Mommy raconte l’histoire d’une mère et de son fils, ce dernier souffrant de troubles mentaux sévères mais tentant de se tailler une place dans la société. Diane «Die» Després demande donc l’aide de Kyla, leur voisine, pour donner des cours à domicile à son fils Steve pendant qu’elle tente de se trouver un nouvel emploi. Attention à ceux qui seraient tentés de faire un parallèle entre Mommy et J’ai tué ma mère: comme l’a signalé le réalisateur lors d’une entrevue à Cannes, son premier long métrage traitait de problèmes à l’intérieur de la cellule familiale, alors que Mommy s’attaque à un sujet beaucoup plus ambitieux: la place d’un individu dans la sphère sociale.

Bien entendu, le film porte la signature si particulière que l’on connaît à Xavier Dolan, c’est-à-dire une maîtrise technique remarquable, notamment dans les audacieuses utilisations du format carré  et de la musique omniprésente. Ce faisant, Mommy porte une attention à certains éléments précis, accentuant une différence par rapport aux films précédents du réalisateur. Les personnages y apparaissent plus développés, plus profonds. Bien sûr, ces rôles sont interprétés par une solide distribution, notamment Suzanne Clément et Anne Dorval, des habituées de l’univers Dolan. Mais surtout Antoine Olivier Pilon, dont on découvre une nouvelle facette fort impressionnante et qui a bien grandi depuis Frisson des collines. On note également une fluidité nouvelle dans la narration. Si Laurence Anyways avait quelques longueurs, Mommy alterne efficacement entre scènes au rythme haletant et scènes plus lentes, créant ainsi une sorte de montagne russe émotionnelle dont on ne sort pas indifférent.

Tout ceci n’empêche pas le film d’avoir certaines longueurs. Les scènes du panier d’épicerie et du saut dans le futur, qu’on excuse, l’une pour sa qualité visuelle, et l’autre pour son utilité dans la trame narrative, ne sont pas sans nous laisser froncer les sourcils. 

Après avoir vu ses précédents films récompensés par la Quinzaine des réalisateurs, dans la catégorie Un certain regard, puis à la Mostra de Venise, il semblait logique que le dernier Xavier Dolan se taille une place dans la compétition officielle cette année. Son prix du jury à Cannes et la réception enthousiaste dont Mommy fait l’objet au Québec sont autant de lauriers dûment mérités. S’il continue sur une telle lancée, on ne peut que se demander ce qu’apportera à Xavier son prochain film et attendre avec impatience le dévoilement des nominations aux prochains Oscars, où Mommy candidate au nom du Canada dans la catégorie «meilleur film en langue étrangère».

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Malgré un léger retard dû au bruit venant de la boîte de nuit située en haut, tous sont attentifs lorsque Corinna monte sur scène discrètement et emmène tranquillement voguer le public à travers les notes de sa guitare. Elle nous interprète ses chansons dans un murmure, avec une voix feutrée rappelant celle du musicien américain Sufjan Stevens et qui ne laisse personne indifférent. C’est une belle surprise pour ceux ne l’ayant jamais entendue.

Corinna vient de Toronto et s’est établie à Montréal il y a quelques temps déjà. Son premier album éponyme vient tout juste de sortir et a déjà plusieurs fans. Sur scène, elle est accompagnée d’Ari Swan au violon et de Quinn Brander au violoncelle. Les arrangements avec les instruments à cordes sont très originaux et dosés avec parcimonie; juste assez pour ne pas enterrer la guitare ou le banjo de Corinna. Elle accompagne ses chansons d’histoires et ses discussions avec le public sont souvent très comiques. Corinna berce tranquillement l’auditoire et l’emmène avec elle dans un monde parfois morose, parfois cocasse, mais toujours pertinent. Cette musicienne est définitivement une artiste à surveiller pour les années à venir.

Puis c’est un Peter Katz en pleine forme qui prend d’assaut la scène en entamant les premières notes de sa chanson «Days and nights». Pour la soirée, il est accompagné de la pianiste et choriste Karen Kosowski. Peter est l’un de ces musiciens qui ne fait pas de compromis sur scène. Il est l’un des rares qui utilise à bon escient une pédale «loop station» qu’il utilise entre autres pour superposer les rythmes de guitare, mais aussi pour créer des chœurs qu’il enregistre à l’aide d’un deuxième micro. Le processus est d’autant plus impressionnant qu’il fait le tout sous les yeux des spectateurs hypnotisés par cette douce musique.

