L’article Franc-Jeu mène l’enquête est apparu en premier sur Le Délit.

Poétique de l’absurde

Tels Vladimir et Estragon, attendant vainement Godot sous leur arbre, une adolescente patiente sous un abribus de la rive nord de Montréal. À ses côtés, Le Vieil Homme Qui Passe La Balayeuse Sur Sa Pelouse pour faire rire sa femme décédée, aime lui rappeler que décidément non, le bus 51 ne passera pas en cette nuit de fête du travail.

En face, la station essence Pétro-Canada est habitée par un trio haut en couleurs: Le Gars Qui Compte La Caisse, visiblement effrayé par les deux silhouettes qui se dessinent à l’arrêt de bus et qui se doit de les imaginer en mascottes pour ne pas céder à la panique; Le Gars Qui Passe La Moppe, employé joufflu rechignant à faire le ménage; tous deux dirigés par une cheffe aguicheuse, La Fille Qui Arrive À La Job Sur Le Fly Même Si Son Prochain Shift Est Dans Deux Jours, venue remettre en ordre la station essence en vue de la venue d’un·e possible client·e mystère…

Dans le jardin d’enfants abandonné, se promène La Jeune Fille Qui A Une Jupe Trop Courte Selon Le Règlement, livrant sans vergogne ses désillusions amoureuses à son hamster et au public.

Grandir

Malgré quelques longueurs et une fin un peu précipitée, Hamster retranscrit dans un vocabulaire volontairement très québécois les hésitations de la jeunesse, ses doutes et ses grandes histoires d’amour, et pose avec subtilité la question de la construction d’un Je, sa confrontation avec le monde et les autres. Le texte est sublimé par quelques notes de guitare et une chanson interprétée en direct par Lydia Képinski.

Les jeunes adultes d’Hamster soulèvent au fond des questions existentielles, sous l’œil protecteur du vieil homme à qui rien n’échappe: qu’est-ce que cela signifie, vivre? Et aimer? Peut-on vivre d’amour comme on peut en mourir? Comment conserver les sentiments que nous portent les autres êtres humains?

La scénographie est par ailleurs assez minimaliste: outre une cabine de toilettes, lieu de grands drames comme de blagues potaches, et un banc représentant l’arrêt de bus, les espaces sont figurés par les paroles des act·rices·eurs. Les jeux de lumières sont sobres et classiques, apportant peu à l’intrigue de la pièce, et ne contribuant pas autant qu’ils le pourraient à l’escalade des tensions

L’article Vivre plus fort, aimer plus haut est apparu en premier sur Le Délit.

La liberté pour horizon

La pièce s’ouvre sur une dispute acerbe, syndrome d’une crise d’adolescence difficile et d’une relation mère-fille conflictuelle. Chloé, quinze ans, incarne ce refus global des normes: refus des pilules de vitamines journalières aux livres de développement personnel de sa mère,  refus d’une vie rangée et lisse avec un mari agréable et un travail correctement rémunéré.

«J’veux te dire que j’étouffe, que je manque d’air. De lumière aussi. Que j’veux rien savoir d’une vie aussi ennuyante que la tienne. Il y a d’autres choses que les talons hauts, le rouge à lèvres, pauvre brebis à la recherche des bras protecteurs d’un homme. Je veux plus, plus haut, plus loin, plus intensément. Que j’suis pas faite pour les enclos, même quand on met une piscine hors terre de vingt-quatre pied dedans.»

Pour vivre et ressentir enfin, Chloé prend la route, direction les États-Unis. En tête? Aucune destination, aucun projet, rien que manger et dormir, échapper à la mort et autant que possible aux violences et au viol, dépeint comme «une loto où t’as enfin des bonnes chances de gagner…» Un texte saisissant de fraîcheur et de justesse, sublimé par une interprétation crue et subtile. 

Je veux plus, plus haut, plus loin, plus intensément

La perpétuelle recherche

À gauche de la scène, Madame Lise St-Aubin, mère de famille éplorée, ressasse à chaque instant les souvenirs de sa fille perdue, à la recherche d’un signe de vie ou d’une clé de compréhension de ces événements qui la dépassent et la laissent anéantie, seule avec son brushing impeccable dans une trop grande maison terne. 

