C’est typiquement almodovaresque: on y trouve des éléments clés qui font partie intégrante de l’écriture du réalisateur. Cette écriture surprend en éclaboussant la trame narrative du film avec des thématiques classiques. Ainsi, la colère, la rancune, la mort et l’exposition des corps dans leur expression la plus pure donnent une force artistique et esthétique au film. On y retrouve l’exploitation des corps et leurs mouvements dans l’espace. La nudité dégage une forme de folie que maîtrise le cinéaste. Le meurtre y est décrit comme un acte de libération et la vengeance comme une rédemption.

Les personnages sont complexes, faibles, lâches, mais gagnent en force. Ce paradoxe qui encadre la faiblesse et la force de caractère des personnages est caractéristique des œuvres du réalisateur. La prestation d’Antonio Banderas est sans fantaisie et traduit avec simplicité les facettes multiples de son personnage. Quant à Elena Anaya, elle est sublime. Elle rayonne en tant que prisonnière qui devient malgré elle un objet sexuel convoité et abusé. L’actrice se donne complètement. Son interprétation dessine l’esquisse d’une jeunesse glaciale. La beauté est l’une des dynamiques essentielles qu’on a voulu exposer presque avec vulgarité.

La trame du film ne se résume pas aux caprices d’un médecin quasi-fou ni même à une patiente ne jouissant d’aucune liberté. L’intrigue est pulsionnelle et révèle un coup de théâtre auquel on ne s’attend pas. La plus grande pulsion exposée demeure la sexualité que Pedro Almodovar nous présente sous différents angles. C’est une sorte de retour aux fondamentaux: la nudité esthétique et la vulnérabilité du corps dans un environnement hostile. Cette approche laisse croire que l’amour ambigu n’est qu’une corrida emplie de désir bestial qui pousse au crime passionnel et à la vengeance.

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Le premier plan, gavé d’une luminosité inouïe, est une vue panoramique sur Sofia la capitale, mais la grisaille prend vite le dessus et transpose le spectateur dans l’arrière-pays. Une impression d’étouffement prend d’assaut les personnages. L’environnement dans lequel est tourné le film est représentatif des états d’âmes des deux personnages; les longues routes mènent vers une destination incertaine caractérisée par des paysages glauques. L’odeur d’une mort traumatique isole la thématique de la solitude. Cette solitude est compliquée et incertaine, mais les protagonistes s’en libèrent par leur soif de transgression et de liberté.

Si cette histoire souligne l’aspect éphémère d’une rencontre, le jeu des acteurs est loin de l’être. On retrouve des acteurs au visage grave et assombri par le poids du dégoût. Leurs expressions et leur façon acerbe de communiquer restent gravées dans nos esprits et dynamisent le film. Les corps avancent dans l’incertain, mais ne reculent pas. Kamen et Avé demeurent malgré tout des personnages diamétralement opposés. Kamen est discret et n’aime pas être confronté aux mensonges d’Avé dont le comportement traduit un passé chargé.

Konstantin Bojanov s’est inspiré de faits vécus et les a transposés au grand écran. On ressent une écriture personnelle qui relate a contrario des traits psychologiques universels. C’est un regard sur une jeunesse fragmentée qui se sert de la fuite pour se libérer des aléas de l’existence. Hormis les quelques longueurs qui effritent parfois la trame narrative du film, Avé est une expérience cinématographique à ne pas manquer.

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La Guerre est déclarée, c’est l’histoire d’un coup de foudre. Roméo et Juliette sont attirés l’un par l’autre comme des aimants. On est loin d’un remake bidon du classique shakespearien. Non, c’est plutôt l’histoire d’un jeune couple qui est né d’une pulsion passionnelle. Il vit et grandit au jour le jour. Des images défilent, les amoureux courent à toute allure vers un destin inattendu. Le temps fuit, et du fruit de l’amour naît Adam. Mine de rien, cette naissance brusque la quiétude des deux amants. Roméo (Jérémie Elkaim) se rend vite compte que son fils n’est pas comme les autres enfants. Il ne marche pas, il semble malade, mais Juliette (Valérie Donzelli) nie tout jusqu’au jour où un diagnostic médical confirme qu’Adam est bel et bien malade. Atteint d’une forme de cancer rare et grave, le destin d’Adam est entre les mains de ses jeunes parents. On assiste alors à la disparition de l’insouciance et à l’émergence d’un combat.

