent sur le coup, alors qu’iels n’ont encore rien dit sur leurs derniers vœux, et, c’est encore plus grave, lorsque qu’iels n’ont pas pu me dire comme la dernière note était délectable.

-Anna Lacroix

Ni elle, ni moi n’osions nous servir.

Nous nous sommes regardés
dans le blanc des œufs.
Jusqu’à ce que j’entende
le carré de sucre croquer ses dents
puis la coquille qui craque
et son liquide cru
qui coule sur le crêpe.

J’ai fait accueillir chez moi
l’ambiance d’un dimanche,
tous ses bruits ordinaires,
ont rasé mes nerfs.

Elle avale mes plumes, sans même les mâcher
avec l’air d’une vache
qui tète son propre lait.
une tâche noire gâche la pâleur de son ongle.
Des miettes de sucre
sur ses empreintes moites
ramassées
collent à la cuillère.

Qu’elle parte.

Elle tousse et sa bouche
en plumeau dépoussière les blancs.
Elle s’étouffe
enfin.

Je la regarde faire.
Sa tête dans l’assiette.
Le blanc de ses yeux
reflète mes dents
déchiqueter.

-Alexandre Gontier

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Qu’est-ce qu’un voème?
→ Éditorial.

 je suis curieuse de l’intérieur du soleil où tu m’as mise
 je ne me trompe pas sur la chaleur des corps,
 les pays te regardent
 
 nous nous connaissons,
 lucides, arrivées comme une aile,
 sans chapeau ni maison
 (tu ris)
 
 puis ridicule :
 faire attention au rose qui peuple
 nos instants de chiennes libres et d’univers macabres
 nous sommes d’accord sur le néant
 pas d’ancêtre ou s’en foutre
 
 je perce le feuillage par habitude
 nous sommes seules à nous inventer,
 déçues d’être lentes
 
 tu résistes
 ou le paysage te résiste
 tu choisis le retard de la rivière
 il y aura de la pluie pour les autres
 des territoires sans nous
 c’est une question.
 
 je dois sortir de nos immenses,
 enfin,
 je sors des immenses.
 
 mon regard lorsque la route est prise (tu riais, je t’aime),
 promet aux verdures inquiétées
 un réel plein
 d’idéalement fleurs véritables
 
 attentive à la lumière des lacs
 je me rappellerai sans mentir. 

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L’essor de l’art de rue relève en grande partie des subventions de la Ville de Montréal et du gouvernement québécois. Chaque année, suite aux appels de projets, des contributions financières sont octroyées à des artistes locaux ou internationaux pour la réalisation de murales ou pour l’installation de sculptures publiques. D’ailleurs, depuis 1961, le gouvernement du Québec exige que les projets de bâtiments publics consacrent 1% de leur budget à des initiatives artistiques. Ces installations se retrouvent ainsi éparpillées dans toute la ville. Le boulevard Saint-Laurent reste néanmoins l’endroit le plus réputé pour ses gigantesques murales et vibrantes couleurs.

L’asymétrie des peaux

Enfants nous allions dans la même direction
Le même visage en Rorschach de brique
Je suis le genre de personne qui perd sa légèreté en courant
Le genre de personne qui compte
Tes morceaux d’armure perdus au vent
Qui constate la pesanteur héréditaire d’une robe

Je suis le genre de personne
Qui te laisse une longueur d’avance
Dans une course figée sur la matière des murs
Dans la lourdeur du temps des pas
La fragilité du balcon de notre enfance

Sache que la vitesse est une notion
Que mes pieds ne comprennent pas
Et que les fenêtres sont perdues
Lorsqu’elles miroitent ta peau

Enfants nous allions dans la même direction
Mais posséder le ciel
Ne permet pas la symétrie

-François Céré

La chambre

Accroupis
Entre les lèvres blanches de nos bois
Et l’infrarouge des squelettes de promenades

Je suis la routine des lits trop étroits
Le battement des pieds sur le métal chaud
En langue de balcon

Il faudrait savoir
Si le pouce frétillant au creux de ma main
Résistera au poids de la neige

Il faudrait savoir
Si le secret du café
Des flèches qui transpercent les maisons les chiens
Se trouve dans l’équivalence des pas

-François Céré

Se réapproprier la rue

Si l’art de rue vise à l’embellissement des lieux, à la prévention des graffitis et à l’enrichissement du patrimoine artistique, il contribue également à une démocratisation de l’art visuel et performatif. Celui-ci n’est plus réservé aux détenteurs de billets ou aux critiques: au contraire, des œuvres esthétiques ou engagées parsèment la ville pour qui veut bien les regarder. En ce sens, l’art urbain favorise une accessibilité plus équitable de l’art, et célèbre une diversité de styles et de sensations. Il mobilise également des artistes issu·e·s de communautés parfois marginalisées qui prennent part à l’amélioration du milieu de vie de ces communautés, ce qui permet à la population de mieux façonner leur quartier à leur guise et de cultiver un sentiment d’appartenance envers celui-ci. Certain·e·s artistes, provenant de communautés racisées ou autochtones, par exemple, peuvent faire rayonner leur culture et leur art dans l’espace urbain.

«Ces projets de murales visent à favoriser l’accessibilité à la culture et à susciter l’engagement culturel et citoyen. Ils cherchent à positionner la culture comme vecteur de liens sociaux et contribuent ainsi au développement des communautés locales, notamment à la construction identitaire et au développement»

Ville de Montréal

En favorisant une émancipation des voix artistiques minoritaires, l’art de rue permet également à ces mêmes voix une certaine pérennité dans l’espace urbain et dans la mémoire collective. Il rend possible l’augmentation artistique du paysage urbain, mais il augmente aussi, par les phénomènes esthétiques qu’il porte à nos yeux, notre propre rapport à l’art. Il n’est pas rare que l’art mural se greffe à notre routine et à nos souvenirs. Pour un poète, la phénoménologie artistique que propose l’art de rue peut jouer un rôle primordial dans son processus d’inspiration, en ce sens que le poète écrit en fonction d’expériences et de phénomènes sensoriels vécus. La déambulation dans les rues augmentées par l’art foisonnant permet d’activer cette inspiration en «forçant» ces expériences esthétiques et ces phénomènes sensoriels sur notre conscience.

