La pièce met en scène deux vagabonds inséparables, Estragon et Vladimir, qui attendent, durant les deux heures trentre de spectacle, Godot, un personnage mystérieux, connu de tous et en même temps de personne, dont l’existence même reste incertaine. Personnification d’un espoir de salvation inatteignable, Godot apparaît comme l’objet central de la pièce, supposé donner un sens à la vie absurde et vide que mènent les personnages, sans pour autant jamais apparaître. Les acteurs donnent vie aux personnages de Beckett de façon impressionnante. Leur performance est très juste et fidèle au texte, rajoutant sur quelques aspects un caractère comique plus poussé. Le jeu de Pierre Lebeau dans le personnage du tyran narcissique de Pozzo est particulièrement bluffant et apporte une dimension plus grotesque à la pièce.

La mise en scène permet très justement la mise en avant du caractère absurde et répétitif de la pièce. Le décor prend l’apparence d’un sablier géant sur lequel les personnages jouent, le sable coulant au début et à la fin des deux actes, avec un renversement du sablier au moment du deuxième acte. François Girard réussit à nous faire ressentir le désespoir grandissant face à l’attente infinie à laquelle sont confrontés les personnages. Il réussit également à accentuer l’incapacité des personnages à avancer, à prendre des initiatives autres que celle de l’attente de Godot et à finalement donner un sens à leur vie. Ceci est certainement rendu possible par la longueur de la pièce elle-même; en tant que spectateurs, on se surprend à vouloir qu’elle se termine, parce qu’on finit nous-mêmes par se sentir enfermés dans cet univers étouffant. Après un entracte qui permet d’en sortir, le deuxième acte nous replonge immédiatement dans une deuxième journée, qui s’avère être identique à la première, cette dernière paraissant finalement n’avoir jamais eu lieu — et les personnages eux-mêmes en sont persuadés. Les jours dénués de sens se répètent infiniment et seule la mort semble pouvoir sauver les personnages de cet infernal tourment qu’est l’existence, toujours dans l’attente de Godot.

«Le décor prend l’apparence d’un sablier géant sur lequel les personnages jouent»

Malgré la longueur de la pièce, cette dernière présente une très bonne interprétation de l’œuvre de Beckett, avec un jeu particulièrement juste et réussi des acteurs. En plus de la dimension historique tragique de la pièce dans le contexte de l’après-guerre et des camps de concentration qui appelle à une remise en question de l’humanité face aux horreurs commises, En Attendant Godot a toujours une résonnance actuelle: le spectacle permet une réflexion sur nos aspirations et attentes, car finalement, il semblerait que nous attendions tous un Godot qui ne viendra probablement jamais. 

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L’Hermine surprend avec un scénario original et rare dans le cinéma français: celui d’une séance en cour d’assises et du rapport des jurés face à la justice. Un sujet finalement peu connu du large public, qui associe généralement la justice bien plus avec les séries américaines et les procès théâtraux que ces dernières peignent, qu’avec la réalité d’une audience de cour française. La mise en scène d’un procès de cour d’assises est captivante et très réaliste dans son ensemble. On assiste à presque l’intégralité du procès, qu’il s’agisse des séances d’audiences, avec la succession de témoins et des plaidoiries des avocats, ou des délibérations des membres du jury. L’importance du jury dans les affaires criminelles est mise en avant, présentant notamment des jurés très variés, issus de milieux sociaux différents les uns des autres.

Incontestablement, le film charme par le jeu des acteurs. Fabrice Luchini joue le rôle d’un magistrat redouté et très peu apprécié à la cour d’assises de Saint-Omer, près de Lille. Alors qu’il appelle un par un les jurés pour juger un cas d’homicide, Michel Racine se surprend à appeler parmi ces jurés un amour passé, qu’il n’avait pas revu depuis six ans, Ditte Lorensen-Coteret. Tandis que jusque-là, dur envers son entourage et les accusés qu’il se doit de juger, il restait caché derrière son hermine – la fourrure rouge que porte le Président de la cour d’assises –, l’homme sensible refait surface et va tenter de renouer avec la femme dont il est follement amoureux et qu’il n’avait jamais pensé revoir un jour. Assis dans nos fauteuils, on ressent la tension entre les deux personnages. On intercepte les regards échangés et peu de dialogues sont nécessaires pour palper le malaise, mais aussi l’attachement particulier que Michel Racine éprouve envers Ditte Lorensen-Coteret.

«Le film charme par le jeu des acteurs»

Si le scénario et les acteurs rendent le film intéressant et prenant, on ne sort pourtant de la salle que partiellement satisfait, avec la sensation de n’avoir vu qu’une portion de film. Malgré la justesse des scènes qui donne le sentiment de voir beaucoup de choses, le scénario général manque de contenu. En dépit de la précision du procès, rendue possible à travers des témoignages, des arrêts sur images de l’accusé, de la partie civile, ainsi que du public, on regrette une couverture partielle du contenu de ce dernier. Il va dans le détail sur certains aspects, mais échoue finalement à montrer l’essentiel, notamment le dernier jour de procès et comment le jury se prononce sur la sentence finale. Il en est de même dans le traitement de la relation entre les deux protagonistes. Le film se termine, et on pourrait croire, ou tout du moins espérer, qu’il ne s’agit que d’un entracte.

L’Hermine présente donc un scénario intéressant et prometteur, et on trouve dommage que l’idée n’ait pas été portée jusqu’au bout, en sortant de la séance avec le sentiment que quelque chose de plus complet aurait pu être réalisé. Le film apparait donc paradoxal sur de nombreux aspects: il apporte beaucoup de précision, notamment sur le jeu des acteurs, avec une caméra toujours très proche des personnages et centrée sur leurs visages et expressions corporelles, mais il reste malheureusement vide dans son contenu et ainsi, dans sa globalité.

