Foucault avec un air mondain

Le spectacle transpose le spectateur à travers le globe, avec un décor minimaliste et efficace, où chaque personnage est doté d’une identité instable. Le seul centre de gravité semble être Jasmin, un jeune businessman québécois constamment en voyage d’affaire. Traversant la vie avec son air de «shark» et ses costumes Oxford, Jasmin fait la rencontre à Londres de Hadi et de son tapis antique. Dès lors, le mystérieux mot «Warda» poursuit l’homme d’affaires à travers ses voyages. La pièce, cousue de cent fils rouges, va alors s’articuler autour de sa quête, autant familiale que spirituelle. Pour comprendre la puissance humoristique de la pièce, on pourrait citer la présence du double-personnage Lilie-Michel Foucault, étudiante en philosophie à la Sorbonne puis incarnation du philosophe français. Donnant un physique attrayant à l’austère académicien, la pièce va aussi servir de porte-voix à son idée de «l’hétérotopie». Dans Des espaces autres, Foucault évoquait en ce terme les espaces concrets qui hébergent l’imagination comme le théâtre par exemple.

Conte d’enfants, histoire d’adultes

Traitant avec un même humour ravageur les poncifs de Foucault, les tragédies familiales ou le terrorisme —en se rappelant que la pièce avait été écrite en plein contexte des attentats du 13 novembre à Paris et du 22 mars à Bruxelles—, «Warda» ne laisse pas de répit à ses spectateurs. Warda, «rose» en arabe, héroïne de contes babyloniens, motif du tapis qui obsède Jasmin. La création originale de Harrisson et Delaunoy ne se représente qu’une petite vingtaine de soirs au Prospero, on vous la recommande. À priori, c’est le meilleur rapport qualité-prix pour un vol Montréal-Bagdad.

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Alfred se retourne dans sa tombe

Histoire d’amour, trahison, péripéties, course-poursuite et danger de mort, le quatuor pousse les clichés jusqu’au grinçant, sur fond de musique jazz d’ascenseur. Si l’on est forcé de reconnaître l’impressionnant travail fait par la large équipe en coulisse, on ne peut qu’admirer l’énergie des acteurs. Ceux-ci ont réussi à parfaitement s’approprier l’espace du Players Theater (la «boîte noire») et y évoluent avec une grande aisance. Une mention particulière doit être faite à Meyer-Goodman et Blanchard, se répondant dans un concours de celui qui incarnera le plus de personnages hauts en couleur, de mimiques, de voix contrefaites. Ce dernier nous avoue d’ailleurs, après la représentation, qu’il aurait aimé jouer une dizaine de rôles supplémentaires, histoire de bien achever sa crise cardiaque et notre crise d’épilepsie. Coup de poignard permanent à l’œuvre de Hitchcock, la traîtresse pièce joue les francs-tireurs en livrant une relative cohérence, un rythme d’enfer et une certaine fraîcheur. C’est d’ailleurs le thème récurrent au Players Theater, et qui se reflète dans ce casting d’acteurs que l’on a pu notamment retrouver au Directors’ Festival: la proximité avec le public, la réinvention de l’espace utilisable, du réalisme, avec toujours une frontière ténue entre l’histoire construite et la «private joke». On retrouve donc dans 39 Steps ce qui fait les avantages et défauts du théâtre amateur.

Le théâtre jeune

39 Steps est puissamment original, et relève bien le défi central du théâtre amateur: rapprocher les jeunes de cet art classique, ne pas ennuyer avec des messages et symboliques alambiqués; en un mot rester les pieds sur terre tout en innovant profondément.

La pièce brise clairement le quatrième mur, dans le pur jus d’un humour anglais grotesque. En ce sens, elle tombe également parfois dans l’excès. Une partie «ventre mou» alourdit un peu la pièce vers son milieu, et la représentation intimiste parfois relève plutôt de la blague entre amis. 39 steps s’apparente à un spectacle de clowns bien surprenant, qui ne vise pas à développer une grande morale, ni même une histoire très structurée. Le Délit y retournera pour s’en faire une idée plus claire, vous venez avec nous? «Je vous en servirai un ramequin, vous vous en ferez une idée». Vive le théâtre mcgillois! 

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L’abécédaire du glauque

Une femme ayant la quarantaine, à la vie ratée, une jeune dépressive et un psychopathe façon «loup solitaire», ou A, B, et C — pour bien finir de les réifier — sont trois «enfants seuls». Terminus est la dernière station de ces vies monotones marquées par un grand gouffre affectif. C’est en fait l’Autre qui pose problème chez eux, par son manque de compassion ou son hostilité. Corrosive de par son originalité, la pièce surprend par son grand respect des règles classiques de l’unité théâtrale: en 24 heures ces personnages confrontés au glauque et à l’ultra-violence, à la mort et à l’extraordinaire, vont s’entrecroiser à un rythme infernal. Femmes esseulées, faux amis, masse passive, âme damnée, anges de la mort, l’univers onirique et symbolique de Rowe crée bien des rencontres dans la journée décisive de ces trois freaks que la dureté du monde extérieur a trop bousculé mais qui restent très humains dans leur travers. Par-delà le Bien et le Mal, Terminus nous inculque la vertu de trouver du beau dans le lugubre et de poursuivre des «croisades inutiles». A, B et C se réincarnent en Cyrano de Bergerac en puissance, parce que «c’est bien plus beau lorsque c’est inutile».

Réconcilier les contradictions

Du réalisme urbain froid au fantastique tiré par les cheveux, de la poésie dans le sordide, du rire dans la violence insoutenable, et des monstres bien humains: voici ce que nous offre la pièce. La dernière contradiction de Terminus est certainement d’être, dans son originalité immense, la quintessence de la scène montréalaise: un théâtre très contemporain et vivant, profondément engagé sur des thématiques sociales et qui vise à bien plus que divertir son spectateur. Terminus est l’histoire de trois enfants seuls d’Oxmo Puccino, «le cœur meurtri, meurtrière est leur jalousie — l’enfant seul se méfie de tout le monde, pas par choix, par dépit — pense qu’en guise d’ami son ombre lui suffit». Ce sont des marginaux bourrés de travers dans lesquels nous pouvons tous nous reconnaître; les sept péchés capitaux à qui on donnerait l’absolution. Ce sont Garcin, Inès et Estelle du Huis Clos de Sartre, mais qui ont poussé la porte en se réconciliant avec eux-mêmes et autrui.

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