L’inspiration activée par la rue

Tout ce qui constitue l’inspiration créatrice – occasionnée par la recherche active des phénomènes qui agissent sur nous et déclenchent des stimulus, des chaînes de liens causaux ou encore une réactualisation de notre mémoire sensorielle et émotive – pourrait être considéré comme des mécanismes actifs d’inspirations phénoménologiques. La déambulation poétique permet ces mécanismes, car le fait de se déplacer activement dans le monde permet ce rapport aux expériences phénoménologiques nouvelles ou, du moins, leur possibilité. C’est cette combinaison entre la conscience et ce qui lui est extérieur, mais qui agit sur elle, qui me semble particulièrement féconde lorsque l’on parle de création poétique en lien avec un espace urbain augmenté. La déambulation agirait comme un anti-immobilisme en regard de l’inspiration standard.

Lorsque l’on traite de création, l’on parle souvent d’un primat accordé à l’activité dite intellectuelle; c’est-à-dire l’homme seul avec sa conscience. Cependant, quand l’on analyse ce qui permet la création, l’on observe que c’est bien souvent les connaissances acquises par le biais de nos sens qui forment cette activité intellectuelle et, plus particulièrement, le sens de la vision. C’est le principe même de l’imagination qui dépend, à sa source, de cette aptitude sensorielle. La déambulation dans l’espace, où l’art de rue foisonne et nous bombarde de ses phénomènes visuels, semble être un excellent moyen pour une population de retrouver une part d’inspiration et de se réapproprier le sublime.

insularité des gratte-ciels
les passants oublient qu’il y a
un fleuve dans leurs veines

je pars à ta recherche
vêtue d’asphalte avec les autres
offertes sous les roues les corps
où l’hiver ne demande qu’à mourir

j’étale mon sang sur la brique
le trop-plein de ciel que tu léchais
sur ma peau faute d’horizon

la ville m’embrasse
je rêve son érosion
les côtes infirmes en incendie

et si je brûle
tu viendras me noyer

-Florence Lavoie

la nuit je fume avec des inconnus
je m’offre aux ruelles
rejoins les chairs endormies

j’oublie les fenêtres trop petites
montréal qui hurle

mes offrandes infertiles
je remplace la verdure
avec du béton armé

coincé entre deux briques
en filigrane d’un poumon

pour que tu me regardes je
peins une murale

avec les couleurs de mes poignets

je me vide
pour te voir arriver trop tard

-Florence Lavoie

Montréal participe chaque année à deux festivals dédiés à l’art de rue. Le premier est Under Pressure, un festival annuel de graffitis. Le second est le Festival Mural, l’un des plus grands festivals d’art de rue au monde. Plusieurs ressources numériques visant la promotion de l’art urbain montréalais sont à votre disposition. Cliquez ici pour explorer Montréal et ses murales grâce à des parcours personnalisés ou commentés.

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Enki est le fruit du travail de l’entreprise MOMENTA, Biennale de l’image, un studio spécialisé dans les expériences interactives. Il fait suite à La Galerie des mystères (2018), un jeu vidéo qui s’adressait, à l’époque, aux enfants de 9 à 12 ans. Le premier jeu avait rejoint 13 000 personnes depuis sa mise en ligne et avait facilité la transmission, chez les jeunes enfants, du concept de l’importance de la culture dans la vie de tout un chacun.

Le jeu permet non seulement de voir les œuvres d’art sur les murs virtuels de la galerie, mais demande également à l’enfant un exercice d’interprétation de l’œuvre

Le jeu interactif virtuel permet de recréer le contexte d’une visite en galerie d’art. L’enfant est poussé, à distance et par le biais d’une charmante trame narrative, à collaborer avec le personnage attachant d’Enki.

L’enfant est guidé à travers une galerie d’art où de nombreuses œuvres d’artistes québécois sont exposées. Le jeu permet non seulement de voir les œuvres d’art sur les murs virtuels de la galerie, mais demande également à l’enfant un exercice d’interprétation de l’œuvre. Cette collaboration rend le processus plus amusant pour l’enfant tout en l’initiant à l’analyse d’images, à la lecture et en affutant son sens de l’observation. Le jeu permet aussi de stimuler l’imagination de l’enfant en le faisant participer à une création numérique.

Il agit comme un contrepouvoir à une situation trouble

Outre ces objectifs pédagogiques, le jeu offre une alternative efficace aux parents et aux écoles qui, en raison de la pandémie actuelle, ne peuvent plus visiter de galeries d’art et de musées. Offert gratuitement en français et en anglais, le jeu constitue donc une magnifique activité d’appréciation d’œuvres d’art en contexte familial ou scolaire pour les enfants. Il agit comme un contrepouvoir à une situation trouble.

Pour jouer au jeu ou encore le recommander à quelqu’un, voici les liens vers les versions française et anglaise.

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Guillaume Briand

Le mercredi 23 septembre, à ma sortie du cabaret Lion d’Or, une femme me demande si je peux la diriger vers le métro le plus proche. Elle me demande si j’ai apprécié le vidéo poème que je viens de voir. Il s’agit d’une représentation du film Si je reste de l’artiste Elkahna Talbi alias « Queen Ka ». En marchant vers le métro avec la dame, je m’aperçois qu’elle est la tante de l’artiste. La fierté dans son regard lorsqu’elle me parle du travail de sa nièce est palpable et ce, malgré le court trajet que je parcours avec elle.

En effet, il y a de quoi être particulièrement fière : peu d’artistes sont en mesure de juxtaposer la musicalité de la langue et la puissance visuelle avec autant de verve que l’artiste Queen Ka dans Si je reste. On ressort de cette expérience avec la double impression d’avoir à la fois assisté à une exposition d’art visuel et d’avoir achevé la lecture d’un recueil poétique ; toutes deux construites avec justesse et panache. C’est d’ailleurs tout l’art qui se cache derrière le concept du vidéo poème ; arriver à rendre plus vivant, à l’aide d’attraits visuels ou musicaux, la poésie qui se résumerait autrement à des mots couchés sur papier.

