Mais celle qui suscite le rire, qui illustre des situations cocasses et farfelues, la connaît-on vraiment? On a tous pris des photos de vacances ratées, mal cadrées, qui nous font rire aux éclats ou provoquent la nostalgie lorsqu’on ouvre nos albums de voyage. On a tous dans chacun de nos albums deux ou trois trésors où des inconnus s’immiscent dans le cadre de la photo, mais cela relève du personnel et non du collectif.

Trouver la photo qui fera rire plus d’un million de personnes est un grand défi qui a été repris par le LIFE magazine, ce grand et renommé périodique américain sur le photojournalisme qui s’est éteint partiellement en 2007. Universaliser l’accès aux photographies de grande qualité et livrer le photojournalisme à domicile, tels étaient les objectifs de cette revue.

Le LIFE magazine a été crée en 1936 par Henry Luce et ses collègues et a perduré jusqu’en 2007, date à laquelle la revue a rendu public sur le web une quantité impressionnante d’archives photographiques. Son site Internet est divisé en plusieurs onglets, à savoir: Histoire, Culture, Célébrités, Curiosités et Photographes. Les plus grands photojournalistes du XXe siècle ont été mis à l’honneur au sein de ces publications attendues. Il a été l’un des premiers magazines à proposer autant d’images présentées dans une une mise en page innovatrice où l’œil du lecteur était guidé par un nouveau type d’infographie.

Quelques fois par mois, le magazine choisissait une photo humoristique envoyée par un lecteur et l’incluait dans sa publication. Cela permettait au public de se sentir investi dans cette aventure journalistique et d’apporter une vision contrastée ainsi qu’un brin d’insouciance et de divertissement à l’actualité orageuse du reste du monde.

Parmi la série publiée sur le site http://www.laboiteverte.fr/lhumour-photographique-de-life-magazine/, une qui a retenu mon attention est celle de deux garçonnets cachés sous une scène de spectacle et qui essayent coûte que coûte de vérifier si les musiciens en kilt respectent la tradition et ne portent pas la culotte.

Ne devrait-on pas reconsidérer à sa juste valeur l’importance du rire suscité par une photographie dans nos journaux d’aujourd’hui? Certains journaux consacrent une bonne partie de leur publication au rire et à l’ironie tandis que d’autres choisissent d’autres manières de présenter l’information, mais rares sont ceux qui équilibrent la balance. Ce n’est pas tâche facile que de susciter l’envie de sourire par l’image, il s’agit d’un art au même titre qu’un autre qui passe parfois aux oubliettes face à la densité des informations qui circulent devant nos regards.

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Pourquoi avoir choisi de vous parler d’Helmut Newton aujourd’hui? Car ce samedi 24 mars, les portes du Grand Palais s’ouvraient à Paris pour permettre au public de découvrir plus de deux cent images réalisées par ce maître de la photographie. Malgré le fait qu’il ait réalisé une grande partie de ses œuvres en France, il s’agit de la première rétrospective française en son hommage depuis sa disparition en 2004.

Du polaroïd au grand format, du noir et blanc à la couleur, on y retrouve l’éloge de la femme sous toutes ses coutures! Un éloge extrêmement controversé par l’étiquette sexiste et pornographique qui colle à la peau d’Helmut Newton depuis ses débuts. Seulement, si l’on arrive à mettre de côté ces critiques et à considérer la valeur artistique de l’ensemble de son œuvre, on y trouve des femmes libérées de toutes conventions assumant pleinement leur féminité et surtout une mise en scène d’une finesse et d’une rareté extrême.

La vie d’Helmut Newton est à l’image de son œuvre, palpitante et ambitieuwse. Né en 1920 à Berlin d’un père juif-allemand et d’une mère étatsunienne, il prend sa première photo à 12 ans.

À sa majorité, il fuit le régime hitlérien, quitte sa famille bourgeoise et s’envole pour l’Australie. Très vite il est nommé photographe pour l’armée australienne et comble ses fins de mois en photographiant des mariages. Il rencontre alors sa femme June qui est comédienne. Tous les deux, ils feront des allers-retours entre Londres, l’Australie et Paris pour finalement s’installer dans la capitale française, haut lieu de la mode, du pouvoir et de la luxure. C’est le Jardin des modes, le magazine de mode le plus prisé de l’époque, qui permet à Helmut Newton d’exploiter son talent. En 1971, dans une entrevue avec Jean-Jacques Naudet pour le magazine Photo, il ne cache pas sa passion pour le monde superficiel et même s’il n’est pas à l’aise avec ce choix, il avoue éprouver un désir incontrôlable de photographier ces femmes issues de la haute bourgeoisie qui selon lui incarnent l’archétype de la sensualité, le luxe, l’argent et l’érotisme.