À droite, le bureau de P., policier-enquêteur travailleur, spécialisé en enlèvement et fugue de mineur·e·s, exposé à longueur de journée à des images de cadavres d’adolescent·e·s et à des histoires familiales sordides, hanté par les visages des disparu·e·s, entreprend un tour des truck-stops (aires d’autoroutes, ndlr) pour retrouver Chloé.

Entre les deux, un pan incliné —la route, et en fond, un écran sur lequel se succèdent des images de bitume et de câbles électriques. Perchées au sommet, Chloé et son amie Stacy racontent la fugue, la vie de femmes dans la rue, les abus, la faim et le manque de sommeil, les rêves lointains de voyage et le vacarme des camions.

En guise de décor, des champs de blé d’Inde à perte de vue et des stations-services glauques, au milieu desquels se mêlent camionneurs et fugueuses, partageant les mêmes burgers huileux. En fond surtout, une indifférence sociale profonde et délétère, éveillée deux fois l’an par des reportages alarmants sur un nouveau tueur en série, alors que l’on retrouve chaque semaine des corps de jeunes femmes dans des conteneurs à déchets. Le portrait sociétal dressé par la pièce est résolument noir, bien que les personnages brillent par leur humanité et leur poursuite du sens.

Invisibles au Théâtre La Licorne jusqu’au 16 mars

Mise en scène par Édith Patenaude

L’article Partir sans retour? est apparu en premier sur Le Délit.

Plongée en terres autochtones

Il n’y a sur scène qu’une table en bois et pourtant on perçoit dès les premières minutes la présence des montagnes; ici, un pont suspendu au dessus de la rivière, là le bar où Floyd et Quêteux boivent le peu d’argent qu’ils ont et parlent de tout —sauf du passé. Plus loin, la maison de Floyd, qu’il habite seul depuis le suicide de sa femme et le placement de sa fille par les services sociaux. En fond sonore, l’écoulement de l’eau, et les voix mêlées des nations Autochtones, Dene, Mik’Mak’ et Attikamekw. Une superbe bande son signée Musique Nomade.

Christine, June, Floyd et Quêteux sont né·e·s là où se croisent les rivières et là où le sang se mêle. Deux générations abimées par le poids des «écoles résidentielles», pensionnats d’État qui, de 1820 jusqu’à 1996, ont enfermé plus de 150 000 enfants autochtones dans le but de christianiser et d’assimiler de force les peuples des Premières Nations à la société  canadienne.

Renouer avec ses racines

Au cœur de la pièce, une histoire. Celle de Christine, adoptée enfant par un couple de citadin·e·s, qui retourne à l’âge adulte sur les traces de son père pour découvrir enfin d’où elle vient. Face à elle, les interrogations de tout un peuple: comment transmettre à nos enfants nos traditions et notre culture quand on nous a appris à les haïr dès le plus jeune âge? Comment se débarrasser de ces idées qu’on nous a martelées, qui ont rendu notre peuple malade? Comment passer au-delà des violences physiques, morales et psychologiques subies par toute une génération?

Sur scène, la vie passe lentement, au fil des pintes et du courant. La douleur est vive mais les personnages brillent par leur résilience. Au centre la figure du pont: entre le pensionnat et la réserve, entre le passé et le présent, entre la vie et la mort —des dizaines de mètres plus bas dans les tumultes de l’eau, entre le père et sa fille, entre les Autochtones et ceux qui ont pris leur terre et volé une partie de leur histoire et de leur jeunesse.

Un cri dans le silence

Les Productions Menuentakuan offrent, à la fin de la représentation, un thé et un espace de parole. L’aigle passe de main en main. Odeurs d’encens mêlées aux voix qui se brisent. Pour clôturer la soirée, un cri de douleur des Autochtones, venu·e·s en nombre assister à la pièce: «Combien de générations ça va prendre avant de guérir nos peuples?»

L’article Un passé qui ne passe pas est apparu en premier sur Le Délit.