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Si le thème a déjà été travaillé au cinéma –pensons au fameux Bon Cop Bad Cop (2006)– le décor est nouveau: c’est dans un petit village québécois que l’antagonisme se poursuit, où des familles bienveillantes accueillent les naufragés anglophones. De la même manière que dans la production française Bienvenue chez les Cht’is, les étudiants font nerveusement leurs premiers pas à travers un temps morose, de la neige en juillet, et de biens grands malentendus, examinés de près par leurs hôtes.

Le film joue à la fois sur l’Histoire et sur la politique actuelle, mais il ne faut pas oublier qu’il s’agit d’une comédie. Il est donc difficile de critiquer l’irréalisme des personnages, présentés parfois sur des tons un peu ridicules, si celui-ci est fondé. Cependant, le jeu peut sembler un peu trop évident, et mène à une fin hollywoodienne loufoque et décevante.

French Immersion est un regard quelque peu simplet sur les deux cultures canadiennes, mais fera rire tout de même, en amenant peut-être l’espoir d’une meilleure coexistence – l’idée d’un «Québec indépendant dans un Canada uni» est maintes fois suggérée au cours du film. C’est peut-être le meilleur moyen, finalement, de traiter un thème aussi délicat; d’en rire, et puis de remettre la réflexion à plus tard.

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Anna sous les tropiques, traduit en français par Maryse Warda, rend honneur aux accents dramatiques et chantants de Cuba. C’est en nous laissant une larme à l’œil que la petite Marela (Geneviève Schmidt) emplit la salle de ses rires, et puis de son silence. Ofelia (Carole Chatel), fière et digne mais vulnérable dans son refus de se mesurer à l’ampleur des événements, se joint à son mari dans un jeu d’enfants à la fois terrible et magnifique. Et même le lecteur Juan Julian (Benoît Gouin), le pilier des idées et des rêves, souffre de son intrusion incertaine dans un monde que la civilisation condamne à disparaître.

C’est la lutte entre le rythme étouffant de la modernité et les pratiques d’autrefois, où les machines menacent de mettre fin à une culture. C’est la volonté de tisser avec l’invisible ces toiles de rêves que personne n’ose défaire, et dont la force miraculeuse empêche le reste de s’écrouler. Dans ce monde en pleine expansion où même les cigares n’ont plus leur place, l’humanité se livre à un triste combat, s’accroche aux mots de la saga russe comme le seul moyen de partir, d’oublier le travail, de se sentir en vie.

Ce sont alors des sentiments, des rêves et des illusions qui colorent les murs du décor austère. Ce sont des lumières pendues au plafond, éteintes par un simple souffle, des fêtes, des amours, des danses dans de grands costumes du Nord… C’est l’ode au grand art de toujours, la littérature, qui emporte tout sur son passage: l’amour, l’innocence, la vie. Et malgré la misère, malgré l’incertitude du destin, c’est le livre qu’il faut finir, parce que cette histoire, au moins, a une fin.

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Mise à part sa sélection officielle de films, le festival présente aussi des documentaires, courts-métrages et œuvres de réalisateurs émergents d’Amérique latine. La collection présentée incorpore aussi des films espagnols. En hommage au réalisateur chilien Alejandro Jodorowsky, le festival s’est ouvert sur la projection de deux de ses films cultes: La montaña sagrada et Santa Sangre.

Pour plus d’information sur le festival, veuillez consulter : http://www.cinemaduparc.com/prochainement.php

Gamineries illégales

Asalto al cine raconte la réalité d’une bande de quatre adolescents mexicains qui ont délaissé l’école pour côtoyer les mondes du graffiti, du rap et de la drogue. L’accent est mis sur le contexte de leurs vies individuelles et de groupe, décrit par une caméra qui sacrifie les effets esthétiques pour céder à une histoire imprégnée d’un réalisme contextuel: ils rêvent chacun d’amour, de luxe ou de notoriété, et cherchent un moyen de sortir leur famille de la pauvreté qu’engendrent chômage et dettes de loyer.

Leurs courage, confiance entre amis et solidarité de groupe sont mis à l’épreuve lorsque, motivés par des aspirations très humaines, ils décident de voler les caisses du cinéma local. Malgré un succès in-extremis, les adolescents ne parviennent pas à réaliser leurs rêves et retombent dans leur situation initiale. Tout en permettant une approche empathique au comportement des personnages, le film laisse le spectateur sur l’impression amère que leur misère et drames quotidiens ne possèdent pas de porte de sortie.