Si je reste est une œuvre qui opère en triptyque : elle se déploie dans un univers où le passé, le présent et le futur semblent se répondre et répondre à la poétesse. L’œuvre donne à voir les erreurs du passé dans la première partie, la rêverie du présent dans la deuxième et l’espoir d’un avenir meilleur dans le segment final.

Chute

Dès les premiers instants, l’œuvre nous transporte dans un univers visuel minimaliste imaginé par Guillaume Vallée. Le visuel en vient à se fusionner aux propos de manière habile ; le public peut notamment voir une sorte de parasitage constant à l’écran qui semble former une empreinte gigantesque. Ceci incarnerait possiblement la tendance de l’Humanité à faire mourir ou à parasiter tout ce qu’elle touche. L’œuvre tente probablement de véhiculer que l’égo monstrueux de l’humain voulant laisser sa trace sur le monde est en train de causer sa chute. Or, ce parasitage, c’est peut-être aussi notre inaptitude à communiquer pour trouver des solutions. Une sorte de statu quo cauchemardesque parasitant la suite du monde. Les mots de la poétesse semblent également abonder en ce sens.

Rêve

D’ailleurs, dans la partie intitulée Le rêve, tout juste après celle qui est intitulée, justement, La chute, on assiste à une énumération de plusieurs espèces animales désormais éteintes. Il s’agit d’une longue liste qui nous pousse à une réflexion sur la responsabilité d’action et qui nous donne à voir toutes les espèces animales qui sont, en quelque sorte, piétinées sous nos empreintes. Les images de cette partie, créées par Yonkers Vidal, donnent à voir de sublimes agencements de couleur qui agissent dans l’espace de façon chaotique et qui pourraient s’apparenter à des réactions chimiques ou encore à des éruptions solaires.


Réenchantement

« Il s’agit d’un véritable appel époumoné de l’artiste qui tend vers un amour du collectif et un délaissement de l’individualisme »

Le message de l’artiste ne s’arrête pourtant pas à la prise de conscience et de responsabilité passive : la responsabilité se trouve aussi dans les actions face à ce constat d’échec. Sartre écrivait dans L’existentialisme est un humanisme : « Et, quand nous disons que l’homme est responsable de lui-même, nous ne voulons pas dire que l’homme est responsable de sa stricte individualité, mais qu’il est responsable de tous les hommes. Quand nous disons que l’homme se choisit, nous entendons que chacun d’entre nous se choisit, mais par là nous voulons dire aussi qu’en se choisissant il choisit tous les hommes. » La partie finale de l’œuvre est axée sur le réenchantement. Il s’agit d’un véritable appel époumoné de l’artiste qui tend vers un amour du collectif et un délaissement de l’individualisme. Elle tente de raviver la flamme de l’humanité, car, selon ses mots, « nous avons oublié comment construire un feu ».

En ce qui concerne la trame sonore qui accompagne le tout, elle se marie bien aux différentes parties tout en restant très minimaliste. C’est une sorte de transe qui guide vers le propos plutôt que de nous y engager de force.

En ce sens, Si je reste est l’un des vidéo poèmes les plus aboutis qu’il m’ait été donné de voir. Le Festival international de la littérature débute sa première semaine avec une œuvre pluridisciplinaire des plus réussies. S’il est vrai qu’il faut que nous restions, que nous agissions dans le monde, il est aussi vrai que les paroles de Queen Ka restent avec nous. Longtemps après les avoir entendues.

D’ailleurs, il est possible, et ce, jusqu’au 4 octobre, de visionner sur la plateforme numérique du FIL quatre extraits de romans québécois, lus par des comédiennes talentueuses. Cet événement numérique intitulé Les inoubliés du printemps se veut un diachylon culturel pour faire front à la pandémie. Nous vous encourageons donc à visionner ces extraits sur le site du FIL. Les voix de ces comédiennes resterons avec vous de la même façon.

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Le 19 juillet dernier se déroulait à Montréal la manifestation contre les violences sexuelles. C’est à partir du parc La Fontaine que les gens se sont réunis afin d’écouter des victimes d’abus prendre la parole, dans une visée de conscientisation et de soutien face à la vague de dénonciations d’agressions sexuelles ayant eu lieu sur les réseaux sociaux dans les dernières semaines.

Miranda Kerridge, 21 ans : « Moins de 1% des violeurs ont passé une nuit en prison. »

« L’abus sexuel est un cycle qui doit cesser » dit Miranda. Interpellée par plusieurs à la manifestation, elle exprime haut et fort sa colère. Les manifestants et manifestantes demandent une justice équitable et inclusive pour toutes et tous, en affirmant les difficultés vécues notamment par les communautés trans, autochtones et racisées. Elle affirme aussi que « les travailleur‧se‧s du sexe peinent à recevoir de l’aide dans une société qui les rejette déjà. »

Julie Leblanc, 51 ans, militante.

« Je suis ici pour montrer que je n’ai pas peur. Je veux manifester pour me libérer et représenter les femmes qui ne peuvent pas être ici aujourd’hui », exprime Julie Leblanc, une autre militante présente à la manifestation.

C’est assez, le collectif en charge de l’événement, a pour mission de dénoncer les abus sexuels et psychologiques. Dans un communiqué annonçant l’événement, iels affirment : « depuis un peu plus d’une semaine, une vague de dénonciations déferle sur les réseaux sociaux. Ces derniers jours, c’est par centaines que nous avons eu le courage de témoigner et partager les abus dont nous et tant d’autres avons été victimes. Encore aujourd’hui, nous sommes frappé‧e‧s par la réalité du chemin qu’il nous reste à franchir. »

Selon les données recueillies par Statistiques Canada, « seulement 3 agressions sexuelles déclarées sur 1000 résultent à une condamnation ». Les données révèlent qu’en 2014, 633 000 agressions sexuelles ont été déclarées, alors que 1814 d’entre elles ont mené à une condamnation.

