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Cadences entêtantes

Les morceaux d’Agar Agar ont la moiteur grisante des fins de soirées à l’atmosphère enfumée. Une ligne de basse énergique, des kicks secs, et des synthétiseurs qui ondulent, l’instrumentale des morceaux du duo est plutôt sobre. Prettiest Virgin, un des premiers morceaux du groupe, débute par un riff de clavier enivrant, et délivre le récit faussement naïf d’une soirée style bal de promo trempé dans la synth-pop des années 80. La progression musicale s’organise ensuite en une synthèse additive minimaliste qui va crescendo et qui vient remarquablement compléter la partie vocale. Dans un processus de composition imbriquée, le duo utilise la voix de Clara comme un instrument à part entière. Dans I’m That Guy, la chanteuse joue sur la fine frontière entre le chant extatique et le parlé désinvolte dans un savant exercice d’équilibrisme vocal.

Des opposés qui ensorcèlent

Sur scène, Clara et Armand sont deux pôles d’énergie. Lui, aux machines, est impassible et concentré, tandis qu’elle captive la salle avec humour et théâtralité. Sa voix puissante, ou peut-être son léger accent français qui rappelle celui de Soko, semble défier l’auditoire. À deux, Agar Agar livrent une performance magnétique, tout en maîtrise et en simplicité. Le clip surnaturel de leur dernier single Fangs Out est une aventure nocturne en réalité virtuelle où se mêlent les cris de loup et les rythmiques brutes. Poétique et futuriste, il illustre en trois dimensions un morceau aux sonorités oniriques.

Avec ses notes capiteuses et vibrantes, le duo Agar Agar apporte librement son coup d’éclat à la French Touch, tous crocs dehors.

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À  la croisée des genres

La toile musicale de  Django Django est magnétique, pétillante, expérimentale. Elle n’a pas de cadre rigide et ne se refuse rien. Sur fond d’électro assumé, les influences rock s’étalent et se mélangent, sans fausse note, à des couleurs plus pop. Profondément versatile, la musique du groupe anglais se pare agilement de mélodies orientales (Fountains) ou d’accords folk et rythm and blues (Further). Le mélange des genres est audacieux, mais maîtrisé. Comme sur les albums précédents, la structure instrumentale et vocale des titres est riche et méticuleusement étudiée. Jeux sur l’écho, harmonies légères et ensoleillées à la  Crosby,  Stills and Nash, la synthèse des voix portée par celle de Vincent Neff est la touche d’onirisme caractéristique de la musique de Django Django.

Expédition visuelle psychédélique

Le groupe soigne ses clips, et s’autorise l’aventure esthétique. Filmé en  stop motion, le clip de Tic Tac Toe déroule le cours d’une journée rocambolesque en bord de mer. Cadre carré, effet vieilli, les images nous apparaissent en saccades et servent l’urgence de la rythmique punk du morceau. Avec le clip psychédélique de In Your Beat, le quartet livre un ouvrage visuel de grande qualité, et à l’image de leur musique: un magma d’influences en perpétuel mouvement, un collage artistique savamment réalisé. Comme si l’on avait branché les  Beach Boys sur une boîte à rythmes, la musique de Django Django fait l’effet d’un rayon de soleil résolument frais et vitaminé, la bande son d’un grand sourire.

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Infusion post-wave

Mélange subtil de rock indie et d’électropop, on trouve tout d’abord dans la recette musicale de Future Islands un drum set électro assuré. Sur la plupart des morceaux, la batterie énergique constitue une trame rythmique fondamentale, et suscite une irrésistible envie de bouger l’une ou l’autre extrémité de son corps sur le tempo. À ce canevas rythmique s’ajoutent une basse assidue et un tissu de synthétiseurs, qui concrétisent la texture électro et la tension intrinsèque aux morceaux de Future Islands. Pour autant, la musique du groupe reste difficile à décrire, tant elle resulte de l’infusion de genres musicaux divers et s’est redéfinie au fil des albums. Le trio dépeint son style comme post-wave, et revendique l’influence de groupes comme Joy Division (particulièrement palpable sur l’album In Evening Air paru en 2010) ou Kraftwerk.