Apparaissant dans Vogue, Playboy, Marie-Claire ou Elle, la femme Newtonienne est très souvent nue ou en smoking, intimidante et séductrice. D’après le photographe, «Good taste is anti-fashion, anti-photo, anti-girl, anti-eroticism! Vulgarity is life, amusement, desire, extreme reactions!» Les chambres privées d’hôtels de luxe ou les piscines sont les décors prisés du photographe, qui met en scène des femmes tantôt soumises à l’autorité masculine, tantôt maîtresses du monde.

Vous avez donc jusqu’au 17 juin pour planifier une semaine de vacances à Paname et profiter de cette grande exposition!

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Cette pâte grisâtre photographiée renferme contre toute attente la trace figée des vibrations sonores d’une grandiose symphonie de Beethoven. La photographe nous dévoile avec plus de précision son projet à travers ces quelques lignes: «This body of work looks at translating sound into a photographic image. Ludwig Van Beethoven’s symphony vibrates through milk. He composed this piece in the early 1800’s for his blind pupil and lover, Giuletta Gucciardi. Gucciardi said to Beethoven that she wished she could see the moonlight. Beethoven then composed a piece about the moonlight’s reflection off Austria’s Lake Lucerne, called Moonlight Sonata.»

En capturant le mouvement de ces vibrations sonores qui varient en fonction de la fréquence et de la longueur d’onde, l’artiste nous propose une représentation visuelle du son, une matérialisation de l’invisible. Cette traduction du son sous la forme du concret et du matériel accorde à la photographie d’autres qualités et caractéristiques que l’on ne soupçonnait pas. Alors que Beethoven a créé ce morceau pour permettre à sa bien-aimée aveugle de voir et s’imaginer le clair de lune, Sara Naim a décidé de rendre une visibilité entière à cette symphonie.

Pour retracer l’origine de cette expérience, il faut remonter jusqu’en 1787 et se pencher sur le travail d’Ernst Chladni, inventeur de l’acoustique moderne. Bien avant l’apparition de la photographie, ce chercheur réalise une expérience qui va permettre de capturer, grâce à un dispositif scientifique, le mouvement sonore et ainsi observer les figures de formes géométriques qui apparaissent. Afin d’obtenir de tels résultats, il saupoudre de sable une plaque de cuivre et en frotte le bord à l’aide d’un archet.

Ces deux expériences ont comme point commun de proposer une interprétation visible et concrète du son qui participe à démystifier sa présence. En effet, dans les années 1920, les débuts des ondes radios ont suscité de nombreuses inquiétudes et interrogations sur la provenance de ces voix grésillantes qui semblaient appartenir à l’au-delà. La plupart des scientifiques de l’époque travaillaient de pair avec le paranormal. S’ils avaient pu voir à travers des clichés les traces de cette voix, ils auraient certainement éprouvé moins de frayeur à son égard. Enfin, un journaliste a posé la question suivante à Sara Naim: «Quel est votre travail?», ce à quoi elle a répondu: «Traduire la philosophie en des métaphores visuelles». Qui sait, peut-être que dans quelques années, il sera possible de commander la série photo de n’importe quel morceau sur iTunes!

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Car  sans  la   présence   de cette  curiosité presque culottée, cette  chronique  n’aurait jamais pu sortir  de sa tanière. Lundi dernier, en  fin  de  soirée,  je  me rendais comme souvent à la place  aux  Huiles pour  observer, à travers  les vitrines  les multiples galeries d’art et salles d’expositions   qui  s’y trouvent, les  dernières occupantes des présentoirs.