Ce deuxième long métrage de la pétillante Valérie Donzelli transporte au cœur de l’intimité de ce qu’à jadis été son couple qu’elle formait réellement avec Jérémie Elkaim. La force du film réside dans le partage poignant de cette histoire tantôt fragile, tantôt électrisante. Ce n’est pas de l’apitoiement, mais plutôt un hymne à la survie. À travers un scénario bien ficelé (écrit par Jérémie Elkaim) et une mise en scène vivante, Valérie Donzelli réussit à contraster la lourdeur des événements avec la légèreté de l’ambiance. Effectivement, la luminosité qui réside dans les images amène espoir et fraîcheur. Le jeu des couleurs, des plans et surtout de la musique crée une symbiose particulière et renforce le côté tragique de l’histoire. La bande sonore du film réussit à accompagner les personnages passant par tout le spectre des émotions. On y trouve du classique et du moderne. Malgré la forme «recette», le film est est loin de recréer un cliché des genres; au contraire, la musique est centrale et réussit à traverser le film et à le rendre vibrant. Les sons plus éclectiques sont comme des cris de douleur poussés pour extirper un mal intérieur trop lourd à porter.

La performance des acteurs est magistrale. Les acteurs réussissent à entretenir un jeu de charme impeccable. Ils entretiennent la flamme malgré tout. Il règne une ambiance de convivialité par moments comme l’illustrent les scènes de fêtes où ils boivent jusqu’à l’ivresse en titubant de bonheur. Quelques moments comiques sont de la partie et révèlent les multiples facettes de la situation. Ensuite vient l’isolement, leurs querelles déchirantes, pour finir par la séparation. La scène finale réserve une surprise visuelle aux spectateurs. Le triomphe ou l’hécatombe? En tous les cas, la guerre a été déclarée. Cela devrait en inciter plus d’un à découvrir ce petit chef‑d’œuvre cinématographique.

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Le film relate un meurtre sordide, suivi d’une accusation douteuse. Omar Reddad, jardinier de profession, fut accusé en 1991 du meurtre de sa patronne Ghislaine Marchal. Le cadavre de cette dernière fut retrouvé dans sa cave près de la porte où l’on pouvait lire l’inscription suivante: «Omar m’a tuer». Une enquête commence alors à partir d’une inscription qui fait office d’accusation suprême, et qui fait basculer la vie d’un homme. Cette inscription dont la valeur juridique demeure douteuse est l’élément déclencheur de l’histoire. Omar clame son innocence et des évidences laissent croire qu’il n’est pas l’assassin en question. Or la justice en décide autrement et le condamne à 18 ans de prison ferme.

C’est en tenant le spectateur à bout de souffle que le film surprend. La cinématographie est impeccable et le décor du Sud de la France contraste avec la noirceur et la perfidie des événements. La luminosité éblouissante du paysage étouffe presque les bruits calomnieux qui entourent l’affaire.

On découvre des personnages qui ont joué un rôle clé dans l’enquête tels que l’écrivain Pierre-Emmanuel Vaugrenard (Denis Podalydès) et Maître Vergès (Maurice Bénichou). Tous deux ont été les alliés d’Omar. Autrement dit, ils ont décidé de prendre le risque de défendre un jardinier marocain qui évolue dans une situation précaire, qui s’exprime dans un français malhabile et qui est contraint de laisser sa famille derrière lui, sans repères et sans réponses. Denis Podalydès et Maurice Bénichou ont incarné les piliers de cette quête de vérité avec justesse. Pour sa part, Sami Bouajila incarne Omar, l’homme torturé par une situation qui le dépasse. La fragilité du personnage a été renforcée par la splendeur de l’acteur qui a su s’enfermer dans un corps meurtri, affaibli et sans panache. L’acteur s’est donc approprié l’histoire de cet homme illettré et laissé pour compte avec humilité. Le travail corporel et les mimiques de Sami Bouajila sont subtiles et soulignent, malgré tout, la simplicité de ce personnage sans artifices. Ce qui frappe est sans doute le quasi-mutisme dans lequel s’enferme Omar pour mieux absorber la catastrophe.