Voix d’outre-tombe, sous hypnose

On ne peut évoquer le groupe sans s’arrêter sur la performance vocale du chanteur, qu’on connait également pour son projet hip-hop Hemlock Ernst. La voix d’Herring oscille entre puissance et vulnérabilité, voix de tête claire et graves profonds. Couplée à une attitude de crooner moderne, elle colore la musique de Future Islands d’une légère teinte années 60 et lui apporte une intensité folle. Sur certains titres (On The Water, Fall From Grace), le chanteur emprunte au métal et se laisse aller à des accents gutturaux. La présence scénique d’Herring et le talent du groupe avaient d’ailleurs été remarqués en mars 2014, alors qu’ils étaient invités sur le plateau du Late Night Show de David Letterman. Future Islands offre alors une performance exceptionnelle de Seasons (Waiting on You), et Herring fascine par sa voix d’outre-tombe et sa façon magnétique de se mouvoir sur scène.

Prose aux accents mélancoliques

En contraste avec la cadence soutenue et le caractère entraînant de leur musique, les paroles des morceaux de Future Islands sont souvent empreintes d’une mélancolie brumeuse, parfois très sombre. Elles évoquent les grands espaces, les envies de liberté, les belles désillusions, les vestiges d’amours passées, et l’importance du temps pour soigner les cœurs. C’est Herring qui prend en charge la plus grande partie du processus d’écriture. Influencé par des recueils de poèmes qui donneront, entre autres, leur nom à deux albums (The Far Field en 2017 et In Evening Air en 2010), et avec grande délicatesse et sans pudeur, il traduit en musique des pans de sa vie: «La seule chose dont je peux honnêtement parler et en laquelle je crois, c’est ma propre vie. Donc je partage des histoires vécues, car c’est la seule vérité que je connaisse».

À la croisée de la nouvelle vague électro et du synthrock des années 80,  Future Islands offre à nos oreilles des morceaux incandescents, comme un îlot d’authenticité au milieu de l’océan.

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Depuis leur premier EP Men I Trust en 2014, le groupe a déjà fait de nombreuses apparitions en festival (Festival du Jazz de Montréal, Festival d’été de Québec, M for Montreal…) et s’est produit notamment à Shanghaï et Beijing.

Voyage dans le quotidien

La musique de Men I Trust respire la fraîcheur, l’ingéniosité et la justesse, traits d’une génération de jeunes musicien·ne·s qui cherchent à trouver de nouvelles façons d’explorer leur quotidien. Le groupe multiplie les featurings (Odile, Helena, Ghostly Kisses etc…), et plonge son audience dans des sonorités années 80 rythmées par des riffs de guitare vaporeux, des lignes de basse entêtantes, et des synthés délicats.

Finalement, les loops planants et les harmonies vocales, tantôt masculines, tantôt féminines, s’en mêlent, et le groupe réussit son pari: faire «des sons doux, des mélodies calmes et des rythmes simples qui relaxent, tout en vous faisant bouger votre pied droit et votre menton en rythme».

La musique de Men I Trust respire la fraîcheur, l’ingéniosité et la justesse

Création(s) autonome(s)

Sur Headroom (2015), leur pop douce sur laquelle on se laisse volontiers aller à quelques déhanchés au ralenti côtoie des morceaux instrumentaux aux influences jazz, électro et classique (Aquarelle, Space is the Place) qui achèvent de démontrer le talent et la diversité de la palette musicale de Men I Trust. Les cousins québécois de L’Impératrice et London Grammar produisent par ailleurs eux-mêmes leurs morceaux et leurs clips. Sous-titres jaunes, femmes en mouvement, couleurs saturées, les vidéos du groupe sont épurées et sensuelles.

Elles reflètent l’insouciance, la douceur et l’authenticité qui caractérisent bien souvent la jeunesse. Dans le clip du titre phare Tailwhip, on retrouve les membres du groupe, incrustés dans des paysages québécois qui défilent, la chanteuse arborant fièrement un t‑shirt «Chaudière-Appalaches», du nom de la région de la rive sud du Saint-Laurent.

Men I Trust, c’est une plongée tout en douceur dans un monde de sensations, un voyage aux accents vintage qui fait l’effet d’une brise charmante et bienvenue.

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Synesthésie musicale

Klô Pelgag marque par sa poésie aux accents surréalistes. L’auteure compositrice joue des images sonores et visuelles, et révèle une maîtrise musicale impressionnante, tout en aisance et en fluidité. Ses deux premiers EPs, parus en 2013 (L’Alchimie des monstres) et 2016 (L’Etoile thoracique) lui ont valu, à de nombreuses reprises, la reconnaissance de l’Association québécoise de l’industrie du disque, du spectacle et de la vidéo (ADISQ). Seule sur scène ou accompagnée d’une dizaine de musicien·nes, Klô Pelgag invite celui·celle qui l’écoute à toucher du bout des oreilles un univers fantastique où se croisent et s’entremêlent les êtres du vivant. Elle évoque la nature, les animaux, les étoiles, et le corps qu’elle décrit comme «le plus glorieux sarcophage». Klô explore le monde avec ses sens et traduit son expérience en musique. À l’écoute de ses morceaux, on a froid, on brûle, on a envie d’aimer. Sur ce doux méli-mélo de métaphores organiques et de figures enfantines frôlant l’absurde, on se sent vivre.