Alors que  je croyais connaître ce lieu sur  le bout des doigts,  voilà que  l’arcade  boisée d’un  vieux  porche débouchant sur  un  escalier  en  bois  a  attiré mon  attention.mais  peu  importe, il fallait  que j’aille voir  ce  qui  s’y cachait. Je montais donc  en haut de l’escalier   qui   débouchait  sur   deux salles:  à ma  gauche, un  bel  atelier de  peintre et à ma  droite  une étroite  galerie d’expositions photographiques! Je n’y découvrais pas l’Amérique, mais quel- que chose de plus intriguant encore: les  photographies  sus- pendues aux murs  de Marco Binist,   semblaient être recouvertes  d’une   couche de  cendre granuleuse qui  éveilla tous  mes sens. Il s’agissait de tirages à charbon direct,  procédé inventé au  XIXe  siècle  et qui  fait l’objet de la chronique d’aujourd’hui.

Les frères  Fresson, détenteurs  du  secret,  installèrent d’abord  leur   atelier   à   Dreux, puis  l’un des deux  monta à Paris dans  le but  d’adapter ce processus  à la couleur.

Ce   procédé  qui   prendrait trop de lignes à détailler,  se détache  des   tirages   classiques par sa capacité  à abandonner l’image  à son  développement, à la laisser  s’inventer comme elle le désire.

Il  y  a  en  effet  une   grande part  de hasard dans  l’expression esthétique de  l’image  lorsqu’on utilise  le charbon direct.  On  obtient  une  photographie cendrée et vaporeuse, se rapprochant étrangement du  croquis réalisé au fusain. Il  a  été   un   outil   essentiel aux  photographes pictorialistes, comme Léonard Misonne, qui privilégiaient  le  rendu final  de l’image  à sa fidélité  par  rapport au   réel.   Photographe  belge   et chef  de  file  de  l’école  pictorialiste, il photographiait tout  aussi bien  des hommes, ouvriers et paysans  au travail,  que  de nombreux  paysages  de campagne.

Aujourd’hui, l’atelier pari- sien  de la famille  Fresson continue de perdurer et offre des tirages d’une qualité incroyable pour tout  portefeuille bien  garni…

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Avez-vous entendu parler de l’article qui a fait scandale en décembre dernier «Sale temps pour les photographes de presse»? Publié sur le web, il relate le licenciement injuste et inattendu de douze photographes travaillant pour la chaîne américaine CNN. Leur patron ne trouvant que ces mots pour justifier son acte: «Nous avons passé beaucoup de temps à analyser la façon dont nous utilisons et nous déployons nos photojournalistes dans le pays. […] Les technologies grand public sont plus simples et plus abordables. De petits appareils photo sont maintenant de haute qualité. Cette technologie est dans les mains de plus de personnes.

Après cette analyse, CNN a décidé que quelques photojournalistes doivent quitter la société». Et ce n’est que le signe avant-coureur d’une épidémie qui ne cesse de croître! En France, au Québec et partout ailleurs, les rédacteurs en chef des magazines préfèrent publier à bas prix des photographies qui ne payent pas de mine plutôt que de consacrer une plus grande part de leur budget à des clichés de qualité. Si on est pour se faire bombarder d’images, autant que ça en vaille le coup pour nos mirettes!

Heureusement, des contre-attaques ont vu le jour afin de faire face à cette paupérisation de l’image. On compte parmi elles les magazines indépendants, les festivals et les remises de prix ainsi que les galeries d’art en ligne, en particulier photoartsize. Nouveau quartier général des photojournalistes émergents, cette galerie numérique s’adresse aux particuliers qui souhaitent satisfaire leur désir d’évasion ou décorer leur salon ainsi qu’aux entreprises qui utilisent de plus en plus l’art pour communiquer. Le spectateur a ainsi accès à des reportages de qualité sélectionnés par un jury. Ce site promeut la valeur artistique des photographies de reportage en se spécialisant dans le photojournalisme d’art ou le «décojournalisme». Ces concepts aux intitulés barbares sont nés pour se différencier des photographies de presse souvent choisies pour l’impact de leur message au détriment de l’œil aiguisé du photographe professionnel. Avec photoartsize, on peut commander ses photos en ligne en choisissant le format, l’encadrement et la finition.

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Dans sa boite à outils, Garcin possède une gamme d’objets symboliques qu’il réutilise à souhait pour mettre en scène le théâtre de ses songes: sa grande bobine de ficelles pour l’écoulement du temps, de grands cadres de photos d’où il contemple son passé et une série de marionnettes en papier pour peupler ses rêves.