Deux militantes avec des enseignes. À gauche, l’on peut lire « Arrêtons le harcèlement sexuel » et à droite « Les violeurs violent les gens, pas les vêtements. »

Le collectif C’est assez conclut son communiqué ainsi : « Tout le monde a un rôle à jouer pour contrer la culture du viol. Par cette manifestation, nous souhaitons conscientiser la population sur le problème systémique de la culture du viol et des violences sexuelles sous toutes leurs formes. »

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Crédits photos: Hélène Picamelot

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Quand je ne crée pas, je ressens de l’inquiétude. Je ne sais pas encore si la créativité est un muscle ou s’il faut la laisser respirer, mais j’ai parfois cette anxiété de la page blanche, du manque d’idée.

J’ai toujours eu une imagination assez débordante et je ressens un besoin presque vital de m’exprimer sur papier. Je fais aussi de l’art parce que j’aime partager les sujets qui me tiennent à coeur, en les rendant visuellement sensibles.

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Quand elle rentre le soir, elle passe rapidement par les toilettes, frôlant les murs, se mouvant telle une ombre, puis s’enferme derrière ses remparts. Des silhouettes noires se découpent dans le salon, avachies sur les canapés, pieds posés sur la table basse, télécommande à la main, semant sur son passage rires moqueurs, ou plus supportables mais plus insidieux, silences.

Les bruits de la guerre l’attristent et la fatiguent. Ils sont si forts qu’elle perçoit chaque mot, qui reste ancré dans son cœur, submerge son esprit, l’empêche de sombrer dans le sommeil la nuit venue, la font parfois tomber à genoux d’angoisse et de douleur, les mains nues dans la neige blanche, le visage rouge de honte, entourée de passants qui la frôlent, indifférents, étoiles filantes vaquant à d’autres occupations, alors qu’Olivia sûrement s’éteint, alors qu’Olivia sûrement implose, alors qu’Olivia sûrement abandonne, se mure dans le silence, laisse les reproches, les sous-entendus et les insultes couler le long de son corps.

Sous la douche, les larmes d’Olivia pourraient se mêler à l’eau savonneuse, ce serait une bien belle image, une séquence de film poignante, quelqu’un crierait «coupez» et on lui of- frirait une serviette, on réajusterait son maquillage, on lui dirait «tu as été formidable», on éteindrait les lumières et on irait boire un verre pour clôturer la journée de tournage.

A la place, le colocataire lance, confiant et rieur: «vous n’avez pas remarqué qu’elle pue?», et la gorge d’Olivia se serre, s’étrangle, elle suffoque, ses ongles s’enfoncent jusqu’au sang dans ses paumes.
Et derrière la fine cloison de répéter, plus fort: «vous n’avez jamais remarqué qu’elle pue? Quand j’entre dans une pièce je peux sentir sa présence. » Et Olivia de haïr son corps, d’englober de dégoût sa propre enveloppe charnelle au point d’en trembler, au point de se laisser envahir de bourdonnements, allongée, les membres écartés dans ses draps défaits, moites d’angoisse, n’aspirant qu’à disparaître.

Olivia rêve de goûter au silence, mais quand enfin les voix se sont tues, le bruit assourdissant de la ville resurgit. Au cœur de la mégalopole montréalaise, depuis cette résidence-hôtel sans âme, aux murs blancs d’hôpital et aux réceptionnistes froids, les klaxons des voitures se mêlent au brouhaha des travaux, au sifflement du vent et aux rires des passants. Alors, Olivia s’enfuit tous les week-ends, survolant à la vitesse de la lumière les pierres du pont-levis, se mêlant à la foule, écoutant d’une oreille les conversations des autres, prenant du plaisir à chaque mot puisqu’enfin ils ne sont pas dirigés contre elle, puisqu’enfin ils ne la désignent ou ne l’excluent pas, puisqu’enfin elle a le droit d’être et de se mouvoir sans qu’on lui reproche d’être là.

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Faire vivre leur héritage culturel et le partager n’est pas le seul but de cette sixième édition de la semaine organisée par le Bureau de l’éducation pour l’équité sociale et la diversité (SEDE, ndlr) de McGill. Il s’agit avant tout de sensibiliser les étudiants aux enjeux sociaux, politiques et économiques auxquels font face les populations autochtones.

Huit ans après la mise en place du Comission de vérité et de Réconciliation censé apporter réponse et réparation aux sévices subis par les anciens élèves des pensionnats du gouvernement canadien entre 1880 et 1996, les communautés autochtones se battent toujours pour pallier les répercussions d’un génocide culturel souvent méconnu du grand public.

Le Délit a sélectionné quelques clichés pour revenir sur cette journée.

Ci-dessus — Les danses traditionnelles sont, au sein des communautés autochtones, remplies de symboles. Rite de passage, description d’une chasse ou d’un haut fait de guerre, ou encore tableau des événements de la vie quotidienne, sont autant d’histoires et faits dansés et célébrés. Autre symbole important dans cette image: les danseurs foulent un sol qui n’est plus le leur. En effet, McGill se situe sur un territoire non cédé, celui du village Hochelaga, ayant été occupé pendant longtemps par une des six nations de la confédération iroquoise, le peuple Mohawk.

Ci-dessus — «Transmettre nos traditions aux futures générations est pour nous une étape importante dans notre parcours vers la guérison» confie une femme autochtone lors des compétitions de chants de gorge — jeux vocaux traditionnellement pratiqués par les femmes inuits.

Ci-dessus — Un dialogue inter-culturel qui tend vers la réconciliation et cherche à combler beaucoup d’ignorance sur la place des populations autochtones dans la société canadienne.

Ci-dessus — La vente d’objets d’art et d’artisanat autochtones renforce le partage de culture recherché lors de cet événement, mais est surtout une source de revenus cruciale pour ces communautées dont le taux de chômage est beaucoup plus élevé que les non-autochtones.