Peter est un musicien qui semble avoir tout pour lui. Originaire de Montréal et maintenant établi à Toronto, le nominé aux Junos en 2012 revient en effet tout juste  d’une tournée européenne suivie d’une tournée avec le musicien folk canadien Royal Wood. En plein processus d’écriture de son prochain album qu’il enregistrera en avril, le succès ne lui monte toutefois pas à la tête. Peter s’implique avec beaucoup d’écoles et de jeunes en participant à des ateliers de musique et de développement et ne se gêne pas pour parler de ses expériences sur scène.

S’il ne l’était pas déjà, le public est rapidement conquis par toutes les anecdotes que partage Peter, qui aime bien discuter et raconter de longs préambules avant ses chansons. Ces dernières sont très personnelles et résonnent avec douceur dans l’esprit de tous. Son interprétation est toujours sans faille alors qu’on peut voir ses yeux s’illuminer lorsqu’il chante et partage avec le public. Les textes et la musique sont toujours d’une délicatesse réconfortante, tout en nuances et en variations de rythmes délicates. À un autre moment, il descend de la scène et raconte l’histoire touchante lui ayant inspiré la chanson «Oliver’s Tune» , inspirée de l’histoire d’Oliver Schroer, un violoniste canadien décédé d’une leucémie en 2008, avant d’interpréter une version acoustique de cette chanson riche en émotions.

Corinna et Peter ont visiblement envie d’être sur scène malgré le froid et la fatigue des tournées et c’est là l’élément clé permettant de dire que la soirée est un succès.  Tout le monde semble comblé et heureux lors des applaudissements finaux après avoir chanté les chœurs de la dernière chanson, «Carried Away».

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La première heure de la soirée laisse plusieurs spectateurs perplexes. Le premier groupe présente un style de musique planant qui n’était peut-être pas approprié pour commencer une soirée au Corona.  En manière de géographie, le public se cantonne dans le fond de la salle et le parterre est plutôt vide. Dommage, car le groupe de Rémi Gauvin présentait une musique envoûtante qui aurait été parfaite pour clôturer la soirée.

Le deuxième groupe francophone à monter sur scène, Arcane, s’impose un peu plus en s’adressant directement à la foule et en présentant une musique plus rythmée, quoiqu’encore vaporeuse. Les musiciens paraissent tous très à l’aise sur scène. Jusqu’ici, la musique jouée par les deux groupes reste néanmoins assez similaire et personne ne se démarque singulièrement.

Après l’entracte, l’ambiance musicale est prise en charge par le DJ Saad. Les organisateurs avaient quant à eux préparé de belles activités pour divertir le public. On retiendra parmi celles-ci l’encan silencieux, la vente de tire sur neige ainsi qu’un photomaton avec plusieurs costumes de bûcherons. Le bar fait son effet et l’ambiance se détend tandis que la foule s’élargit et prend possession du parterre. Dans ces circonstances favorables, l’animateur présente le prochain groupe, Casino, lequel a mis le feu au plancher. Leur énergie fait cette fois la différence et réveille cette soirée qui était jusque-là un peu trop tranquille.

Casino s’impose avec un son beaucoup plus rock et une complicité extraordinaire avec le public. Leurs copains de Bad Captain le dernier groupe figurant au programme) les rejoignent même sur scène le temps d’une chanson, histoire de donner un avant-goût de la suite. Dans la liesse générale, le chanteur, Joey Berliangeri, casse l’une des cordes de sa guitare, ce qui laisse quelques minutes au batteur Michael pour épater la galerie avec ses rythmes fracassants.

Pour conclure en beauté la veillée au Shack, la formation Bad Captain prend les commandes. Avec un public gonflé à bloc, ils interprètent leurs compositions hard-rock avec assurance. L’alchimie entre la foule et les musiciens est si forte qu’on ne doute pas une seconde des années d’expérience du groupe. Ils vont même renvoyer l’ascenseur aux membres de Casino les appelant sur scène pour le plus grand plaisir du public.

L’événement, qui était organisé par des étudiantes en communications de l’UQAM (Université du Québec à Montréal), peut être qualifié de réussi. Les deux mille dollars de profit qui avaient été fixés pour objectif ont été largement dépassés, avec plus de trois mille cinq cent dollars amassés au bénéfice du Centre social d’aide aux immigrants.