Le film épouse donc avec rigueur l’anéantissement psychologique d’Omar qui évolue dans une France où les minorités sont stigmatisées. Dans ce film engagé, Roschdy Zem n’est pas tombé dans la fausse compassion et le pathétisme. De plus, le bilan reste positif dans son ensemble car le réalisateur a évité les clichés qui auraient pu caricaturer le personnage d’Omar à jamais. Omar m’a tuer secoue et ne laisse personne indifférent. La puissance de ce long-métrage réside dans certains éléments qui conjuguent leurs forces et prouvent qu’Omar Reddad a été une fleur fanée de force par un système judiciaire sclérosé.

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L’histoire commence à Londres au début des années 1800. Tout est sombre et sale. On sent dès la première scène un poids insupportable encombrer le spectateur. Le premier contact avec la Vénus noire se fait dans une cage, avant qu’elle n’entre en scène. Elle devait incarner devant des foules immenses le stéréotype de la femme sauvage d’Afrique. Avec les instructions de son maître, elle exécutait des danses langoureuses, elle attaquait les spectateurs, mais le plus troublant est qu’elle devait se laisser toucher le corps, histoire d’authentifier son fessier disproportionné.

On regrette les images violentes de spectateurs londoniens soûls et avides de chair sauvage. On remarque d’ores et déjà l’agacement de Saartjie, qui n’apprécie pas la violence des gestes des spectateurs à son égard. Elle proteste, mais paradoxalement, elle semble sombrer dans un mutisme inexplicable. Après Londres, la troupe se rend à Paris, où l’accueil réservé à la Vénus noire est monumental. Elle fait fureur dans les soirées huppées des beaux quartiers, jusqu’au jour où son intégrité est subitement bafouée. Alors, sa nonchalance se transforme en une virulente protestation qui la mène dans les abysses de la prostitution.

Abdellatif Kechiche a su raconter une histoire qui semble simple et manichéenne, mais qui, en fait, explore la personnalité compliquée de Saartje en laissant planer un doute quant à ses réelles ambitions. On y découvre les multiples facettes de cette femme dont les organes génitaux ont fini au Musée de l’Homme à Paris. Il faut souligner l’immense travail de Yahima Torres, découverte par Kechiche dans un quartier parisien. Les scènes d’extrême nudité sont si poignantes qu’on ne peut passer outre le travail d’actrice de Torres. Son jeu est impeccable et crédible, et elle a su rendre à la Vénus hottentote son humanité. Kechiche a mis l’accent sur la perversité des personnages entourant Sarah Baartman, qui a succombé à une vie de débauche et de violence. On peut reprocher à la réalisation les longueurs de la première partie du film, qui cassent le rythme du départ, mais qui sont vite éclipsées dans la deuxième partie, où l’on s’attache naturellement à Saartje.

La conclusion du film fait la lumière sur l’étrange destin de la Vénus hottentote. Un court extrait documentaire a souligné le retour de la dépouille de Saartje Baartman en Afrique du Sud, où elle a pu recevoir une sépulture digne.

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Yorgos Lanthimos ne laisse donc personne indifférent avec son film. Le génie de Canine réside justement dans l’audace expérimentée dans un cadre cinématographique nouveau dans lequel on a la nette impression que les acteurs, qui travaillent plus avec leur corps qu’avec leurs facultés intellectuelles, se laissent guider par leur instinct pour laisser le spectateur dans un vide psychologique. L’univers qui nous est proposé (une immense maison, un magnifique paysage, un soleil omniprésent) tranche avec l’enfermement que subissent les personnages. On peut noter aussi l’importance de la réflexion apportée par cette œuvre sur le concept traditionnel de famille, que Lanthimos défie directement. On assiste donc à une distorsion de l’unité familiale qui cesse d’exister dans l’organe social traditionnel que nous connaissons.

En ce qui concerne la photographie, Lanthimos met l’accent sur les réactions furtives des personnages. La peur est explorée dans les faciès; l’angoisse se lit sur le visage des parents qui ne veulent pas perdre le contrôle dans une maison où les bouleversements poussent à la rébellion. La lumière qui vient de l’extérieur s’oppose à la pesanteur de l’intérieur. Canine n’a pas fini d’être acclamé par la critique internationale et reste un film à surveiller, après sa nomination dans la catégorie du meilleur film étranger aux Oscars.

