Dans ce film, le jeune réalisateur dépeint l’histoire d’une mère veuve et de son fils atteint du trouble du déficit de l’attention avec hyperactivité. Suite à son expulsion du pensionnat pédopsychiatrique où il vivait, l’adolescent et sa mère ont une nouvelle opportunité de vivre ensemble et de reconstruire une relation mère-fils. 

Une relation loin des idéaux

Les dialogues francs et parfois vulgaires du film, accompagnés d’un décor montréalais modeste aisément reconnaissable s’opposent aux clichés cinématographiques courants. Les acteurs s’approprient remarquablement ces dialogues et incarnent leurs personnages avec brio. Antoine Olivier Pilon, qui incarne Steve, le fils, parvient à nous faire ressentir un va-et-vient entre l’incompréhension et la compassion face au comportement de son personnage. La mère, peu éduquée, n’a pas les moyens financiers ni pédagogiques pour gérer les troubles de son fils. Par son fort caractère et son manque de tendresse, elle a tout pour être critiquée par les standards de la société. Or, l’humanité, la ténacité et l’amour filial, omniprésents dans le jeu d’Anne Dorval, rendent son personnage admirable. Ce duo touchant, loin des idéaux de la famille parfaite, expose la beauté du réel, celle de ceux qui ne baignent pas dans l’abondance et la facilité.

Un réalisme limité   

Bien que l’aspect cru du film apporte un réalisme poignant pouvant plaire, il peut également être émotionnellement exigeant pour le spectateur. La tension constante dans la trame du film semble parfois ne pas connaître d’évolution, ce qui peut être fatigant. En opposition au réalisme général du film, les institutions psychiatriques sont représentées de manière théâtrales et déshumanisées. Les scènes dans ces lieux sont très sombres, ou éclairées par une lumière blanche de laboratoire. L’uniforme du personnel est également très formel, et semble même d’une autre époque. Les tons noirs et blancs évoquent le milieu carcéral. Serait-ce une forme de remise en question des mesures mises en place par le gouvernement pour traiter les malades psychiatriques?

Y‑a-t-il une critique?

À qui revient la responsabilité des personnes atteintes de troubles psychiatriques? Donne-t-on les moyens à la population de prendre soin de ceux qu’elle aime dans un contexte humain? À seulement 27 ans, Xavier Dolan parvient à remettre en cause nos jugements sur les personnes atteintes de troubles psychiatriques et sur les comportements des proches qui les accompagnent. On comprend alors un peu plus la complexité de leur situation en se mettant à leur place et au contact de leurs émotions. 

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À la découverte de l’altérité

Dans ce film, un couple américain décide d’élever leur famille de six enfants dans les forêts du nord-ouest américain. Ils construisent un campement rustique où ils vivent pratiquement en parfaite autarcie. Les six enfants y sont soumis à un entraînement physique et mental à l’image de la devise de Juvénal, «un esprit sain dans un corps sain». Yoga, méditation et chasse ne sont que quelques-unes de leurs activités. En plus d’étudier la philosophie, l’histoire, de nombreuses langues et les sciences, ils sont surtout poussés à se forger un esprit critique, notamment sur le fonctionnement actuel de la société . Cependant, le trouble bipolaire de leur mère l’oblige à recevoir des soins dans une institution moderne. Les enfants se questionnent dès lors sur la raison pour laquelle leur mère doit retourner dans la civilisation, ce monde qu’on leur a appris à dénigrer. N’étaient-ils pas autonomes? Le suicide subséquent de leur mère entraîne le début d’un roadtrip hors de leur campement pour la première fois afin de se rendre à ses funérailles et honorer ses dernières volontés. Ce périple confronte les enfants à la réalité. La rencontre avec l’autre, notamment avec de nouvelles figures d’autorité, les mène à une remise en question de leur éducation.

Une mise en scène intimiste

La mise en scène nous plonge réellement dans l’intimité de la famille. En effet, les nombreux plans rapprochés et regards caméra nous font vivre l’expérience comme si l’on y était. Le spectateur se trouve alors au cœur d’une famille, et découvre l’évolution personnelle que vit chacun de ses membres. Ces choix scénographiques nous font nous sentir étrangers au monde dans lequel nous vivons, et permettent de nous le dévoiler sous une autre perspective. On ressent effectivement le sentiment de nouveauté des personnages qui, habitués à chasser, se retrouvent dans une épicerie conventionnelle. Le naturalisme des dialogues ainsi que les nombreux plans silencieux où l’on observe la famille dans son quotidien contribuent également au réalisme du long métrage.

Cependant, bien que le film possède une certaine puissance émotionnelle,  l’histoire suit un schéma quelque peu scolaire et qui manque d’originalité. Il nous présente une situation initiale (le mode de vie fonctionnel de la famille en forêt), un élément perturbateur (le décès de la mère) entraînant une quête (le roadtrip) qui se résout de façon idéaliste. Ce schéma, tend à freiner la remise en question du spectateur en orientant davantage son attention vers l’action et l’enchaînement des événements plutôt que sur la psychologie des personnages.

Cette structure conventionnelle permet cependant d’appréhender confortablement les questions difficiles abordées par le film, lui permettant d’être apprécié par un grand public Par ces choix, Matt Ross nous permet de faire partie d’un voyage émouvant et drôle, à travers lequel nous pouvons réévaluer nos vies et nos idées. 

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