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La première partie avec Laurel Jackson  commence du bon pied, mais, au fil des chansons, on réalise malheureusement qu’elles se ressemblent toutes. Malgré une voix envoutante et charmeuse, Laurel Jackson semble mal à l’aise sur scène et plus ou moins certaine de ce qu’elle y fait.

Outre les quelques blagues qui tombent à plat, elle enchaîne des chansons assez longues et plutôt simplistes: environ trois accords par morceau et des paroles très répétitives. Laurel a une jolie voix, mais ses chansons auraient besoin d’être plus travaillées. Le public est globalement endormi et on espère que la suite sera plus vivante.
Espérances comblées! À la surprise générale, les musiciens de Soho Ghetto montent sur la scène relativement petite du Divan Orange et commencent leur performance avec une énergie foudroyante.

Peu importe où ils vont, et à en juger par le nombre de personnes s’étant déplacées malgré la tempête, Soho Ghetto séduit tous ceux qui croisent son chemin.  Le groupe est composé de Marc-Antoine Robertson (voix, guitare), Shawn Burkes (batterie, percussions), Matthew Gibbon (harmonica, voix), Brian MacKay (mandoline, synthétiseur, voix), Alex Meade (guitare), Peter Smith (basse) et Rachel Sunter (piano, voix). Le mélange de tous ces instruments crée un son mélangeant le folk, l’indie, la pop et un peu de jazz.

Pour parler de la soirée en termes un peu plus techniques, il était quelque peu difficile de comprendre les paroles des chansons, dans le cas des deux groupes à l’affiche. Soho Ghetto impressionne plutôt par la justesse de ses arrangements et par le rythme vivant qu’il impose dès la première chanson, «Honorable Mention».

J’avais eu la chance d’écouter l’album studio du groupe avant le concert et j’avoue avoir été assez surprise par la différence entre les deux. Si la musique de l’enregistrement est accrocheuse, elle n’a toutefois pas la même vigueur et ne dégage pas le même mordant que lorsqu’elle est jouée sur une scène. C’est donc l’expérience live qui représente l’apogée de leur musique, ce qui est tout à leur avantage, car nombreux sont les artistes qui déçoivent au moment de se produire sur scène.

À la fin de la soirée, les membres du groupe restent pour discuter avec le public, prendre des photos et profiter d’une bonne bière montréalaise. Ils sont très proches de leurs fans et loin d’avoir la grosse tête. Ils ne font que profiter des beaux moments en tournée et espèrent que cela continuera!

Le groupe est en train de préparer un nouvel album qui sera lancé à l’automne prochain. Nous avons pu en avoir un léger avant-goût pendant la soirée. En attendant, Soho Ghetto voyage surtout en Nouvelle-Écosse et au Nouveau-Brunswick et prévoit revenir à Montréal pour un nouveau concert cet été. D’ici là, si vous passez par Halifax, assurez-vous d’aller les voir et d’écouter leur album sur leur site Internet, www.sohoghetto.com.

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De rouille et d’os raconte l’histoire de Stéphanie (Marion Cotillard), une dresseuse d’orques, et d’Ali (Matthias Shoenaerts), un jeune père ne sachant plus trop quoi faire de sa vie. Leur relation se complexifie à la suite d’un accident de travail qui priva Stéphanie de l’usage de ses jambes. Ali se découvre une passion pour le combat de rue et entraine le spectateur dans de sombres affaires. Le film présente une réflexion intéressante sur la guérison ainsi que sur les choix auxquels il est difficile de faire face. Le scénario est une adaptation libre du recueil de nouvelles Rust and Bone du canadien Craig Davidson. Ce long-métrage change de ce qu’on connaît d’Audiard qui joue beaucoup sur le suspense, l’anxiété et la violence. Le réalisateur amène ici ces thèmes avec une finesse et une délicatesse surprenante. On sent clairement une recherche ainsi qu’un profond questionnement derrière les dialogues. Il est également impossible de ne pas faire mention de l’excellente performance des acteurs principaux, Marion Cotillard et Matthias Shoenaerts, qui nous permettent de croire à cette histoire et de sentir toute la douleur et la confusion éprouvées par les protagonistes. Pour couronner le tout, la direction photo nous propose des images et des cadrages bien réfléchis, très esthétiques et très suggestifs qui complètent l’expérience

Malgré tous ces points positifs, le film est passé relativement inaperçu de public ainsi que de la critique lors du Festival de Cannes de 2012. Certaines séquences sont longues et ralentissent le rythme du montage. Quelques éléments du scénario auraient également pu être retirés puisqu’ils ralentissent le cours de l’histoire, notamment certains passages de la vie d’Ali. Il faut aussi mentionner que si la différence de style avec les films antérieurs de Jacques Audiard a plu à plusieurs personnes, d’autres pourraient être légèrement déçues en voyant le changement de ton dans sa réalisation.