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Auguste Maquet est un homme nerveux, passif, sans aucune personnalité, l’antithèse même de Dumas pour qui il travaille. Curieusement, Maquet est aussi la muse de Dumas. Maquet se voit déstabilisé lors d’une rencontre fortuite avec Charlotte (Mélanie Thierry), une jeune femme dans la vingtaine qui désire faire sortir son père de prison, un ancien révolutionnaire et ancien camarade républicain d’Alexandre. Elle le prend pour Dumas, lui qui ne trouve pas les mots pour dénoncer l’imposture. Maquet le mari fidèle succombe à l’émoi provoqué par Charlotte et devient usurpateur.

C’est une histoire truffée de cachotteries et de mensonge qui enterrent Maquet et qui révèlent au fil des évènements sa passivité maladive et son manque d’initiative. L’imposture a tout de même rendu hommage à la perfidie d’un homme prêt à tout pour goûter au succès. La réalisation de Safy Nebbou est fondée sur le testament d’Auguste Maquet qui voulait se rendre justice. Le but était de faire la lumière sur l’homme derrière Les Trois Mousquetaires. Nebbou a donc tenté de transmettre au spectateur une vérité méconnue; mais ce que l’on retient de ce film c’est la faiblesse tant au niveau de l’intrigue que de réalisation.

Le rythme est lent et les longueurs fatiguent le spectateur. Certaines scènes peuvent évoquer l’ambiance d’un carnaval ou d’un cabaret, mais l’essence même du scénario, le jeu du mensonge, alourdit le ton du film pour laisser le spectateur bredouille, sans substance cinématographique, tant l’histoire se termine en queue de poisson. La performance crédible de Benoît Poelvoorde doit néanmoins être soulignée. Il est parvenu à incarner un rôle peu connu et peu attachant avec justesse. Il a aussi su s’effacer devant l’imposant Gérard Depardieu qui, lui aussi, rend justice à la personnalité frivole et sans tabous du grand Dumas. Ce jeu d’acteur a particulièrement servi le film.

L’Autre Dumas révèle jusqu’où un homme est prêt à aller pour calmer sa soif de vanité quand il a une légende du monde de la littérature qui lui fait de l’ombre. En somme, ce film lève le voile sur une collaboration hors-normes en laissant le spectateur dans un doute final.

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Mathieu Amalric livre une performance où la discipline artistique domine. Son personnage tourmenté baigne dans la mélancolie, mais les élans de joie ne se font pourtant pas rares. Il s’est donc servi de la complexité de la vie pour interpréter un Joaquim Zand au bord de la crise de nerfs. La tension est palpable tandis qu’Amalric ressuscite avec succès un personnage qui semble avoir tout raté.

Les cinq stripteaseuses américaines, dirigées par  l’acteur et réalisateur, ont créé ce spectacle qui nous est présenté avec originalité et  sensualité. Le jeu est naturel et la sincérité qui s’en dégage donne un poids considérable au film.

Le réalisateur sait aussi capter l’attention du spectateur en jouant avec les lumières et la musique. On se croirait à l’époque du charleston. Tournée évoque aussi la force  des femmes dont les corps en mouvement se jouent des conventions et du conservatisme étouffant.

Striptease oblige, la nudité fait partie intégrante du film sans jamais choquer pour autant. Le respect de la  nature des corps voluptueux,  musclés  et gras est total. Les danseuses  dégagent  une  joie  de  vivre  à  travers  les mouvements de leur corps, et ce sans aucun complexe. C’est la célébration pure et simple des formes et des tailles.

Ce qui se passe derrière les rideaux est tout aussi ntéressant.  La  colère qui est explorée  avec  profondeur  dans  le  film rappelle que cette tournée devra rester périphérique, loin des lumières de Paris. Joaquim  Zand  ne  réussit  pas  à  se  faire  connaître  avec  sa  troupe  haute  en  couleurs  dans  la  capitale. S’en  dégage  une  frustration  rageante  qui  finit  par  se  dissiper  dans  l’ivresse  de  l’instant présent.

Amoureux de son propre métier, Joaquim  essaye  d’atteindre le  nirvana  en  contemplant  ces femmes qui l’ont suivi dans une folle aventure alors, même loin de Paris, the show must go on.

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Carlos s’est certes engagé contre le capitalisme et l’impérialisme occidental, mais il s’est aussi et surtout battu pour la liberté des peuples ostracises, parmi lesquels les Palestiniens. Il est devenu un farouche allié des militants arabes du FPLP (Front Populaire de Libération de la Palestine), une organisation palestinienne militante issue du Mouvement nationaliste arabe. Il est celui qui a voulu internationaliser le conflit israélo-arabe en prenant de graves risques. Guidés par des idéaux marxistes, Carlos et le FPLP ont orchestré des attaques ciblées sur tout individu susceptible de nuire à leur cause, à commencer par les puissants sionistes d’Europe accusés de financer l’État hébreux.