L’œuvre de Garcin est en quelque sorte là pour nous rappeler qu’il est essentiel de cultiver la simplicité et la vérité en photographie, de laisser divaguer notre imagination, d’aller jusqu’au bout de notre pensée et surtout de mettre la main à la pâte! Voici une ode à notre bonne vieille technique argentique qui a tendance, de nos jours, à se faire marcher sur les plates bandes par le numérique, ce prétentieux rat de l’informatique qui nous ment!

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La force de cette image réside donc dans sa spécificité à évoluer dans «son propre bain» et à l’établissement du lien direct entre sujet photographié et présence physique du réel. Le photographe avait déjà réalisé une expérience similaire auparavant avec le portrait de l’un de ses amis qu’il avait fait tremper dans ses larmes. En incorporant des éléments physiques de son sujet dans le processus de développement chromogénique même de ses photographies, Matthew Brandt repousse les limites visuelles de la photographie et ouvre les portes vers une conception plus matérielle et corporelle de ce médium.

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À ne pas confondre avec le roman photo qui est souvent niais et obscène, apparu dans les années 50 et qui s’apparente visuellement à un graphisme de bande dessinée, le récit photo intègre peu de matière textuelle et repose uniquement sur le pouvoir narratif de l’image. Il se compose d’une suite de photographies mises bout à bout qui peuvent s’enchaîner sur une musique et être mises en mouvement ou plus simplement laisser au «lecteur» le libre choix de changer de vue quand bon lui semble.

Cet usage séquentiel de la photographie a été grandement expérimenté par Duane Michals qui a prononcé ces mots célèbres: «La plupart des photographes sont des reporters, moi je suis un écrivain de la photographie». Né en 1932 en Pennsylvanie, il associe texte et image en légendant ses séries photographiques pour créer son propre langage appelé «la narration séquentielle». Amoureux des images surréalistes, il nous embarque dans son univers truffé d’apparitions, de reflets, d’illusions et d’irréel.

Il pratique la double exposition qui tend vers une dissolution des identités et des sujets malgré la technique, qui n’est pas son fort: «On n’a jamais entendu Hemingway parler de la marque de sa machine à écrire!» dit-il avec humour. Quel effet la lecture d’un récit photo produit? Comment le différencie-t-on d’une séquence cinématographique, quel est le propre de cet art? Dépourvu de voix et de mouvements, le récit photo dégage une impression de lenteur contemplative et offre une vaste possibilité d’interprétations.

L’histoire est découpée en clichés sur lesquels l’œil se doit de buter et d’enregistrer chaque menu détail. L’observateur, à qui on donne le droit de bâtir son récit, a ainsi le choix de suivre le récit du début à la fin, de sauter une étape ou même de le lire à l’envers. En parallèle, des photographes comme Sophie Calle ou encore Chris Marker ont été reconnus pour leurs travaux de même nature.

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C’est le cas du travail d’Ana Pais, photographe et graphiste vénézuélienne de vingt-quatre ans qui a réalisé une série intitulée «Eternal Moments». Elle cite une phrase de Roland Barthes: «Ce que la photographie reproduit à l’infini n’a lieu qu’une fois». C’est ainsi dans cette volonté de revivre le temps révolu, de figer l’instant à la seconde près, d’empêcher l’évaporation du vécu que s’inscrit l’œuvre de l’artiste. Le cinémagraphe est finalement un moyen supplémentaire mis entre les mains de quiconque souhaite lutter contre la fatalité du temps et la mélancolie qui en résulte. Être capable d’être à nouveau spectateur d’un de ces petits riens de la vie qui pourtant participent à notre bonheur, c’est le défi lancé par ce nouveau support artistique. La naissance de la photographie animée montre que les frontières entre les disciplines artistiques continuent sans cesse d’évoluer. Le cinémagraphe est rendu possible par le progrès informatique et l’augmentation de la vitesse de téléchargement sur Internet, la taille des fichiers étant très importante. L’accès à ces créations artistiques est ainsi réservé à un public plus fortuné, hiérarchisant cet art émergent. Au contraire de la peinture, de la musique ou même de l’écriture qui sont des disciplines accessibles à une grande partie de la population, qui ne demandent pas d’installations coûteuses, «l’art en ligne» reste restreint. Peut-on alors dire que l’ensemble de l’art numérique constitue une pratique élitiste? Ces œuvres auront-elles la chance d’être reconnues ou finiront-elles par se fondre dans l’étendue massive du net?