L’amour métropolitain à 40 ans

Igualita a mi est une comédie sur le thème des relations amoureuses et familiales dans la mégalopole moderne de Buenos Aires. Freddy, homme d’affaires célibataire, utilise depuis plus de vingt-cinq ans le club de danse Tequila comme terrain de drague. À quarante-et-un ans, sa vie est bouleversée lorsqu’il apprend que sa dernière recrue du club, Aylín, est en fait née d’une aventure avec une femme de ce même club, vingt-trois ans plus tôt. Il redouble de stupeur lorsque des tests médicaux annoncent qu’elle attend un enfant.

À mesure que la sensibilité de la jeune Aylín dérange le confort qu’il s’était trouvé autour de sa vie obstinément gamine, Freddy découvre les beautés de la vie de famille que lui avaient longtemps cachées ses phobies du mariage, des responsabilités parentales et du vieillissement. Malgré une intrigue et une formule cinématographique prévisibles, le film ne manque pas de divertir par ses nombreux quiproquos et réparties, pour lesquels certains, toutefois, auront à s’accrocher aux défilés de sous-titres pour capter l’humour vif des discussions.

Dénoncer le silence

Todos tus muertos utilise une approche tout en symboles pour dénoncer la cruauté et l’hypocrisie, alimentées par la corruption, qui règnent dans les municipalités provinciales de Colombie lors des campagnes électorales. On accompagne Salvador dans ses pérégrinations lorsqu’il découvre un amas de cadavres déposé au fond d’un champ où il se rend pour travailler. Affolé, il tente de placer sa famille en sécurité, puis accourt au village pour signaler le crime à la police et à la radio locale. Cela déclenche, à son insu, les mécanismes de défense des intérêts du maire et d’autres figures politiques, qui, dans une tentative de cacher le massacre, impliquent l’assassinat de l’animateur de radio et des étrangers américains au service d’une organisation pour les droits humains. La famille de Salvador vit cette aventure avec une angoisse grandissante, à mesure qu’elle réalise l’absence de soutien de la part de leur gouvernement pour leur condition vulnérable de paysans de campagne. Du début jusqu’à la fin du film, de multiples résonances symboliques parsèment le discours cinématographique, par le moyen de paroles, d’objets ou de scènes allégoriques. Couplée au souci accordé aux prises de vue, l’esthétique apporte une texture riche au contenu du film qui sera assurément apprécié par l’observateur attentif.

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C’est alors que sont prononcés les mots: «gaver», «battre», «malaxer», «flamber», «embrocher». Ils sont lancés dans l’air, à partir du sol qui sert de scène, et parviennent aux spectateurs, perchés à l’étage plus haut. Ils prennent la forme de la salle et reviennent vers les danseurs, qui les adoptent avec leurs mouvements, les vivent, essaient tant bien que mal de leur donner un sens.

Le dialogue est très bref: petit à petit, les mots disparaissent et se transforment en soupirs, en collisions entre les corps, en états de transe. Des caméras suivent le dialogue, lequel est projeté sur des panneaux blancs qui bougent, qui jouent avec les ombres, qui se plient et se déplient, jusqu’à  emprisonner les acteurs.

Au milieu de tout cela, il y a les arachides. Elles parsèment le sol, se retrouvent dans les cheveux, sont brisées, lancées au public, manipulées soigneusement. Elles craquent sous les pas assurés, sous les dents des spectateurs gourmands et traversent plusieurs écrans télé. C’est en marchant parmi ces arachides à la présence énigmatique, en se faisant bousculer accidentellement par les chorégraphes, que le spectateur se joint aux artistes dans leur dégustation silencieuse.

C’est un retour à la primauté du corps, de ses besoins et de ses mouvements, la volonté de sentir ce que l’on nomme, d’extrapoler sur ce qui est simple et de ne se tenir qu’à ce que l’on voit. Dans l’air froid et sombre, le mystère prend place, si bien que le dialogue n’est plus avec la foule, mais avec l’individu qui, se déplaçant dans la salle, montant et descendant les étages, recevant parfois des arachides dans les cheveux, n’observe plus le spectacle mais en fait partie intégrante.