Dans son film, Assayas nous transporte de Berlin à Beyrouth sans oublier Londres, Paris, Damas, Khartoum, Alger et le Yémen, en insistant sur le caractère impulsif de Carlos qui se joue de l’autorité avec une séduisante arrogance. Sa réalisation est méticuleuse, surtout en ce qui concerne la complexité du protagoniste. Celui-ci semble être de glace et adorer tuer, mais n’en est pas moins torturé par des conflits internes. Carlos est ainsi présenté comme un homme fragilisé par des mœurs légères et une assurance qui le rend tantôt invulnerable, tantôt fataliste. La performance livrée par Edgar Ramirez, qui incarne le curieux et séduisant criminel avec sensualité et virilité, est d’ailleurs hypnotique.

Ce qu’il faut noter, par contre, est la longueur accablante du film. La version originale du film, présenté à Cannes l’été passé, durait plus de cinq heures, tandis que la version adaptée à nos écrans dure exactement deux heures et quarante cinq minutes. Certaines scènes peuvent avoir de véritables effets soporifiques, même si l’action tient le spectateur en haleine et l’intrigue principale finit toujours par le remettre sur les rails.

Carlos, l’homme incompris, traqué et admiré dans le monde arabe, où il était devenu un véritable mythe, captive donc l’attention dans le film d’Assayas, particulièrement lorsqu’il succombe à ses pulsions destructrices qui le mènent directement en prison après une arrestation des plus originales.

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Le point de départ de cette enquête est l’affaire Villanueva. Cette histoire est devenue synonyme ou exemple de profilage racial. Mythe ou réalité? Il n’est pas question ici de manichéisme. Les faits, reconnus par les médias montréalais, concernant les comportements déviants de la police de notre ville, seront questionnés et décortiqués, sans tomber dans les clichés.

Retour en arrière

Le 9 août 2008, Fredy Villanueva, est abattu par balles à l’âge de 18 ans. Cette tragédie fait le tour des médias montréalais, laissant la population de Montréal Nord dans la rage et le service de police de la ville de Montréal (SPVM) dans l’embarras. Le choc est si grand que tout le monde s’empresse de donner une version «officielle» pour ne pas que la situation s’envenime. Mais que s’est-il réellement passé? Comment ces jeunes des quartiers au nord de la ville se sont-ils retrouvés dans le collimateur de la police? La version des jeunes présents lors de l’événement est catégorique. Ce sont deux policiers, Jean-Loup Lapointe et Stéphanie Pilote, qui étaient à l’origine du désastre et qui avaient attisé le feu. Il n’y avait pas de provocation, un simple jeu impliquant des mises en argent aurait poussé les policiers à réagir de manière excessive.

S’en suivirent les émeutes de Montréal Nord. La colère s’est emparée de la population, mais surtout des jeunes qui souvent se disent victimes d’une stigmatisation enrageante. Environ 500 policiers ont été déployés sur place, subissant des attaques de toutes parts. Les citoyens des environs ont pu entendre les coups de feu, voir à la télévision des voitures incendiées et des appartements lourdement endommagés. Le spectre de l’exclusion sociale a décidemment fait surface de manière brutale en laissant tout un quartier dans la tourmente et la population montréalaise devant un fait accompli mais énigmatique.

Tenter de comprendre

Ce dont on peut être témoin dans la rue, le métro ou dans d’autres lieux publics est un bon indicateur de la dynamique entre les jeunes et les policiers, mais l’expérience subjective doit être mise de côté lorsqu’il est question de profilage racial.