behance.net/gallery/Eternal-Moments-Animated-Photos/1653934

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Pour réaliser le cliché ci-dessus intitulé Décadence, il s’est inspiré du tableau peint par Thomas Couture en 1847 qui a pour titre Les Romains de la Décadence. Cette orgie qui explore les thématiques du sexe, de la drogue et de la dorure est une réelle prouesse technique. En effet, il a fallu trois mois de préparation et une foule de décorateurs, stylistes, costumiers ainsi qu’une trentaine de figurants pour exécuter la mise en scène qui a été tirée en très grand format. «Pas de montage ni de Photoshop» tel est son leitmotiv! Pour Décadence, il n’hésite pas à habiller le pape d’une couronne gothique, Jésus d’un tutu et une bonne sœur de lingerie fine. Le noir et le blanc s’affrontent à la manière du neuf et de l’antique et de grandes colonnes délimitent cet espace où tout est permis et dépourvu de jugement. Outrage ou libération? Cette image saturée de tabous est d’une clarté sublime; Gérard Rancinan parvient ainsi à magnifier l’obscurité de nos sociétés et à créer des clichés d’une rare beauté. Si certains observateurs sont choqués, tel est après tout le but de la provocation, mais on ne peut nier la perfection de la composition de l’image dont chaque détail est millimétré, dont chaque recoin du décor est étudié. Dans une entrevue, il précise qu’il souhaite dénoncer sans porter de jugement, se positionner en tant qu’artiste éditorialiste. La photographie est donc intrinsèquement liée à la mise à nu et à l’engagement pacifiste. Mascarade ou pas, ce bal original risque d’en titiller plus d’un!

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Si vous avez la curiosité de feuilleter en librairie des magazines photos, vous vous rendrez vite compte de la place consacrée à la lutte pour la protection de l’environnement. En effet, qu’il s’agisse de clichés d’animaux en voie de disparition ou de paysages détruits par des activités humaines irresponsables, le thème est omniprésent. D’ailleurs, les concours photos abordant cette thématique pullulent! Photo Solution et Photo Life, deux magazines canadiens viennent de présenter leur nouveau concours annuel qui a pour titre «Regards sur notre monde» et ce n’est qu’un exemple parmi tous ces intitulés: «Passion forêt», «Objectif Énergie» ou encore «Festival de l’oiseau et de la nature». La photographie tend donc à devenir un outil de lutte politique et médiatique essentiel, ce qu’elle était déjà depuis l’apparition du photojournalisme dans les années 1890, mais à la différence près qu’elle était alors plus discrète et moins proche de la réalité. De ce constat naît donc le statut instable et souvent débattu de la photographie comme pratique artistique. Ces tensions entre Art et politique, entre esthétique et information sont loin d’être résolues; mais ne serait-ce pas là le propre même de la photographie, à savoir avoir la capacité d’informer et de documenter tout aussi bien que de servir de support à l’expression sensible du monde.

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Situé dans le Griffintown, l’Arsenal, ce nouveau temple montréalais de l’art contemporain, est en parfaite harmonie avec l’étrange impression d’oppression et de noirceur qui se dégage des photographies exposées. Avec des titres tels que The Dead de Jack Burman, qui a parcouru le monde pour photographier de plein fouet la mort, ou la vidéo Deliquesce par le collectif Gemmiform, qui évoque la volonté nostalgique d’un retour aux origines de la vie en recréant graphiquement la croissance d’un champignon; la noirceur est à l’honneur. Par ailleurs, une minorité d’artistes choisissent de célébrer la vitalité et la vivacité de notre existence, comme c’est le cas de Rinko Kawauchi qui nous propose dans Illuminance une série de photos surexposées honorant la sensualité, ou encore En cours de route de Corine Lemieux, un véritable éloge du quotidien. Le contraste entre le morbide et l’illumination est frappant, et ce n’est qu’en quittant les lieux qu’on se rend compte qu’une bouffée d’air frais s’impose après cette aventure dérangeante, à l’image du malaise ambiant qui imprègne la société.