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Les mots

La transposition scénique pouvait s’imposer parce que chacun des poèmes propose une histoire, un quotidien, des personnages définis, et chacune peut appeler une ambiance. C’est l’auteur lui-même qui raconte et il joue juste. La scénographie (Jonas Bouchard) est inventive et quelques accessoires (Elen Ewing) permettent d’enfiler seize récits disjoints sans cassure. Seize cocons reliés par le seul fil de l’observation humaine. Il y a Maureen, caissière, la soixantaine, qu’invite Clément, belles dents, un soir d’Halloween; il y a Robert-de-Laval-qui-se-donne-de-petits-défis-de-motricité-fine-en-essayant-de-trouver-le-début‑d’une-roulette-de-tape-pendant-que-sa-fille-une-excellente-gouteuse-grelotte‑d’ecstasy-parce-qu’elle-lui-a-promis-un-carême-sans-mari-ni-bière; il y a l’autre avec sa voix d’elfe; la cousine habillée trop sexy dans un party de Noël; la voiture abandonnée dans la sloche; il y a toi, spectateur, qui souris intérieurement parce que tu vois exactement ce que l’auteur décrit.

Voilà justement la force du texte de Nadeau, sa précision. La magnification de l’anodin dans la lumière crue des néons de la salle d’observation. Ce sont des petits éclats de quotidien qui sont livrés sur la lame froide et brillante du scalpel du poète moderne. Des fois, ils brillent, mais ils gisent quand même. Je dissèque, je segmente, je regarde tes tripes, je commente ton gut feeling. Il y a «bile» dans le titre, après tout. Un cafard qui oublie de rimer, une très lointaine colère, plutôt une rage impuissante et effacée par l’aspirateur de catalogue du banal. On infuse un petit sachet d’amertume et de tendresse et on boit à petites gorgées des drames ordinaires, des tragédies de lave-auto, des historiettes sans chutes, d’autres qui éraflent les genoux, des portes qui grincent et un peu d’absurdité Pepsi® avec ça.

La lumière

«Bile», certes, mais aussi «tungstène», qui est le métal avec lequel on fait les filaments des ampoules. On a parlé d’incandescence, on a parlé de lumière. Les éclairages, conçus et assurés par Étienne Boucher, sont fantastiques, mais la lumière de l’ensemble est tantôt crue comme les néons d’un gym, tantôt glauque comme une branlette derrière une station de métro. Ce qui est certain, c’est qu’il n’y a pas d’aurore. La franchise, ou plutôt la réverbération du quotidien dans son propre miroir, une galerie de portraits brossés avec un grain rugueux.

La lucidité est un peu méchante parce que les observations sont justes. Le résultat est un perpétuel sourire en coin. C’est plus fin. La langue, sans être recherchée, présente de belles trouvailles. C’est plutôt un écrin à l’observation. La poésie rejoint tantôt les Vulgaires machins, tantôt la concision triste des sous-entendus d’une rubrique nécrologique. Enfiler des perles un peu gibbeuses, suspendre des instantanés sur une corde à linge de quartier tranquille, plaquer les cartes en jouant au solitaire en pensant quand même à ses vieux péchés.

Il y a dans Tungstène de bile quelque chose du paradoxe du papier bulle, un quotidien matelassé de petites cloques, qui, chacune, implore secrètement qu’on la fasse éclater pour qu’enfin, et pour un seul et ultime instant, elle puisse grincer de sa propre voix.

Le temps

Une heure quarante sans entracte. On comprendra l’auteur de n’avoir pas voulu s’amputer, ou de n’avoir pas su de qui se délester, mais certains (surtout ceux qui carburent au macro et qui sont insensibles à la beauté des fractales illustrée dans les sommités de choux-fleurs), finiront par trouver le temps long. Appréciatifs, reconnaissants, mais saturés. Sans doute était-ce difficile à éviter: les transitions ont beau être souples et inventives, l’autonomie des historiettes fait obstacle à la montée dramatique. On sent un dessein d’apothéose, avec la succession des numéros musicaux vers la fin, mais les bramements de Stéfan Boucher, le comparse qui occupait jusque-là adroitement sa console et l’espace scénique de son bruitage, judicieusement confiné à quelques répliques tassées et senties ou à piquer de ses rifs maîtrisés les tableaux les plus statiques, déconcertent, dérangent. Bah, les ampoules grésillent toutes, lorsqu’on écoute bien.

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Le Délit (LD): Bonjour Jules, je suis tombée sur cette photo (trois jeunes et un fusil) et je me suis demandée si tu pouvais m’expliquer un peu le contexte dans lequel tu l’as prise?

Jules Gauthier (JG): C’était en décembre 2013, dans la ville de Tripoli, la deuxième plus grosse ville du Liban. C’est une ville où il y a souvent eu des affrontements armés entre les sunnites et les alaouites donc c’est un peu le conflit syrien qui se déplace au Liban. Les alaouites qui supportent le régime de Bachar el-Assad affrontent les sunnites qui supportent la rébellion en Syrie. Quand il y a des combats en Syrie, ça déclenche souvent des combats à Tripoli. Ces enfants-là, toute la série sur Tripoli en fait, c’est avec ceux qui supportent la rébellion, les sunnites. C’était dans le quartier de Bab al-Tabbaneh, là où les affrontements ont souvent lieu dans cette grande ville du Nord du Liban. Cette photo-ci a été prise après une nuit où il y avait eu des combats entre les deux groupes, en milieu d’après midi dans un des souks de la vieille ville de Tripoli. Les combattants se reposaient sur des sofas et leurs enfants, ou les enfants du quartier, étaient en train de nettoyer et recharger les armes,.J’ai trouvé ça assez surréaliste: quand on habite en Occident, on n’est pas habitué de voir des enfants de onze ou douze ans nettoyer des mitrailleuses et charger des fusils tandis que sporadiquement, au loin, des tirs de sniper se font entendre. Le gros des combats se passe souvent durant la nuit, mais tout le monde reste chez soi, parce [que] les snipers sont quand même en action le jour. Si tu traverses une rue sans faire attention, tu peux te prendre une balle dans la tête.