De rouille et d’os est le sixième film réalisé par Jacques Audiard, qui a une très longue carrière de scénariste.  Son film précédent, Un prophète, avait d’ailleurs remporté le grand prix du jury au Festival de Cannes en 2009. Audiard est un joueur très important du cinéma français depuis plusieurs années, mais c’est avec son film De battre mon cœur s’est arrêté qu’il a gagné ses lettres de noblesses en tant que réalisateur. Toutefois, son dernier film, semble être passé un peu plus sous les radars. Ce film présente malgré tout une histoire et un questionnement pertinent et il mérite amplement l’attention du public. De rouilles et d’os sortira en DVD au Québec le 19 mars. Jacques Audiard reste fidèle à lui-même et n’a pas peur d’aller dans les tabous et de tout montrer du changement brutal que subissent les personnes amputées. Il prouve encore une fois son talent incontestable et l’on attend déjà son prochain film avec impatience.

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Sur la route est le neuvième long métrage du réalisateur brésilien Walter Salles, qui est principalement connu pour son film Motorcycle diaries. À l’origine, plusieurs autres réalisateurs avaient été engagés pour travailler sur le film, et Francis Ford Coppola en détenait les droits depuis 1979, mais personne ne semblait arriver à capturer l’essence même du roman. C’est d’ailleurs une prouesse qu’a réalisé Walter Salles après plusieurs années de recherches et de préparation. Tout ce travail a donc porté fruit puisqu’en mai dernier, nous avons eu la chance de voir le film en compétition officielle au Festival de Cannes parmi plusieurs autres grandes œuvres.

Il faut d’abord remarquer la direction photographique hors pair de ce film. Il possède une esthétique bien particulière et très travaillée qui le rend agréable à regarder. Lors de la pré-production, l’équipe a refait tout le trajet des personnages afin de trouver les meilleurs endroits de tournage aux États-Unis. Une grande partie du film a été également tournée ici même à Montréal.

Cependant, le film comporte certaines longueurs, notamment dans les premières 45 minutes durant lesquelles on attend avec impatience le début de l’aventure qui semble ne jamais arriver. Salles se rattrape par la suite en donnant à son film un rythme à l’image des phrases de Kerouac: mouvementé et sans un moment de répit. Une partie importante des plans sont tournés caméra à l’épaule et plusieurs des répliques ont été improvisées par les acteurs au moment du tournage, ce qui crée une ambiance spontanée très proche du texte littéraire et qui arrive à toucher le public.

La distribution du film a été souvent critiquée, notamment pour le rôle de Marylou, la première femme de Dean Moriarty, incarnée par Kristen Stewart. J’ai cependant été fort impressionnée par sa performance intense qui contraste heureusement avec celle des films de la série Twilight. Tous les acteurs campaient leurs rôles à merveille. Kirsten Dunst, qui interprète la deuxième femme de Dean, mérite également une mention car elle livre une performance poignante dans les quelques scènes dont elle fait partie.

Comme dans toute adaptation cinématographique d’un texte littéraire, il a fallu couper et remanier de grandes sections du célèbre roman résultant en un récit légèrement différent de l’original et dans lequel certains personnages ont plus ou moins d’importance qu’à l’origine. Toutefois, les longues années de recherches et de préparation qui ont précédé la production de ce film ont permis au réalisateur d’arriver à conserver l’essentiel de cette histoire – cet essentiel qui fait de Sur la route un succès intemporel.

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Sur la route est le neuvième long métrage du réalisateur brésilien Walter Salles, qui est principalement connu pour son film Motorcycle diaries. À l’origine, plusieurs autres réalisateurs avaient été engagés pour travailler sur le film, et Francis Ford Coppola en détenait les droits depuis 1979, mais personne ne semblait arriver à capturer l’essence même du roman. C’est d’ailleurs une prouesse qu’a réalisé Walter Salles après plusieurs années de recherches et de préparation. Tout ce travail a donc porté fruit puisqu’en mai dernier, nous avons eu la chance de voir le film en compétition officielle au Festival de Cannes parmi plusieurs autres grandes œuvres.