Si l’on devait élire le photographe de la soirée, Roger Ballen remporterait la majorité des votes. Originaire d’Afrique du Sud et détenteur de nombreux prix, cet artiste perçoit la pratique photographique comme un long voyage existentiel et psychologique. Exclusivement imprimées en noir et blanc, les images issues de sa série Asylum représentent des mises en scènes macabres ou s’entrelacent des visages inexpressifs, des corps d’oiseaux en décomposition, des hommes sans têtes, des gribouillages indéchiffrables ainsi que toutes sortes d’objets sordides. C’est avant tout la démarche artistique du photographe qui attire l’attention plutôt que le contenu dense et lugubre de ces mises en scènes. En effet, il utilise la photographie comme support de représentation des œuvres d’arts qu’il réalise au préalable en utilisant soit le dessin, la peinture, le collage ou la sculpture. Pourquoi ne pas alors présenter directement au public ces œuvres d’art sous leur forme originelle au lieu de les faire revivre à travers une surface plate et linéaire? L’artiste ne dénature-t-il pas la photographie en la faisant passer pour secondaire, en lui affligeant un rôle qu’on pourrait qualifier d’utilitaire? Au contraire! Cette démarche vise à valoriser la photographie en lui confiant la responsabilité d’ancrer son œuvre d’art périssable dans une existence intemporelle et de rendre concret ses tourments auparavant enfouis. Roger Ballen précise qu’il photographie ses œuvres pour «témoigner du fait que l’asile étrangement familier où vivent ces volatiles existe bel et bien dans notre réalité, et peut-être même dans notre psyché». Difficile d’y voir clair!

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Le numérique, ce n’est pas si mal que ça.

Que ce soit par le biais des journaux télévisés, de la presse quotidienne, d’affiches publicitaires ou de magazines en tout genre, les médias nous bombardent d’images. Le numérique participe activement à cette explosion du visuel et finit par banaliser des événements de grande envergure méritant pourtant toute notre attention. Photographies de reportage, de mode, de documentaire, de publicité, de design: les catégories se déclinent à l’infini et en 2011, on finit par se demander comment distinguer le photographe professionnel de l’amateur! Il existe bien sûr des formations de photographie. Par contre, celui ou celle qui possède un Canon 5D Mark II et qui manie correctement Photoshop est parfaitement en mesure de rivaliser avec la sphère des photographes reconnus.

Valérie Jodoin Keaton, portraitiste documentaire québécoise et ex-membre de The Dears, est l’auteure d’un recueil de photos intitulé Backstage dans lequel elle dévoile les moments intimes des grands noms du rock qu’elle a eu la chance de photographier lors de ses tournées: entre autres The Killers, The Dandy Warhols, Yann Perreau, Les Rita Mitsouko ou encore Paul McCartney.

Son opinion sur le numérique est partagée: «Si on parle de l’apprentissage de la photographie, je ne pense qu’à des résultats positifs, car le numérique est plus abordable pour tout le monde, on peut se permettre de faire beaucoup plus d’essais et d’erreurs et apprendre ainsi plus vite. On peut d’ailleurs donner un appareil numérique à un enfant dès son plus jeune âge. Je pense que les seules répercussions négatives sont liées au fait que le photographe se base beaucoup plus sur l’essai et l’erreur pour obtenir une bonne image, plutôt que sur sa connaissance technique de la lumière. À l’époque du film, les photographes devaient faire beaucoup de calculs et prévoir les résultats d’une exposition choisie.»

L’apparition du numérique a non seulement bouleversé le traitement des informations publiques, mais il a aussi modifié de manière considérable la sphère privée, et en particulier la relation qu’entretient chaque famille avec ce huitième art qu’est la photographie.

Par comparaison avec l’argentique, les appareils numériques sont plus compacts, et ils disposent de cartes mémoires pouvant contenir des milliers de photos, alors que les films sont le plus souvent limités à une trentaine d’impressions. Aujourd’hui, l’erreur ne coûte rien: on a la chance de pouvoir supprimer des photos à notre guise sans se soucier du prix de notre défaillance technique. La technologie numérique a donc eu un impact sur la valeur accordée à une photographie, notamment à cause du nombre infini de photos que l’on peut prendre pour immortaliser un moment ou une action. Si on s’aperçoit que notre cliché est légèrement flou ou en contre-jour, «pas de panique!», on appuie de nouveau sur le bouton! La réalité était loin d’être la même au temps ou seul l’argentique existait: le photographe amateur avait plus de mérite si la photo était réussie et le cliché gardait davantage sa magie.