Selon Nicole Filion, coordonnatrice à la Ligue des Droits et Libertés, il faut se questionner et s’inquiéter des interventions policières. Sur l’affaire Villanueva, madame Filion parle d’«enquête contradictoire». Le SPVM s’est assuré d’entreprendre l’enquête entourant les événements de Montréal Nord. Cela signifie qu’il y a eu un manque de transparence flagrant de la part de la police de Montréal. Filion ajoute que le contexte de cette tragédie a poussé la consultation de la Commission des droits de la personne et des droits de la jeunesse (CDPDJ) sur le profilage racial et ses conséquences à mener une investigation indépendante, en 2009, allant servir de contrepoids aux démarches prises par le SPVM. On peut lire dans ce rapport que «des recherches portant sur les arrestations de jeunes par les agents du SPVM, confirment que les jeunes de race noire sont plus susceptibles d’être interpellés et arrêtés par un policier que les jeunes de race blanche». L’origine ethnique joue donc un rôle prépondérant lors des contrôles policiers.

De plus, Nicole Filion a pris soin de spécifier que la police semblait participer à la détérioration des relations qu’ils entretiennent avec les jeunes des quartiers dits sensibles. En effet, selon elle, aux lendemains de la mort de Fredy Villanueva, le SPVM a mis en place une nouvelle équipe policière: le groupe ÉCLIPSE. Le mandat de cette nouvelle ramification du SPVM était d’intensifier les interventions en matière de criminalité sur l’île de Montréal. Des effectifs ont été évidemment déployés dans la zone rouge qu’est devenue Montréal Nord, et c’est justement ce qui a renforcé le clivage entre les jeunes et les policiers. En fait, le SPVM s’est clairement concentré sur le côté criminel des jeunes de quartiers défavorisés issus de l’immigration récente. Toujours selon Mme Filion, il s’agit de l’exemple parfait d’une rupture de confiance. Le fait qu’ils se sentent rejetés et non-protégés par le système de justice, pousse ces jeunes à se replier sur eux- mêmes dans une logique cinglante.

Ces informations semblent confirmer qu’il y a bel et bien de l’injustice dans l’air. Certes les enquêtes ne mentent pas (le dernier rapport interne du SPVM a été fustigé par les quotidiens La Presse et Le Devoir pour cause de «racisme pur et simple»), mais le problème semble être dépassé le niveau de la culture policière pour atteindre l’ensemble de la société. Les jeunes sont perçus comme des êtres perturbateurs. Lorsqu’ils font partie d’une minorité visible, la peur s’accentue et des stéréotypes, bien ficelés, commencent à influencer les faits concrets. Montréal est-elle en train de devenir un état policier? Selon le CDPDJ, on ne serait pas loin d’un tel scénario, si aucune initiative n’est prise pour le bien de tous.

Un souci d’efficacité

Jean-Claude Icart, professeur associé en sociologie à l’UQAM, a affirmé au Délit qu’il est pressant que les services de police agissent rapidement et avec efficacité. Il explique «qu’il est nécessaire que le SPVM tisse des liens sacrés avec la population et surtout les jeunes. Après tout, la police est gardienne de la paix et de la sécurité, donc, a priori, son rôle est de veiller sur toute la population et non de semer la pagaille». Professeur Icart mentionne d’ailleurs que le SPVM a fait d’énormes efforts en termes de rapprochement avec la population dans certaines zones prioritaires.

La tolérance semble être le nouveau mot d’ordre du SPVM. Le professeur Icart stipule que c’est loin d’être facile pour les policiers de tout gérer sans complications. Certains policiers fraîchement sortis de l’Académie de police n’ont pas grandi en milieu urbain. Ils ne sont donc pas familiers des réalités d’une grande ville comme celle de Montréal et n’ont pas été exposés à cette diversité culturelle. Ils se retrouvent parachutés dans un monde qui n’est pas forcément hostile, mais qui leur est étranger et cela peut expliquer la peur et l’incompréhension vis-à-vis des minorités ethniques. C’est un argument qui doit être pris en compte au niveau de l’analyse du problème. Cette méconnaissance de l’autre n’excuse néanmoins en rien les comportements abusifs de certains policiers à l’égard de certains jeunes d’origine étrangère. Le sociologue insiste donc sur l’importance du travail de la police avec la communauté, mais surtout celle des suivis lors d’enquêtes ou encore lors de création de nouveaux projets visant à réunir les policiers intervenant sur le terrain et les habitants de ces quartiers. Le but est de bâtir des ponts entre deux entités qui semblent être faites pour ne pas s’unir, mais qui peuvent, au contraire, se compléter. Un esprit de collaboration peut donner naissance à une symbiose entre la police et les jeunes, et toute une communauté.