Entre fous rires et interactions charnelles, entre monologues incompréhensibles et batailles devant la caméra, la danse fait usage du corps pour témoigner du présent, et s’insère avec confiance, seule et triomphante. Le dialogue ne suffit pas, semble-t-elle nous dire: il faut tanguer, laisser aller les mouvements, sentir les mots, danser avec son cœur et oublier le reste. La rationalité, le bon sens, l’inhibition sont jetés par la fenêtre, rappelant étrangement l’expression: «It’s peanuts!»

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C’est donc au commencement d’une douce apocalypse que l’on suit la narratrice de Voyage léger, une jeune femme dans la vingtaine victime d’un traumatisme amoureux qui décide de laisser derrière elle les sept dernières années de sa vie, cherchant quelque chose qu’elle peine encore à définir. Cet inconnu, la narratrice le trouve dans un quartier jusqu’alors inexploré de sa propre ville.

Au fil des pages, les bribes d’histoires se succèdent. On a presque affaire à un long poème en prose, parcouru d’un lyrisme amoureux et d’un espoir qui ne se tait jamais tout à fait. Toute l’action, toutes les rencontres, tous les regards échangés dans des rues brumeuses ou dans le couloir glauque d’un hôtel se déroulent à deux pas d’une réalité qui, elle, semble exister à des années-lumière.

Le roman, parsemé de rares dialogues sans caractère, tourne surtout autour des images, reconstituant le monde de l’enfance évacué des problèmes, de la peur de l’Autre, enfin de tout ce que les adultes ne savent plus ou ont oublié. La crudité de l’histoire, son caractère universel, a tout pour peindre le drame du monde actuel, où les problèmes et les moyens de les résoudre se conforment, celui où les mots n’ont que pour fonction de dépersonnaliser, celui où tous sont affairés à chercher dans l’inconnu, dans le futur, ce dont ils sont privés: la force de vivre, la force de combattre, la force de faire preuve de courage, encore si pertinent de nos jours.

Cette ultime échappatoire, la narratrice la retrouve enfin dans sa propre ville, et avec cela cette pensée: est-il vraiment nécessaire, à la fin, d’aller à l’autre bout du monde pour oublier? Ne suffit-il pas de changer simplement d’atmosphère, et, surtout, de prendre conscience de son existence, puisque, au fond, ici comme ailleurs, c’est la seule chose qui importe?

Les questions que soulève l’œuvre de Mélissa Verreault sont en partie répondues dans le roman, et c’est avec délicatesse que la jeune auteure dresse le portrait d’une génération à la fois en détresse, mais désireuse de tout voir, de tout connaître, et de consolider la seule force qui vaille: celle de pouvoir renaître, peu importe les circonstances.

Un roman où l’on boit du thé, où les pensées se perdent dans de miteuses chambres d’hôtels, où les parfums traversent les vitres et où la lumière électrique du dimanche est un hymne à la nécessité des erreurs et à ce qu’elles entraînent comme découvertes, et où la génération de l’auteure y respire à son aise.

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Des montagnes boliviennes en noir et blanc aux rues agitées de Cochabamba, entre des scènes d’exécutions publiques et des discours évangélistes, sont intercalés par des images de soulèvements populaires où l’on réclame le droit universel à l’eau, et des scènes d’arrestations arbitraires. Dans Même la pluie (También la lluvia), le passé et le présent se font face, et entament un dialogue qui est loin d’être terminé. Le parallèle est troublant: entre les exploitations du passé et les injustices du présent, il ne reste que le temps.

Dans cette atmosphère politique tendue et inquiétante, alors que le réalisateur rêve aux bégaiements de lois internationales, une histoire plus actuelle, plus troublante de par sa nouveauté, se déroule devant les yeux de tous. Et c’est autour d’une table, servie par des personnes d’origine indigènes, que l’équipe de tournage espagnole parle d’un temps dominé par une atrocité innommable.

Les restants de la domination européenne se lisent sur les regards, se sentent dans les angoisses des personnages –incluant le réalisateur Sebastián et l’acteur Anton (Karra Elejalde)– et, surtout, donnent à l’Histoire et au présent une part d’humanité.