Le pouvoir qu’acquiert le sujet photographié vis-à-vis du photographe professionnel est aussi notable. Valérie Jodoin Keaton souligne ce changement dans les rapports sujet-photographe: «Avec une caméra digitale, le photographe est porté à montrer sur le champ ses photos au sujet, un processus qui ralentit la session photographique et peut interrompre la prise de vue. Le sujet a le pouvoir d’arrêter la séance de photos quand il le désire pour voir le rendu et même donner son input. Il a donc un certain contrôle sur le résultat photographique.»

Photoshop et les nostalgiques du négatif

Avez-vous déjà entendu parler de Pixelmator, de Poladroid ou de MyPhotoEdit? Ces logiciels de retouches à sonorité effrayante sont tous des disciples du maître Adobe Photoshop. Par définition, la retouche numérique est le processus d’altération d’images numériques. Le mot altération devrait vous sauter aux yeux car il connote une dégradation, soit une transformation de la réalité photographiée. La beauté originelle d’une photographie est donc remplacée par une beauté artificielle et factice.

Valérie Jodoin Keaton, quant à elle, voit la révolution numérique d’une toute autre manière: «Par rapport à l’étape post-production et aux retouches sur une photo, je ne vois que du positif dans l’utilisation de logiciels de retouche. Cela donne une part un peu plus artistique au photographe qui se permet de recréer à nouveau une image (en plus de l’originale) et de la modifier selon sa vision. Je ne vois aucune conséquence fâcheuse à cette pratique. Au contraire, le photographe gaspille moins de temps en chambre noire. C’est mieux également pour l’environnement [pas de produit chimique et de gaspillage de papier].»

Il est possible de modifier une image à l’infini et de la détourner de sa fonction de reproduction du réel et donc de sa beauté intacte. Par contre, les critères de beauté et de réussite d’une photographie se fondent-ils davantage sur la prouesse technique du photographe ou sur le contenu de l’image? Selon la photographe professionnelle, les deux demeurent absolument essentiels: «Tout dépend du contexte: si le sujet ou le moment est très éphémère, la prouesse technique est très importante. Par contre le contenu de la photo est je crois ce qui pèse le plus de poids dans la balance pour un projet d’exposition ou de livre, par exemple.»

L’instigatrice de Backstage croit qu’il peut y avoir une très belle photographie sans message, comme un beau paysage avec une lumière aux tons subtils, par exemple. Par contre, pour un travail dans son ensemble, il doit y avoir une pensée continue, un message, une réflexion sur ce qui est exprimé. «Il peut y avoir d’excellentes photos qui sont prises avec beaucoup de chance», assure la photographe Valérie Jodoin Keaton. Elle ajoute qu’un artiste qui veut réaliser une série photographique au contenu intéressant, mais ne possède pas de talents techniques, peut prendre le temps d’essayer la tactique essai erreur et qu’il finira par y arriver. Par contre, elle tient à préciser «qu’un photographe a besoin d’autre chose, il a besoin d’être très vif et d’avoir un reflexe très développé. Un réflexe pour attraper un moment surtout quand c’est un sujet qui est vivant, il a besoin de beaucoup de rapidité entre l’œil, le cerveau et le doigt qui pèse sur le déclencheur.»

Faire machine arrière

Face à cette multiplication d’images numériques et à la course au meilleur retoucheur, certains photographes décident de se démarquer par un retour à l’argentique. C’est devenu le cas de Valérie Jodoin Keaton lorsqu’elle a décidé de monter son recueil de photos Backstage et qu’elle a choisi une caméra Hasselblad afin d’approcher les musiciens dans les coulisses avant ou après leur spectacle. «Je voulais d’abord m’inspirer d’une de mes photographes fétiches: Mary Hellen Mark, portraitiste et documentariste américaine qui a utilisé un appareil Hasselblad.»