LD: Mais comment t’es-tu retrouvé là-bas? 

JG: Je suis parti en échange pendant un an. J’étudie les sciences politiques à l’Université de Montréal et j’ai choisi d’aller à Beyrouth, à l’Université Saint-Joseph, fondée par des jésuites francophones. Il y avait environ moitié moins d’étudiants étrangers cette année-là, à cause des conflits. La majorité des étudiants en échange viennent de France, j’étais le seul Québécois, même le seul Canadien.

LD: Tu vivais à Beyrouth mais tu prenais des photos à Tripoli ?

JG: Je vivais dans un appartement pas trop loin de la gare routière. Tous les jours je regardais les infos et si je voyais qu’il y avait un affrontement [il claque des doigts], ou «ça pète», «il y a de la tension», je prenais mon appareil photo, je sautais dans le bus et je fonçais… Si je n’avais pas de cours. Bon, parfois j’ai manqué des cours, comme tout le monde… Tu débarques du bus et t’entends des mitrailleuses qui tirent partout, c’est… c’est assez étrange. Tout le monde connait un peu la situation là-bas, Tripoli c’est très facile d’accès, à seulement à 80 kilomètres de Beyrouth. Tu peux y aller comme ça [il claque des doigts]. C’est difficile, par contre, de trouver des contacts. Un jour, en me promenant dans le souk, j’ai rencontré un vieux monsieur auquel j’ai expliqué que je voulais prendre des photos des combattants, de ce qu’il se passait à Tripoli. Et puis il m’a répondu: «oui, moi même je suis un ancien combattant, viens je vais t’amener.» Il m’a fait rentrer dans des quartiers où normalement on ne peut pas trop aller comme ça avec un appareil photo.

LD: Et tu restais dormir à Tripoli?

JG: Je partais le matin de Beyrouth,  ça prenait deux heures pour aller jusqu’à Tripoli. J’arrivais vers midi, je faisais mes photos et je repartais vers huit heures le soir dans un petit bus. Des fois, quand je prenais des photos plus tard le soir ou la nuit, je dormais dans une auberge à Tripoli, ça coutait quinze piaces la nuit. Je me débrouillais, c’est assez accommodant quand même.

LD: Il y avait beaucoup de monde qui allait prendre des photos?

JG: Non, non.  Enfin il y a beaucoup de photographes qui y ont été mais, personnellement, je n’en ai pas croisé pendant que j’y étais. Tripoli, ce n’est pas un sujet très original, mais c’est une façon de faire ses armes un peu. C’était un conflit quand même contenu dans une ville, même s’il y a parfois des affrontements dans d’autres villes du Liban, ça reste assez localisé. Après j’ai été en Syrie.

LD: Ce weekend, la Syrie entrait dans sa cinquième année de conflit, comment c’était quand tu y es allé, en janvier 2014?

JG: J’y suis allé dans un contexte assez particulier. La plupart des journalistes qui ont couvert le conflit l’ont fait du côté de la rébellion. Ils sont entrés illégalement sur le territoire via le Liban ou la Turquie et ont rejoint les groupes rebelles qui affrontaient le régime syrien. Aujourd’hui, c’est devenu beaucoup plus compliqué de couvrir cette guerre syrienne, les risques d’enlèvement sont beaucoup plus grands à cause de la présence de l’État islamique et les groupes djihadistes se sont multipliés. Moi j’ai pris des photos de l’autre côté. Je ne prends pas du tout parti dans cette guerre-là, j’ai mes propres idées là-dessus. Je l’ai fait d’un point de vue journalistique, photographique. Quand tu fais de la photo journalistique, peu importe le côté où tu vas, tu le fais pour documenter. J’ai été du côté de Bachar el-Assad, j’avais des contacts via une organisation humanitaire. On a obtenu des visas, on a été logés, nourris et on se déplaçait avec l’armée pour éviter tout enlèvement. Nous étions avec SOS chrétiens d’Orient qui allait porter des cargaisons de vêtements, de jouets et de vivres aux différentes communautés religieuses à Damas. Pendant qu’on se déplaçait, je prenais des photos. Je n’étais pas là en tant que journaliste: le régime surveille qui prend des photos sur le territoire, ça reste un régime autoritaire. Je n’avais pas le droit de photographier des soldats et des installations militaires.

J’essayais d’être discret même quand je prenais des photos de gens dans la rue. La photo des enfants qui dansent en rond a été prise dans un orphelinat près de Damas.

LD : Et l’interaction avec les civils, c’était comment?

JG : Dans un régime autoritaire, les gens se sentent surveillés. Si quelqu’un parle en mal du régime, les policiers peuvent arriver chez lui et l’arrêter. Si par exemple, je me balade dans la rue et que je demande à un commerçant dans sa boutique: «Et puis, toi tu penses quoi du régime ?», il y a peu de chance pour qu’il me réponde. Il y avait une tension, l’ armée nous surveillait, on se déplaçait mais on ne pouvait pas vraiment entrer en contact avec les civils syriens.

LD: Ta perception des choses a‑t-elle changée?

JG: À propos des camps de réfugiés syriens au Liban, avant d’y aller, je voyais les nombres dans le journal. Des chiffres, ok, on en voit chaque jour… C’est horrible mais sans plus. Quand tu arrives dans le camp et que tu vois des gens qui s’entassent dans des tentes, au milieu d’un paysage presque désertique à la frontière entre la Syrie et le Liban; qu’il fait 40 degrés dans leur tente le jour et 2 degrés la nuit; qu’ils ont pas une cent; que les enfants vont pas à l’école; que les parents ont pas de travail… et que t’es là, toi, petit occidental avec ton Canon 5D, ça fait un peu cliché mais ça te donne un coup. Pour vrai, ça fesse pas mal.

Quand je reprenais la voiture après, pour retourner chez moi à Beyrouth, ça faisait un peu comme après un film qui t’a bouleversé, tu ne dis pas un traitre mot.

LD: Et quand tu reviens ici, que tu te retrouves au milieu des autres étudiants montréalais, tu te sens comment?