«La vérité a beaucoup d’ennemis; le mensonge a beaucoup d’amis.» Le film de Bollaín illustre, mais ne prend pas position, et c’est peut-être là que réside sa force. D’un côté, les scènes très dures, les horreurs inexprimables, et les misères sont portées à l’écran, sans retenue (et pourtant sans exagération); et de l’autre, les angoisses perpétuelles, la difficulté de se détacher des a priori. Montrer est assez; la réflexion suivra.

Malgré quelques scènes calquées des films américains à grand public, l’originalité du scénario, la mise en abyme bien orchestrée et les prises de vue parfois spectaculaires ne peuvent que ramener à la vie une histoire connue de tous qui vaut la peine d’être repensée.

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D’anciens films en noir et blanc à des productions asiatiques actuelles, en passant par des films d’animation étudiants, le jeune festival sait prendre des risques avec une programmation unique, pour ne pas dire décousue.

Heureusement, la qualité de la sélection vaut le déplacement, malgré les bourrasques de neige et de pluie: parmi les nombreuses productions, Le Délit en retient trois.

Séoul revisité

Barking Dogs Never Bite, du célèbre réalisateur coréen Bong Joon-ho, rappelle étrangement la post-Nouvelle Vague française. Sur fond de musique classique, il nous dévoile un Séoul délicat, des quartiers vivants, une vie sociale sans rien d’impersonnel ni d’étouffant. C’est avec pitié et amusement que l’on suit l’anti-héros, un gradué en sciences humaines légèrement dépressif, convoitant un poste de professeur à l’université. Déchiré entre son amour envers la nature, ses dettes et sa femme qui consomme une quantité impressionnante de noix, l’intellectuel développe une irritation compulsive envers les aboiements de chiens dans son immeuble. À travers des péripéties inutiles, il rencontre des personnages attachants (notamment, une jeune secrétaire dans un bureau de comptabilité) avec qui il parcourt un Séoul dont les grandeurs ne sont plus un obstacle pour les relations humaines, où les arbres continuent à peupler les rues et où les chiens deviennent le troisième membre des jeunes couples. Une comédie originale et attachante, aux plans parfois spectaculaires, dans laquelle Séoul séduit et fait sourire.

Une vie toute neuve

«Tu ne sauras jamais combien je t’ai aimé, et tu le regretteras plus tard, mais il sera trop tard», chante doucement une petite fille coréenne âgée d’environ 9 ans, accrochée au dos de son papa qui parcourt une ville coréenne à vélo. C’est dans ces souvenirs limpides que commence l’autobiographie d’Ounie Lecomte, intitulée A Brand New Life. Ces souvenirs si furtifs vaudront à cette petite fille de nombreuses années de frustrations et de questionnements.

Dans l’orphelinat campagnard où son père l’abandonne, la petite Jinhee refuse de faire face à l’abandon, repense la vie, apprend que les promesses peuvent être brisées. Dans des séquences lentes et grises déferlent l’absurdité des arrivées et des départs, la répugnance et la fascination de l’inconnu, et la vie quotidienne dans l’orphelinat: une vie d’attente, de solitude et d’espoirs brisés. Puis, après toutes ces crises, tous ces efforts pour donner raison à l’amour et à l’espoir, des voitures peuplées d’étrangers arrivent, et l’espoir renaît, certes, mais il n’est plus imprégné de la candeur d’autrefois.

L’histoire de Jinhee est d’un réalisme troublant, à la fois dans le jeu très juste des enfants et des sœurs de l’orphelinat, mais également dans la description de cette poignée d’angoisses, de déceptions et d’attente que les jeunes enfants retiennent de leur expérience, bien après leur entrée dans une nouvelle vie.

Amantes de la mer

Seashore Village compte parmi les 109 films réalisés par le maître du cinéma coréen Kim Soo-yong. L’action se déroule dans un village indéterminé situé en bord de mer, où les vagues et les tempêtes tumultueuses décident du destin des gens. Celui de Hae-Sun est tragique: dix jours après son mariage, la tempête emporte son mari, et avec lui toute joie, tout espoir. L’aide que lui apportent les femmes du village, dont plusieurs sont veuves ou vieilles filles, n’est pas suffisante: un remariage s’impose et permet à Hae-Sun d’oublier sa peine dans des contrées lointaines, aux côtés de son nouvel époux.