S’attaquer aux vrais problèmes

Icart demeure toutefois réaliste et spécifie que ce qui mine aussi le SPVM, c’est son habitude à se concentrer sur des délits mineurs plutôt que d’attaquer le problème à la source. D’ailleurs, il dit qu’il y a abus du terme «gang de rue» , qu’on l’utilise parfois à tort pour justifier des interventions qui n’ont pas nécessairement de lien avec les groupuscules criminels. Dans ces cas-là, la police ne fonde par leurs arrestations sur un doute raisonnable, mais ils font du profilage racial. Comme l’illustre la cinéaste montréalaise Michka Saal, dans son film Zéro Tolérance, des jeunes témoignent du manque de tact de la part de la police qui venait les arrêter pour avoir occupé des bancs d’un parc situé dans le quartier Saint-Michel. Ces jeunes d’origine hispanique ont subi un contrôle policier qu’ils ont perçu comme étant méprisant et ont été obligés de déserter le parc où ils discutaient.

Pris dans le collimateur

Ces jeunes, souvent accusés de rejeter en bloc toute forme d’autorité, seraient victimes d’un système qui leur est injuste. La CDPDJ affirme ainsi qu’il y a «une absence de procédure d’enquête impartiale et objective à la suite d’un incident impliquant un policier». Cela explique aussi le manque d’aboutissement dans l’enquête chargée de démystifier l’incident Villanueva. Le SPVM protège ses policiers coûte que coûte. Il faut aussi dire que si la police est dans la mire des médias depuis août 2008, le problème ne date pas d’hier. D’ailleurs, dans le film de Saal, tourné en 2004, on voit que le profilage racial est un fléau qui s’est propagé à travers le temps et que les manières de faire de la police restent inchangées malgré les nombreuses formations policières visant la familiarisation à la de diversité culturelle. Cela n’empêche en rien la continuité d’une certaine technique boiteuse en matière de jugement et d’arrestations. Michka Saal a donné la parole à de jeunes Noirs, Maghrébins et Latinos sur un sujet qui est tabou. Leur version semble sincère et ils semblent chercher une voix contre l’attitude belliqueuse des policiers qui jouissent d’un pouvoir sans équivoque.

Y‑a-t-il une lueur d’espoir? Est-ce que le SPVM saura s’adapter aux mutations de notre société multiculturelle? D’autre part, est-ce que les jeunes issus de l’immigration sauront trouver leur place dans un monde qu’ils décrivent souvent comme hostile? Il semble que l’avenir n’est pas tout à fait gris. Selon professeur Icart, la police fait des efforts considérables et le prochain défi est l’établissement de stratégies de travail visant non seulement à donner des formations aux policiers, mais aussi à mettre en place des suivis et des évaluations du corps policier en entier. x

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À la lecture du testament, les orphelins découvrent, choqués, l’existence d’un père qu’ils croyaient mort et d’un frère qu’ils doivent retrouver selon les dernières volontés de leur mère. Les jumeaux se rendent alors compte qu’ils ne connaissaient pas réellement leur mère. Et voilà qu’elle leur demande de reconstruire leur vie à partir des cendres de sa propre existence. Commence alors un long périple qui promet d’être difficile. Jeanne et Simon trouveront-ils la paix? Seront-ils les mêmes après ce voyage aux allures de pèlerinage? C’est ce qu’on cherche à savoir. On se demande même si c’est possible avec tout ce qui finit par se révéler au grand jour.

En parallèle, Villeneuve trace le portrait de Nawal Marwan, exposant sa jeunesse, ses erreurs et ses déchirements. Tout commence lorsque son amant musulman, réfugié dans son village, est tué par son frère qui l’accuse d’avoir sali l’honneur de leur famille chrétienne. Nawal est enceinte et se voit obligée de donner son fils en adoption. Pour pouvoir le retrouver un jour, la grand-mère de Nawal tatoue à l’enfant trois petits points sur le talon droit. Une nouvelle histoire commence, celle de Nawal qui décide de retrouver son fils avant que la guerre ne les emporte tous. On sait d’ores et déjà que la suite sera mouvementée et douloureuse.

Afin d’arriver à rendre justice à la pièce de Mouawad, il fallait toute l’ingéniosité de Denis Villeneuve. C’est avec ardeur que chaque scène est filmée, et les moments les plus dramatiquement forts sont ceux où on laisse toute la place à l’image et où l’on tait les dialogues. C’est vrai, une image vaut mille mots. Villeneuve est parvenu à transmettre au téléspectateur la notion de douleur et la charge émotive véhiculée dans le film est essouflante, voire perturbante. Que ce soit la douleur physique, représentée par des scènes de tortures, ou encore celle de l’âme, celle qui ne s’efface pas et qui caractérise la sempiternelle perdition.