L’artiste admet son faible pour le format carré de l’appareil. «C’est une question d’équilibre. Je voulais centrer le sujet dans un environnement, je voulais limiter l’espace autour du sujet.» La photographe soutient que l’appareil lui-même a su l’aider lors de ses premiers contacts avec ses sujets: cela la dissocie des journalistes-photographes et on la perçoit donc comme une artiste. «L’impression première était très importante pour les sujets qui sont tentés de repousser les porteurs de caméras, surtout lors de l’avant et l’après-spectacle.» Les artistes photographiés, souvent intrigués par l’appareil, voulaient en savoir davantage et participaient d’autant plus au projet de Valérie Jodoin Keaton. De plus, ce type d’appareil vintage l’a contraint à exécuter la tâche rapidement car il ne contenait que douze poses. En moyenne, elle fait son travail en trois ou quatre photos par sujet, ne voulant pas abuser de leur temps et ne voulant pas perdre la spontanéité et la magie de l’échange.

Finalement, Valérie Jodoin Keaton relève le défi, en 2011, de faire un travail photographique uniquement analogique. Elle propose une vision positive du processus de retouche qui valorise la liberté et l’expression artistique du photographe, tout en précisant que le véritable artiste doit savoir prendre son temps et ne pas compter uniquement sur la chance. Par ailleurs, un grand nombre de photographes vont jusqu’à retoucher leur image numérique pour donner un effet «argentique», alors que d’autres scannent leur photos issues de la chambre noire pour faire des retouches numériques. Ces pratiques hybrides en constante innovation participent certes à ouvrir les possibilités artistiques en photographie, tout en prenant en compte la pratique des anciens de la photographie et l’origine de cet art passionnant.

Et vous, que préférez-vous, l’argentique ou le numérique? Envoyez-nous vos photos à societe@delitfrancais.com.

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La réalisatrice choisit de suivre le quotidien de deux familles juives à la veille de leur déportation, alors que l’armée allemande contrôle la moitié nord de la France. Les parents de l’une des deux familles (Gad Elmaleh et Raphaelle Gaugué) tentent en vain de cacher la menace imminente à leurs enfants. D’abord, le port de l’étoile jaune, puis l’ordonnance interdisant aux Juifs l’accès aux places publiques. Dans cette descente aux enfers, trois jeunes bambins continuent malgré tout à gambader et à rire aux éclats dans les rues de Paris sous les regards tantôt inquiets, tantôt méprisants des passants. Au matin du 16 juillet 1942, la police cogne aux portes, frappe les femmes, agresse les enfants. Des dizaines de camions sont en route pour le Vélodrome d’Hiver. Au milieu de cette agitation, une infirmière dévouée (Mélanie Laurent) soutenue par un médecin juif (Jean Reno) font partie des résistants et se démènent pour apporter de l’aide aux 13 000 juifs entassés comme des bêtes et vivant dans des conditions exécrables. Quelques-uns réussissent à passer à travers les mailles du filet grâce à l’appui du réseau de résistance, mais la majorité sont transportés vers le camp de Beaune-la-Rolande où ils souffriront de violences, de malnutrition et d’humiliation. Femmes, hommes et enfants sont séparés et déportés dans des trains de marchandises vers les camps d’Auschwitz-Birkenau où ils sont presque tous exterminés. Vingt cinq adultes seulement en sortiront vivants.

Ce drame historique est savamment mis en scène par Roselyne Bosch qui excèle à recréer l’état d’esprit des  officiers de la police française, des pompiers et des témoins de ces arrestations infondées. Elle présente une France collaboratrice et une France résistante, parvenant avec adresse à reconstituer l’atmosphère insoutenable de l’époque.

Les enfants, par leur innocence et leur ingéniosité, endossent un rôle particulier. Dénonciateurs involontaires de leurs proches lors de la rafle et héros occasionels, ils portent en eux espoir et incompréhension. Les dialogues, vifs et percutants, sont souvent teintés d’un humour raffiné qui fera sourire avec précaution le public malgré la gravité des scènes projetées.

La critique n’a apparemment pas été convaincue par le film et un journaliste des Inrockuptibles souligne la difficulté de la réalisatrice à faire un choix dans sa synthèse: «Construit selon trois échelles (Hitler dans les cocktails, le gouvernement de Vichy, les victimes de la rafle), La Rafle embrasse tous les points de vue sans laisser d’autre épaisseur d’âme à quiconque que celle provoquée par les violons.» Malgré tout, La Rafle possède des qualités certaines et sensibilisera ses spectateurs à l’un des épisodes les plus traumatisants de l’Histoire.

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