Hypnose de justesse et de liberté

Klô Pelgag rugit sans rougir. Elle fascine par sa facilité déroutante à jongler d’une octave à l’autre. À l’épreuve du concert, sa justesse séduit. Accompagnée par un ensemble de cordes riches (guitare, violon, violoncelle et contrebasse) ou bien dans un piano-voix brut, elle hypnotise et distant le temps. En trame de ses morceaux, déclinée à la fois dans ses paroles et ses choix instrumentaux et scénographiques, on trouve une vraie liberté. Véritable femme caméléon, l’artiste laisse libre cours à son imagination et accorde toute son importance à la transcription visuelle de son monde. Elle joue ainsi en live sur fond d’une cage thoracique immense à l’intérieur de laquelle un cœur XXL s’illumine au rythme de sa voix. Dans le clip de Samedi soir à la violence, Klô arpente le vestiaire d’une piscine vide dans une combinaison de pyjama avec organes apparents. La chanteuse qui n’aspire pas à faire de la variété pour remplir le centre Bell brouille les règles de l’esthétique et ose prendre le risque.

La musique de Klô Pelgag est à son image: une performance musicale à la fois maîtrisée et terriblement déjantée, et des mélodies qui détournent les sens et appellent au voyage du côté des étoiles.

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Avec ce nouveau disque, le rappeur caennais relève habilement le pari obsédant du renouvellement artistique. On est agréablement surpris.es par l’exercice de style Bonne meuf ou les sonorités cloud rap de La lumière. Le son Paradis, déclaration d’amour sans sinuosité à la femme qui partage sa vie depuis sept ans, sample subtil de Pastime Paradise de Stevie Wonder, achève de souligner une rupture nette avec quelques-uns des anciens fantômes du rappeur.

 Une prose introspective aux accents optimistes

L’album écrit en un an et demi amorce une introspection lucide, témoignage d’un homme Bloqué(s) entre ses angoisses passées et la pression toujours plus intense d’un avenir face auquel il se jure de ne pas craquer. La plume du rappeur transpose des vérités simples, et l’album repose sur la tension latente entre passé, présent, et futur. Illustré par un Orelsan placide coincé contre la vitre d’un métro bondé, sabre japonais au dos, ce nouveau disque offre une plongée dans les tourments intérieurs d’un trentenaire en perpétuel décalage. Le titre Tout va bien, laïus faussement naïf, traduit adroitement la détresse désabusée d’une génération qui peine à trouver sa place dans un monde dont elle commence tout juste à saisir les règles.

La fête est finie est finalement un jet cathartique, une autocritique profonde qui n’empêche pas le caennais de rappeler son attachement au milieu dans lequel il a grandi, notamment dans Ma ville et La pluie (en featuring avec Stromae). Moins noir mais non moins intense que les précédents, ce nouvel album laisse poindre à l’horizon une volonté de meilleur. Le titre Notes pour trop tard, discours bienveillant teinté de regrets, conclut le disque sur une touche d’espoir. Comme un reflet du chemin parcouru, Orelsan semble avoir trouvé la réponse à une grande partie de ses névroses. Le seul remède, c’est le temps.

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Dès la première écoute, les mots désabusés du chanteur font mouche. On frissonne. Nous sommes happés par une mer de paroles nuageuses et de guitares aériennes, caractéristique des précédents succès du groupe.

L’ambiance de ce nouvel album s’éloigne quelque peu de I., paru en 2012 et sur lequel figure notamment Nothing’s Gonna Hurt You Baby.

L’enregistrement est davantage intimiste, la voix de Greg Gonzalez encore plus vaporeuse. La recette semble pourtant être la même: une profonde mélancolie rythmée par une batterie lascive, des paroles parfois crues – Young & Dumb – qui illustrent à merveille le spleen d’une nouvelle génération de poètes maudits.

Le visuel de l’album, titre blanc sur fond noir, choix esthétique maintes fois affirmé, annonce sans fards ni détours le parti pris d’une musique limpide dans laquelle chacun.e placera ses maux. Avec Cigarettes After Sex, le groupe propose sa vision du beau, un rock tendrement romantique, un appel à l’infini qui semble murmurer «vous n’êtes pas seul».

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