Le spectateur est confronté aux malheurs d’une famille atypique. Leur histoire est comme un volcan en éruption prêt à tout faire sauter. Le feu est d’ailleurs l’élément qui dicte la direction du film. Il y fait terriblement chaud, c’est la canicule, physique comme émotionnelle. La violence de certaines scènes évoque la guerre civile libanaise, dans un pays qui est à feu et à sang tout comme l’a été la vie de Nawal. L’histoire de cette femme semble concorder avec celle d’un pays meurtri par les aléas de la guerre. Incendies, c’est dire que la famille est une prison. C’est une sentence à perpétuité qui rappelle sans cesse que le passé dicte l’avenir, mais qu’on ne saura jamais si le futur sera paisible. Il aura suffit d’une étincelle, la mort de Nawal, pour déclencher un voyage épique.x

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Et vlan! La première scène du film est puissante, mais surtout violente à en glacer le sang. Une jeune clandestine chinoise se fait violemment arrêter par une brigade policière dans une banlieue difficile. Des jeunes lui viennent en aide et se mettent à jeter des pierres aux policiers avant que la situation ne dégénère sérieusement. Ensuite, les événements s’enchaînent: un médecin urgentiste, Simon Torossian (Pascal Elbé), est presque brûlé vif dans sa voiture, mais il est sauvé in extremis par Bora (Samir Makhlouf), un jeune turc de 14 ans. Ce qui semble être un simple acte de bravoure est en fait l’élément déclencheur d’une enquête policière acharnée.

On assiste à une quête de la vérité sur fond de règlements de compte. Bora se cache, il est en cavale dans sa propre cité, car c’est lui qui à lancé le cocktail Molotov ayant provoqué l’explosion de la voiture du médecin. Un autre jeune est accusé à sa place, mais puisque c’est l’omerta qui dicte les règles du jeu, personne ne dénonce Bora. Atom Torrosian, un flic au lourd passé, est déterminé à trouver celui qui a envoyé son frère à l’hôpital.

En parallèle, une autre histoire se développe: un homme appelle les urgences parce que sa femme a subi un malaise cardiaque. Simon, qui devait se présenter à la résidence du couple, n’a jamais pu se rendre à destination puisqu’il était piégé dans les flammes. La malade succombe.

Son mari ne pense plus qu’à venger la mort de sa femme et décide de retrouver celui qu’il considère comme l’assassin de sa dulcinée.

Outre la richesse du scénario, c’est l’interprétation des acteurs qui réussit à donner de la crédibilité à cette histoire. Effectivement, on retrouve dans Tête de turc une brochette d’acteurs exceptionnelle, dont la sulfureuse actrice israélienne Ronit Elkabetz qui incarne Sibel, la mère courageuse et ambitieuse de Bora. Roschdy Zem est aussi de la partie. Il en est à sa deuxième collaboration avec Pascal Elbé, après l’avoir dirigé dans son film Mauvaise foi, et incarne cette fois-ci Atom, le frère protecteur de Simon. Aussi, il convient de souligner le travail de l’excellent Samir Makhlouf, qui apparaît pour la première fois à l’écran dans le rôle du tourmenté Bora.

Il semble donc que tout y est: un bon scénario, une intrigue palpitante, des acteurs compétents et des scènes d’action spectaculaires… Mais le plus important est que Tête de turc n’est pas un film qui prône la victimisation, laissant plutôt la place au débat. On ne stigmatise pas les jeunes des quartiers sensibles et tous les policiers ne sont pas injustes et racistes. Ce n’est pas une histoire banale tirée d’un fait divers. Au contraire, ce film est synonyme d’engagement social et on y explore plusieurs aspects de la vie. On examine par exemple celle des mères monoparentales, qui sont souvent obligées de subvenir aux besoins de leurs enfants dans des conditions difficiles, voir hostiles, mais qui réussissent à protéger leur progéniture malgré tout.

La plus grande réussite de Tête de turc est donc d’arriver à concilier la fiction et la réalité sans tomber dans les clichés: on assiste à la douce transition de la violence vers l’héroïsme.

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