Il faut d’abord remarquer la direction photographique hors pair de ce film. Il possède une esthétique bien particulière et très travaillée qui le rend agréable à regarder. Lors de la pré-production, l’équipe a refait tout le trajet des personnages afin de trouver les meilleurs endroits de tournage aux États-Unis. Une grande partie du film a été également tournée ici même à Montréal.

Cependant, le film comporte certaines longueurs, notamment dans les premières 45 minutes durant lesquelles on attend avec impatience le début de l’aventure qui semble ne jamais arriver. Salles se rattrape par la suite en donnant à son film un rythme à l’image des phrases de Kerouac: mouvementé et sans un moment de répit. Une partie importante des plans sont tournés caméra à l’épaule et plusieurs des répliques ont été improvisées par les acteurs au moment du tournage, ce qui crée une ambiance spontanée très proche du texte littéraire et qui arrive à toucher le public.

La distribution du film a été souvent critiquée, notamment pour le rôle de Marylou, la première femme de Dean Moriarty, incarnée par Kristen Stewart. J’ai cependant été fort impressionnée par sa performance intense qui contraste heureusement avec celle des films de la série Twilight. Tous les acteurs campaient leurs rôles à merveille. Kirsten Dunst, qui interprète la deuxième femme de Dean, mérite également une mention car elle livre une performance poignante dans les quelques scènes dont elle fait partie.

Comme dans toute adaptation cinématographique d’un texte littéraire, il a fallu couper et remanier de grandes sections du célèbre roman résultant en un récit légèrement différent de l’original et dans lequel certains personnages ont plus ou moins d’importance qu’à l’origine. Toutefois, les longues années de recherches et de préparation qui ont précédé la production de ce film ont permis au réalisateur d’arriver à conserver l’essentiel de cette histoire – cet essentiel qui fait de Sur la route un succès intemporel.

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FILMifact faisait partie de la série des ARTifacts, des soirées ayant lieux quelques fois dans l’année et mettant en vedette le talent artistique de plusieurs élèves. Ces événements sont présentés au Tuesday Night Café. Au menu mardi dernier: des performances scéniques ainsi que des courts-métrages réalisés par des étudiants dans différents contextes..
Après avoir été chaleureusement accueillis par l’équipe d’organisateurs, avec du café et des cupcakes, la soirée commence par la lecture d’un texte de l’étudiante Jennifer Huans. Elle y décrit un supermarché où tout est noir. Pour mieux vivre l’expérience, elle recommande à tous de fermer les yeux. Son texte est évocateur, et met en mots le caractère improbable de la scène. Esmond Sage, un autre étudiant, est ensuite monté sur scène afin de nous présenter une courte pièce de théâtre. Incertain au début, il joue un ancien prisonnier accusé du meurtre de son frère, qui tente d’expliquer ce qui s’est réellement passé dans une reconstitution des plus farfelues. Sage a même demandé à certains membres du public de participer.
Son interprétation était juste et le texte teinté d’humour.

Le concours de courts-métrages a suivi sans tarder. Les participants devaient donc écrire, réaliser et monter un court-métrage dans un délai de 72 heures et présenter le tout mardi soir. Finalement, deux productions se sont rendues jusqu’à l’étape du visionnement.
Locked réalisé par Justin et Max, mettait en scène un personnage retenu à divers objets par un cadenas de vélo. On y voyait notamment des scènes où il était attaché à une porte de réfrigérateur, à une clôture ou encore à une patte de chaise, créant des situations cocasses. Le vidéo utilisait un humour simple et léger mais très efficace, provocant des rires dans la salle. Malgré la simplicité de certains plans de caméra, le montage efficace rattrapait ces quelques éléments!
Le second court-métrage, qui n’avait pas de titre, était présenté par Sasha, Jehane, Lina et Bracha. On y voyait une jeune fille dans plusieurs scènes différentes. L’utilisation de plusieurs effets sonores était très intéressante quoique parfois maladroite par rapport au volume. Le vidéo intégrait des scènes d’animation en image par image très bien réalisées. Les couleurs étaient très présentes dans le clip, notamment dans une scène où de la peinture jaune était versée sur la demoiselle tenant un parapluie transparent.