Toutefois, les bains dans l’eau agitée, les potins entre femmes du village, le son incessant des vagues, les tempêtes, et toutes les tragédies et les pertes qu’ils ont causées, rattrapent Hae-Sun au dernier moment: la mer lui revient, en songe, puis en réalité, tel un amour dont elle ne peut se séparer. Et c’est dans une mélancolie heureuse qu’elle se joint aux veuves qui, malgré la perte de leurs maris, continuent à aimer la mer, leur amant par excellence, celui qui les écoute, leur parle et les garde près de lui.

Malgré un scénario apocalyptique au possible (frôlant parfois le ridicule), le film demeure un classique du cinéma coréen, et souligne à juste titre la période des «films littéraires» des années 60 que Soo-Young a admirablement maîtrisés au cours de sa carrière.

Jusqu’au 13 mars à la salle J.A. de Sève de Concordia et à la Cinémathèque québécoise.

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Après Gang of Losers (2006) et Missiles (2008), voici Degeneration Street: un album que certains pourraient qualifier de point d’apogée de l’œuvre des Dears, à la fois grâce à la maîtrise de leur style suave et dramatique, et aux mélodies rock orchestrales sophistiquées. Quatorze nouvelles chansons qui rappellent le passé et se tournent vers le présent, dans cette fraîcheur de l’inconnu qui angoisse parfois et calme souvent.

C’est par une de ces soirées d’hiver frigorifiantes, où chacun semble avoir oublié la désinvolture de l’été, que Le Délit s’est entretenu avec Patrick Krief, guitariste de The Dears depuis 2003. C’est avec un charisme enviable, visiblement indifférent à la température, qu’il a partagé avec nous sa vision de la musique et de la vie.

«Je suis compositeur avant tout, déclare Krief. L’important pour moi, c’est d’exprimer ma propre réalité.» La création, assure-t-il, peut pourtant se faire en groupe: «il y a une raison pour laquelle nous jouons ensemble: nous sommes tous sur la même longueur d’ondes.» La musique qui en résulte est le produit d’une même personnalité qui transcende. C’est peut-être même cette personnalité, que Krief qualifie de dramatique, qui l’aurait poussé à réintégrer le groupe après l’avoir quitté en 2007 pour entreprendre une carrière avec Black Diamond Bay. «Quand j’étais en tournée pour promouvoir mon EP Take it or Leave, [Murray Lightburn] et moi étions toujours en contact. Il m’a parlé d’une opportunité de jouer un rôle différent dans le groupe, et j’ai décidé de revenir.» Résultat: Degeneration Street, composé par les six membres du groupe et que Lightburn, le chanteur principal, qualifiait du «meilleur des Dears» lors d’une entrevue avec La Presse en septembre dernier.

Serait-ce cette émotion dramatique, si bien véhiculée par leur musique, qui aurait valu au groupe une renommée internationale? «Aucune idée», affirme franchement Krief. En mai dernier, le groupe s’est rendu à Mexico pour y jouer des chansons de leur nouvel album: «L’accueil a été spectaculaire, pendant quelques instants on s’est sentis comme les Beatles.» Cette capacité d’atteindre un public international, Krief s’en réjouit et y rajoute même ceci: «Partout où on va, c’est la même chose. Il y a les mêmes types de personnalité, ou pour reprendre les paroles d’Iggy Pop: “it’s the same assholes with a different t‑shirt”.»

Le son de Montréal
Montréal, ville natale des Dears, est à l’image de sa scène musicale: un mélange unique de styles, de mentalités, et particulièrement, de goûts. «Je n’arrive toujours pas à attribuer un son à Montréal», s’enthousiasme Krief, conscient de l’avantage d’échapper aux catégorisations. En 2005, lorsqu’ils étaient en tournée au Royaume-Uni, le groupe est tombé avec surprise sur un article intitulé Montreal Music Scene: «On a éclaté de rire. Pour nous, la scène musicale de Montréal est impossible à catégoriser.» C’est peut-être grâce à son influence musicale éclectique que The Dears réussit à surprendre, mais les généralisations demeurent: «Il y a cette grande tendance, au niveau international, à nous associer à Arcade Fire, même si notre musique est très différente.»