JG: C’est un retour à une vie où on a aussi nos propres problèmes, c’est sûr, c’est pas les mêmes… Je n’ai pas oublié ce que j’ai vécu, j’ai envie d’y retourner pour documenter les choses. Oui, ça a changé une certaine partie de moi, une certaine perception mais ça va pas non plus m’empêcher de vivre ma vie, moi aussi j’ai le droit de m’amuser, de lire… mais toujours en sachant que… oui ça a changé quelque chose, je regarde plus les infos pareil. Ici, les gens s’en fichent de la Syrie…

LD : Ce weekend, tout le monde en parle.

JG: Oui, et dans deux semaines on n’en parle plus. On parle de l’État islamique mais pas du régime de Bachar el-Assad. On parle des décapitations, pendant ce temps là, ailleurs dans le pays, il y a des combats qui continuent et des civils qui payent le prix fort: des barils de bombes, des attentats, des enlèvements…

LD : Si on te proposait d’y aller sans appareil photo, tu partirais quand même?

JG: J’en serais incapable aujourd’hui, je dois avoir mon appareil photo. Ne serait-ce que pour un voyage, même si c’est pour aller voir la famille dans une autre ville, tu te promènes dans la rue et tu vois un truc, [il claque des doigts] hop, tu l’as! Maintenant que j’ai mon appareil photo et que je m’investis dans cette pratique, que j’espère un jour être photographe, je ne peux pas me permettre d’en manquer une, c’est trop frustrant. Je me rappelle encore d’une scène que je n’ai pas réussi à photographier parce que mon appareil était au fond de mon sac! Non vraiment, je ne pourrais pas. Pour moi, le voyage et l’étranger sont vraiment associés à la photographie.

LD: Tu as dis que tu voulais y retourner, ce serait quand?

JG: Je vais essayer d’y retourner en août, mais mes parents ne sont pas très chauds pour que je retourne en Syrie. J’aimerais aller faire une sorte d’état des lieux après cinq ans de conflit pour documenter sur les relations entre les différentes communautés, la reconstruction du pays, la formation des milices locales et d’autres sujets comme ça.

LD: C’est vraiment ta passion alors?

JG: J’ai toujours été intéressé par les conflits armés: le pourquoi, le comment, les destructions. Je ne pense pas pouvoir répondre un jour, mais je me demande pourquoi les humains continuent à s’entretuer. Ça m’attire. C’est proche parce que sur internet on a accès à plein de choses, mais en même temps ça parait tellement loin de notre monde et c’est juste à sept heures d’avion tout ça. Même si je suis profondément athée, je voudrais pouvoir comprendre les rouages des religions et les tensions entre les différentes communautés. Pour moi, c’est à la fois fascinant et absurde quand je pense à quel point ça peut faire des ravages.

LD: Y‑a-t-il une leçon que tu as tirée de ce que tu as vécu là-bas?

JG: Il faut vraiment être sur le terrain pour mesurer la chose. Il ne faut pas se fier toujours aux informations, aux journaux qui se nourrissent de sensationnalisme. Ça peut paraitre ironique parce que moi, ce que je ramène, c’est de l’information, mais il faut y aller pour voir. C’est du fragile équilibre entre sensationnalisme et documentation dont il est question quand on parle de ce qui se passe à l’étranger, surtout en temps de guerre. 

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Dans un univers en noir et blanc fait de traits gras et lourds vivent Poucet et ses parents, dans une modeste et triste demeure à l’ombre d’une sombre montagne. De frères et sœurs, Poucet n’en a point. Il est seul face aux coups de son père alcoolique et rustre. L’heure n’est plus à l’abandon des plus jeunes, mais à leur exploitation: Poucet est martyrisé, battu, sous le regard impuissant d’une mère lâche. Loin de toute innocence enfantine, il lui faut chasser afin de nourrir sa famille. Mais lorsqu’un jour il revient bredouille dans la maison qui n’a de familiale que le nom, Poucet fait demi-tour et décide de filer vers la forêt. Il grimpe dans un arbre et y passe trois jours et trois nuits de sommeil et de veille inextricablement mêlés, pris entre les délires de la faim et ceux de ses cauchemars. Quand il décide de rentrer au bercail, c’est pour exercer toute sa vengeance et perdre ses parents dans une forêt dont personne ne semble pouvoir sortir vivant. Aucun retour n’est possible; l’horreur est là, infinie.

S’enchaîne alors une suite de visions cauchemardesques, de nature et de visages déformés et de silhouettes inquiétantes. Les planches sont parfaites, magnifiques, insoutenables, malaisantes. Et ainsi, l’œuvre toute entière dérange, non seulement parce qu’elle s’en prend à un conte de notre enfance, mais aussi parce qu’elle semble s’en prendre aux contes dans leur essence, comme si elle essayait de nous rappeler que rien ne sera plus jamais «comme avant»; le fameux avant où les princes étaient charmants, où toute belle action était récompensée et où les petits garçons pouvaient sauver leur famille.

S’il est certain que cet album est d’une grande qualité visuelle, il est moins certain que vous ayez envie de lire cette histoire si génialement dessinée pour vous rappeler que… la vie est dure. Les contes de fées, et peut-être, d’une certaine façon, la Littérature avec un grand L, ne sont-ils pas là pour nous faire rêver un peu, et non pour nous infliger la dureté d’un réel que nous vivons quotidiennement?

Et pourtant… la fin du Méchant petit Poucet n’est pas une triste fin, n’est pas dénuée de rêve. D’une certaine façon, Vanoli et Demangeot nous offrent un «happy ending»; du moins en apparence. Car ce garçon perché en haut de «son arbre», cette solitude en harmonie avec la nature, loin de toute civilisation, loin de tout amour humain, est-ce vraiment un «happy ending» ou un faux-semblant presque aussi malaisant que le cauchemard que l’on vient de vivre? Que penser de ce pauvre gamin désormais incapable d’entretenir des relations humaines? Difficile de se faire une idée de cet album dont on a envie de dire «c’est génial» et «ne le lisez pas» en même temps. Une chose est sûre: après cette lecture, lors de vos balades en forêt, vous ne regarderez plus les petits cailloux blancs de la même façon.