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«Rafraîchir le scénario type du drame français.»

On s’y attend avant de voir le film: le scénario n’a rien d’original ou d’innovateur. C’est un scénario classique de conflit et de mensonges familiaux avec une résolution attendue. Le jeu des acteurs lui-même est prévisible. Mélanie Laurent et Laurent Laffitte restent dans les rôles, qu’on leur attribue, de personnages qui se veulent ordinaires, avec un jeu toujours très similaire. En dépit d’un scénario déjà vu, des éléments intéressants sont apportés. Le réalisateur porte un regard sur la relation père-fille ainsi que sur la relation amoureuse de deux jeunes filles qui tentent de trouver leur orientation sexuelle. Elles se retrouvent confrontées à la tâche difficile d’accepter leur identité sexuelle d’abord, puis surtout de l’avouer à leurs proches. Cette touche plus originale permet d’une certaine façon de rafraîchir le scénario type du drame français.

Légèreté maîtrisée

Malgré le fait que nous soyons plongés dans une atmosphère morbide par la trame du film, avec des couleurs froides et des dialogues sourds, Boomerang garde un caractère presque léger. On sent que le film se veut dramatique, mais étrangement, on a du mal à ressentir son caractère tragique. Lorsque l’on connaît si bien ces acteurs, ces paysages, cette façon de s’exprimer avec des expressions et un humour très français, il devient difficile de réellement établir un «quatrième mur». Les personnages parlent et plaisantent sur des jeux auxquels nous avons nous mêmes joués et incarnent des relations entre enfants et parents que nous avons tous vécues. On ressent donc comme une sorte de décalage entre ce que l’on voit et ce que l’on pense; on analyse presque la scène comme si nous la dirigions avec le réalisateur tant elle nous paraît proche.

Si certains aspects du film déçoivent, le bilan n’est pourtant pas négatif. On sort de la séance satisfait car finalement, on n’en attendait pas vraiment plus. C’est un de ces films où l’on ressort avec le sentiment d’avoir passé un bon moment, tout en sachant que ce n’est pas un film dont on se souviendra particulièrement. Il s’agit simplement d’un drame français léger de plus.

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  Après la peur, que reste-t-il de notre relations à l’autre, des sentiments que nous pouvons éprouver à son égard?  C’est l’une des grandes réflexions qui lient les différents spectacles entre eux. Armel Roussel et sa troupe de comédiens déconstruisent volontairement le «quatrième mur» traditionnel du théâtre. Ils boulversent ainsi les attentes du spectateur, qui n’est plus confortablement installé dans son fauteuil devant une scène et c’est l’intelligence émotionnelle qui parle alors.

Deux représentations, Ghost Songs de Gilles Poulin-Denis et Banalités d’usage de Soeuf Elbadawi présentent  parfaitement la diversité des thèmes abordés par le spectacle.

La pièce Ghost Songs réussit avec succès à nous emporter avec elle en roadtrip jusqu’en Amérique. Au début de la pièce, les spectateurs montent dans une voiture et ferment les yeux. La voiture avance ensuite et on se réveille en route pour Chicago, la neige tombant sur le pare-brise. On se croirait en plein mois de février. Spectateurs à l’arrière de la voiture, nous assistons à la rencontre d’un conducteur et d’une auto-stoppeuse qu’il prend sur la route. Témoins de cette entrevue mystérieuse, nous sommes entraînés avec cette jeune femme sur la route qu’avait parcourue son ancêtre, une cinquantaine d’années auparavant.

En sortant, les spectateurs ont réellement l’impression de laisser derrière eux un univers mystique, avec le sentiment d’avoir traversé, avec les héros de la pièce, les plaines désertes de l’Amérique. Contrairement aux autres pièces qui entraînent plus directement les spectateurs vers une réflexion, le metteur en scène Gilles Poulin-Denis cherche à nous plonger dans un univers fictif particulier qui nous permet de nous évader dans le monde des personnages.

De son côté, la pièce Banalités d’usage: Un musulman de moins nous convie à un dîner. On s’assied: un peu de vin, du pain pita, et du houmous pour le repas. Mais l’hôte n’est pas là: un enregistrement sonore est lancé, et l’on entend Soeuf Elbadawi commencer son histoire. Originaire de l’archipel des Comores, le poète Soeuf Elbadawi serait resté bloqué à la frontière où il précise qu’il est musulman. Serait-ce la raison de son arrêt à la frontière? Rien n’est précisé, seulement suggéré. Puis la voix du comédien parle aux spectateurs de l’hospitalité, cette manière d’appréhender l’étranger, l’autre, en lui proposant d’échanger, de partager. La pièce est alors terminée. Les thèmes abordés furent forts: l’immigration, l’altérité, tous deux d’actualités. Quelle relation à l’Autre, qu’il soit musulman, immigré, les deux? La peur est-elle le seul filtre de contact possible aujourd’hui?

Et puis, de derrière un rideau, un homme surgit. On comprend alors que c’est Soeuf Elbadawi, le conteur de l’histoire qui n’a en fait jamais été bloqué à la frontière. Il nous parle de Moroni, sa ville natale, en chantant magnifiquement. S’ensuit une discussion tendue entre lui et un comédien qui se fait passer pour un spectateur sur les questions du vivre-ensemble, de multiculturalisme, de laïcité. On quitte la pièce avec des souvenirs forts et une expérience nouvelle du théâtre politique. 

Note de la rédaction: le metteur en scène Armel Roussel et sa troupe reviennent tous les ans à Montréal pour proposer un nouveau spectacle et poursuivre l’aventure.

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