Y a‑t-il un message, finalement, à retenir des Dears? Après s’être familiarisé avec leur style très inattendu, à la fois dû à des fluctuations au sein du groupe et à des vagues d’émotions grandioses, il est tout naturel de vouloir connaître la réflexion qui se cache derrière l’œuvre. Pour Krief, cependant, les intentions initiales importent peu: «On exprime ce qu’on ressent, mais pas du tout avec la prétention de dicter une manière de vivre. C’est une chose assez ingrate, finalement. Les émotions viennent de nous, et l’interprétation de notre musique revient à chaque individu.»

Interrogé sur le succès du groupe, Krief ne sait que dire: «Les émotions qu’on exprime sont vraies. Si elles peuvent atteindre des gens partout dans le monde, tant mieux: on se sent moins seuls.» «Nous ne sommes que des témoins de ce qui se passe», ajoute-t-il. Et rendre compte de ce qui se passe, c’est peut-être ce que The Dears fait de mieux: cacher, derrière ces sonorités dissonantes et ces mots brumeux teintés de mélancolie, des milliers de secrets, de découvertes qui feront de chaque écoute une expérience différente. «Les imbéciles heureux, on les envie tous un peu», dit-il, amusé. Ce n’est évidemment pas le cas des Dears, pour lesquels la profondeur des angoisses et des désespoirs est transcendante dans leur musique et dans leur popularité. Et tout cela, finalement, se fait bien simplement: des instruments, la voix forte et profonde de Murray Lightburn, des musiciens sur la même longueur d’ondes, et des paroles qui permettent à tout un chacun de voyager à sa manière.

Le très attendu Degeneration Street –produit par Pheromone Recordings–, dont la sortie est prévue le 15 février prochain, est donc prêt à séduire les publics montréalais et internationaux. Peut-être même que cette année, The Dears voleront la vedette à Arcade Fire? À suivre…

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«J’suis pu dans’ game.» Les paroles pesantes d’Utrope, vieux père de famille, résonnent du fond de la salle. Le dos courbé, une pipe aux lèvres et son shack comme seul havre de paix. La famille est morte, les personnages s’enterrent. Enrobée dans des sentiments refoulés et des non-dits camouflés par des disputes infantiles, l’histoire de Dark Owl soulève aussi des questions de communication, seule capable de sortir les personnages de l’isolement dans lequel ils sont plongés. Le mystère de la malédiction jetée sur la famille d’Utrope s’éclaircit petit à petit, au milieu des engueulades, des chansons et des cris de désespoir. Dans cette ville inconnue où quelques étrangers portant malheur «arrivent de nulle part et repartent vers nulle part», le temps semble figé à jamais, les habitudes de chacun se cristallisent dans un quotidien insupportable fait de querelles, de conditions de travail intolérables et de malheur.

«Tout ça, c’est la faute au Djibou.» Le texte du néo-brunswickois Laval Goupil, traduit par Glen Nichols, est retravaillé dans une langue à part, où des morceaux volés au français s’introduisent timidement au cœur d’une phrase à la sonorité anglo-saxonne. De cela résulte une pièce bilingue, ou plutôt «franglaise», où deux cultures sont fusionnées pour raconter une histoire à peine narrable.

«Oh, please release me let me go.» Les dialogues sont poignants et très bien interprétés. L’histoire mystérieuse et pesante de Dark Owl s’extirpe de sa petite cage dorée par le dialogue et l’écoute. Si les paroles ne trouvent pas bonne réception chez les personnages, le public suffit à les absorber, un mot à la fois. Le ton de la pièce ne vire tout de même pas au désespoir, mais c’est un peu déboussolé que l’on quitte la salle et l’univers de cette famille particulière.

«En tant que société, nous devons briser notre isolation volontaire et reconnecter», précise Jessica Abdallah, la metteure en scène, comme on peut le lire dans le programme. En transposant le discours de Goupil à la réalité montréalaise, où deux cultures hésitent encore à se mélanger, elle propose une réflexion intéressante sur l’identité, que celle-ci  se définisse par une langue, une origine ou même une passion. Mike Payette, Mathieu Perron et Brian Imperial, du Théâtre Table d’Hôte, écrivent également dans le programme que «le théâtre se bat pour l’ouverture d’esprit, pour le partage».

Une pièce imposante à laquelle les paroles porteuses de vérité donnent une raison d’être et d’être vue.

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