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VOCABULAIRE:

Faire bon ménage: to get on well
Originaire: native
Touchant: touching
Poupon: baby
Débouler: to fal head over heels
Intarrissable: inexhaustible
Fondre: to melt
Carnivore: flesh-eating
Quotidiennement: daily
Impôt: tax
Perspicacité: shrewdness
Bambin: child
Minimaliste: minimalist
Bichromie: duotone
Feuilleter: to flip through
Sans conteste: indisputably

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Jacques et René sont deux voyous qui préfèrent voler plutôt que de travailler. Un jour, ils décident de prendre le large et de quitter Le Havre pour découvrir New York. Sur le paquebot France, les deux loubards embarquent à titre de serveur et de mécanicien. Débrouillards et curieux, ils se retrouvent rapidement dans la loge d’une belle chanteuse populaire qui les engage comme hommes de compagnie. La vie dans le luxe, le champagne et les beaux costumes est séduisante, mais les deux filous finissent par abandonner la belle pour débarquer en Amérique… Le Havre – New York, dernier album du talentueux Cyril Doisneau, est une exploration drôle et touchante de la condition humaine et du quotidien de gens simples et sympathiques, une œuvre sensible qui fait rêver par la qualité du dessin en bichromie et du récit, inattendu et intelligent. Les traits, clairs et fluides, font semblant d’être désinvoltes, mais les planches ne trompent pas, c’est beau et on prend plaisir tant à lire qu’à regarder.

French kiss 1986 de Michel Falardeau

Un père décide de raconter à ses deux enfants comment il a rencontré leur mère, et loin de se limiter à une anecdote ordinaire, revit ainsi l’histoire rocambolesque et touchante de sa jeunesse trépidante, entre amours et pirateries, trahisons et doux plaisirs, le temps d’un été. Aux bagarres de mômes s’ajoute un brin de romantisme, il n’en faut pas plus pour être séduit par l’histoire de Michel Falardeau qui se balade entre 1986 et 2000 avec humour et entrain.
French Kiss 1986 (Glénat) n’est pas juste une bande dessinée, c’est un plongeon en enfance, dans la nôtre, celles de nos souvenirs de gamins, bien sûr, mais aussi dans l’univers qui nous emballait tant dans des films comme La guerre des tuques et Les goonies. La nostalgie n’est pas loin dans ce récit rafraîchissant dont l’histoire tient en haleine par son dynamisme et son rythme. Bel hommage aux années 80, à l’enfance, aux amours et aux rêves de jeunesse. Une distraction amusante, un livre à découvrir pour s’évader de la morosité de l’hiver.

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Ricard affirme: «j’ai voulu proposer au lecteur une vision de ce qu’est réellement la prison française, dans toute sa violence et son absurdité, sans laisser trop de place au questionnement. C’est un plaidoyer, si on veut, contre ce système barbare et entretenu, qui va à l’encontre du bien commun». En quelques mots, tout est dit. Ce récit pourrait être un acte politique de la part d’un artiste qui veut dénoncer une  «république autoritaire dont les chiens de garde, police et justice, ne respectent ni les lois ni les droits fondamentaux des individus». Car, pour Ricard, «les prisonniers ne sont pas des “citoyens ordinaires”, mais des fauves qu’il convient de mater derrière les murs. C’est une façon absurde de traiter les problèmes, et qui a maintes fois prouvé son inaptitude à gérer la violence des individus». (propos recueillis par Marie Gloris Bardiaux-Vaïente)

La dénonciation des conditions d’incarcération passe évidemment par le sujet et le texte, mais aussi par la disposition des cases. Nicoby crée des pages majoritairement découpées en trois cases sur trois strips, ce qui rappelle les barreaux d’une cellule et marque la similitude des journées d’un prisonnier. Le temps est rythmé par des bruits, des réfléxions, quelques contacts humains et finalement, le repli sur soi. Les couleurs servent abilement le propos: des teintes claires hors de la prison, des tons mornes en cellule et une atmosphère encore plus sombre dans le quartier disciplinaire.

La justesse de l’album réside dans le fait que son auteur ne remet pas en cause les peines, mais les conditions de détention de personnes qui restent, envers et contre tout, des êtres humains. C’est une piqûre de rappel pour tous: les droits d’un homme ne s’arrêtent pas derrière les barreaux qui enferment celui-ci. La vocation d’une prison est de protéger, mais aussi de réintégrer et non d’humilier ou de détruire. Pour Milan, s’il faut payer sa dette à la société, il ne faut pas oublier pour autant qu’un criminel reste un homme et qu’aucune administration, aucun gardien ne devrait pouvoir le rabaisser. Ainsi, c’est sa voix qui s’élève et qui reste ancrée dans nos mémoires, après la lecture de ce bouleversant témoignage: «Vous savez bien que derrière chaque personne qui entre ici, il y a une douleur, il y a un besoin, il y a un manque. Rien de tout ça n’est trivial. Nous y arrivons inachevés, en souffrance. Nous en ressortons détruits, déshumanisés. Pensez-vous que ces murs n’y sont pour rien? Pensez-vous que vous n’avez aucune responsabilité à endosser?»

Il y a toutefois un petit bémol à poser dans ce brillant album, un regret: l’auteur aurait pu profiter de ce média libre et créatif pour évoquer des solutions, même impossible à réaliser. S’il est hors de question d’imaginer qu’on puisse guérir ce mal en quelques cases, le jeu en aurait valu la chandelle: pointer l’indignité d’un système est essentiel, mais pourquoi ne pas montrer ce qui, concrètement, devrait changer, au-delà du système dans son ensemble? Car on ne refait pas le monde en le changeant radicalement, mais en améliorant des petites choses qui, mises bout à bout, finissent par faire un meilleur tout. On se désole de découvrir un monde aussi brutal et inhumain, mais, optimistes que nous sommes et que nous devons rester, il aurait été bon de nous offrir une mince lueur d’espoir.

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