Il semble néanmoins que la mise en scène insiste trop fortement sur le caractère moderne de la pièce à travers des éléments accessoires comme la scénographie, alors que le texte porte à lui seul ce trait de modernité. Peut-être pourrait-on reprocher à Michel Monty de ne pas faire confiance à l’intelligence de son public pour comprendre les enjeux de la pièce? Mais n’a‑t-il pas raison de douter; le public vient-il voir la pièce seulement dans le but de reconnaître sur la scène du théâtre les comédiens qu’il aime dans les téléromans de soirs de semaine? François Papineau est effectivement égal à lui-même, sans surprise, il aborde le rôle du Misanthrope comme il aborde ses personnages de téléromans: de façon effacée, sombre, taciturne. Le reste de la distribution, même si elle semble servir la vente de billets en montrant des têtes d’affiche de la télévision québécoise, est assez judicieuse: la candeur de Catherine de Léan rend de façon impeccable le rôle de la cousine de Célimène, elle-même interprétée par Bénédicte Décary qui joue aussi bien que ses jambes sont belles; Isabelle Vincent est toujours aussi naturelle, intelligente et drôle. Il n’y a que Frédéric Pierre qui n’est pas à la hauteur de ses camarades de jeu, les alexandrins lui tombent des lèvres dans un jeu médiocre, moyen.

Ensemble, la troupe raconte l’histoire d’Alceste, un homme qui ne peut souffrir l’hypocrisie et la méchanceté des hommes. Ce trait de caractère, aussi vertueux soit-il, devient dans cette pièce un terrible défaut parce que poussé à l’excès. C’est aussi que les personnages évoluent autour du milieu de la cour, cette société des flatteries et du règne des apparences. Dans ce monde artificiel, ce monde plastique, l’homme qui tient en hargne le mensonge deviendra nécessairement misanthrope. Comble, le personnage tombera amoureux de la maîtresse de la fausseté, Célimène, qui se plaira à entretenir la flamme de plusieurs prétendants.

Souvent considérée comme la pièce la plus sombre de Molière, Le Misanthrope n’en demeure pas moins divertissante; le jeu et la mise en scène vont en ce sens. C’est une pièce où l’on rit avec sobriété, mais où l’on rit quand même de bon cœur. Malgré une modernisation qui passe par un décor et des costumes actuels, la mise en scène ne prend pas beaucoup de risques. Elle conforte ainsi le public du Rideau Vert qui sort de son salon, qui lâche ses téléromans, pour, l’espace d’une soirée, entendre les vers brillants d’une pièce moderne.

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Antigone est la fille de l’union incestueuse d’Œdipe et Jocaste, les dirigeants de Thèbes. Faut-il le rappeler? Œdipe découvrira en sa femme la mère qu’il avait voulu fuir. Devant la vérité trop difficile à voir, il se crève les yeux et s’exile de son propre royaume. Dévastée, Jocaste se donne la mort, laissant la gouvernance de Thèbes aux mains de ses fils Étéocle et Polynice. Aux suites d’une guerre civile, les deux frères s’entretuent. Créon, le frère de Jocaste et donc l’oncle d’Antigone, prend place sur le trône et émet un décret interdisant de donner une sépulture à Polynice sous peine de mort. La pièce met en scène l’entêtement d’Antigone à donner une sépulture à son frère. Elle impose sa loi contre celle de son oncle. Bien plus qu’un affrontement entre une jeune fille libertaire et un homme politique totalitaire, Antigone cherche les limites des choix que les hommes ont sur leur propre vie et questionne le coût de leur liberté.

La dernière mise en scène professionnelle du mythe d’Antigone sur les planches du théâtre montréalais s’était faite au Théâtre du Nouveau Monde en 2012, au cœur des protestations du Printemps étudiant.

Bien que le projet de Wajdi Mouawad n’ait à l’origine aucun rapport avec le mouvement étudiant, dans le contexte de 2012 la pièce avait pris pour certains une signification toute particulière. Le texte d’Anouilh choisi par le metteur en scène du Théâtre TNC, Harrison Collett, fait montre d’une universalité à l’épreuve du temps. Ce texte est en fait une réécriture de la pièce de Sophocle et est présenté pour la première fois en 1944 alors que la France est occupée par l’Allemagne hitlérienne. Les costumes, sobres, mais efficaces, issus des années 1940, opèrent ce rappel historique; de même que le décor se résumant à un mur incrusté de trois portes rappelle la scène (skene) des théâtres grecs.

Sobre, mais efficace, voilà qui résume bien la proposition de Colett. L’interprétation est fidèle au texte; le régime scénographique, épuré. Il n’y a pas de musique, pas de surprise. Il n’y a que des comédiens pour la plupart fort talentueux –il faut souligner la nuance du jeu de Thomas Vallières dans le rôle d’un des gardes et de Kyung-Seo Ming dans celui d’Antigone– qui savent rendre un texte puissant et difficile. Le metteur en scène ne prend pas de risque. On a ainsi le sentiment, au sortir du charmant sous-sol de Morrice Hall, d’avoir assisté à une représentation scolaire, une leçon bien apprise, pas fade, simplement: juste.

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