La soirée continue par la présentation de deux courts-métrages hors compétition réalisés dans le cadre du cours d’Anthropologie 408. Ce cours explore les moyens de communication qui ne nécessitent pas la parole ou l’écriture, tels que le cinéma. Le premier vidéo était une réalisation d’Emily Murphy intitulé «Silent Portrait». Elle y présentait sa mère dans un silence absolu, sans parole ni musique, exclusivement avec des images. Un concept très intéressant et sans doute amusant à explorer. Une deuxième production de ce cours était également présentée; un film de Jessie Kilburn sur un centre de danse communautaire. Les plans visuels étaient absolument magnifiques et représentaient à merveille l’interaction entre les jeunes, aucun mot n’étant nécessaire.

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Le Judas, c’est l’histoire de six habitants d’un immeuble soupçonnés du meurtre de leur propriétaire, Zéphyr St-Ambroise. Ce dernier a placé des caméras de surveillance dans les appartements de ses locataires afin de revendre les vidéos sur des sites Internet de voyeurisme, leur procurant à tous un motif pour son assassinat. Le but du jeu: aider la détective Ève Lévesque à déterminer qui est le coupable.

En France, l’un des exemples les plus connus de série web serait la série Bref, créée par Kyan Khojandi, maintenant diffusée ici sur les ondes d’Addik TV. Plus près de nous, au Québec, nous avons eu Les chroniques d’une mère indigne ou encore En audition avec Simon. Cependant, cette fois-ci, la recette est légèrement différente puisqu’on propose un concept de réalité altérée où l’internaute peut s’impliquer, participer à l’histoire et où, après les six semaines de l’aventure, un grand gagnant recevra un bon d’achat de 6 000$ chez Future Shop.

Pour commencer l’histoire, il faut d’abord s’inscrire sur le site, puisque chaque participant pourra récolter des points tout au long de l’histoire. Depuis le 23 octobre, chaque semaine, une capsule vidéo est mise en ligne contenant des indices et dévoilant des «images d’archives» récoltées par les caméras du propriétaire pendant le mois précédant sa mort. Là où le concept devient particulièrement intéressant, c’est que chaque capsule est accompagnée d’une série de missions, au niveau de complexité variable, que donne la détective. Celle-ci communique avec l’internaute via une fenêtre de chat simulé. Plusieurs pièces à convictions (relevés de banque, messages texte, factures, vidéos, etc.) sont mises à la disposition du participant afin qu’il les examine sous toutes leurs coutures, en zoomant dans les images et en jouant avec la luminosité des séquences, tout ça dans le but de trouver les réponses aux questions et missions attribuées par Ève Lévesque. Il s’agit du principal moyen pour récolter les points qui permettront à plusieurs internautes de gagner des prix.
En effet, dix chanceux auront l’opportunité de rejoindre la détective sur les lieux du crime pour le tournage de la dernière capsule pendant laquelle le mystère sera résolu. Ces participants recevront chacun une paire de lunettes-caméra, et le grand gagnant une carte cadeau Future Shop d’une valeur de 6 000$. Plusieurs autres prix totalisant 4 000$ seront également distribués parmi les internautes qui auront amassé assez de points. Il est possible de cumuler un maximum de 22 300 points en exécutant plusieurs tâches. Des points sont attribués à ceux qui écoutent les assemblages, visionnent les pièces à conviction et exécutent les missions. Ces dernières demandent d’aller voir les pages Facebook des personnages, de visiter des sites Internet fictifs et également de répondre aux questions et indices envoyés par messages texte, ou encore par courriel. La participation au projet est donc primordiale pour vivre l’expérience au maximum!

Le lancement du Judas s’est déroulé le mercredi 17 octobre dernier dans le cadre du Festival du Nouveau Cinéma avec une impressionnante mise en scène. La détective Ève Lévèsque (Édith Cochrane) et les forces de l’ordre fictives ont fait irruption lors d’une soirée afin d’y questionner et d’y arrêter les six suspects dans l’affaire, dont Mylène Saint-Sauveur (Thea St-Ambroise dans la série) qui était la DJ de la soirée pour l’occasion. La série était en nomination dans la sélection internationale pour la meilleure œuvre interactive du FNC Lab. Le prix est cependant revenu à Bear 7, une autre expérience web interactive. Ziad Touma réinvente à merveille le concept classique du meurtre et mystère avec Le Judas, permettant à tous de s’improviser détectives en herbe. Malgré le site Internet parfois un peu lent, il est très agréable de naviguer dans l’interface un peu glauque qui crée une ambiance parfaite. Le Judas est assurément une série web qui vaut le détour et qui prouve encore une fois que le cinéma et la télévision d’ici vivent très bien le passage dans le cyberespace!

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