Nous pensons que cette mesure fragilise la liberté d’expression au sein de l’Université tout en marginalisant davantage les voix minoritaires, telles que les voix francophones qui sont représentées par Le Délit, le seul journal francophone de l’Université McGill. Nous demandons à l’administration de l’Université d’abolir cette obligation qui précarise la francophonie et les journaux étudiants sur le campus.

McGill néglige sa francophonie

Né sous le lys en 1977, Le Délit est la publication sœur du McGill Daily, créé en 1911, le plus vieux journal étudiant du Québec. Les deux rédactions forment la Société de publication du Daily (SPD), un organisme indépendant et à but non lucratif. Ce sont les éditeurs du Daily qui, lors des débats de la loi 101 sur le bilinguisme, ont reconnu la nécessité d’un journal entièrement francophone. Conséquement ils créèrent Le McGill Daily français, notre actuel Délit. Leur motivation était simple: favoriser l’entente entre les deux solitudes. 

À l’image des deux groupes linguistiques majoritaires du Québec, le Daily et Le Délit ont grandi dans l’interdépendance. Deux journaux, deux équipes, deux lignes éditoriales mais un seul bureau et une même vocation: proposer une presse libre et indépendante aux étudiants de l’université.

Jusqu’au 16 novembre, les étudiants doivent se prononcer sur la survie de ces deux institutions pour le référendum quinquennal. Un peu plus tôt ce mois-ci, le conseil législatif de l’Association des étudiants de l’Université McGill (AÉUM ou SSMU, en anglais, ndlr), a voté contre une motion de soutien au référendum d’existence de la SPD. Ce désaveu de la part des élu·e·s étudiants prouve leur absence de considération pour la francophonie à McGill.

Les francophones représentent pourtant 20% du corps étudiant, lequel est bilingue à plus de 50%. Pour tous ceux-là, Le Délit est un porte-parole et un acteur majeur de la vie étudiante. Dans ses pages, il couvre la scène et les coulisses de la politique étudiante mcgilloise, montréalaise et québécoise, désespérément cantonnée à la sphère anglophone. Dans la communauté, il joue un rôle prépondérant en co-organisant notamment la Francofête, une semaine de célébrations de la francophonie sur le campus. Il est aussi le représentant de McGill au sein de l’association de la Presse étudiante francophone (PrEF) et a remporté le prix du meilleur journal étudiant du Québec décerné par les Amis du Devoir. Ainsi, Le Délit relie nos étudiant·e·s francophones, parfois enfermés dans la McGill bubble, au reste du Québec.

De l’importance de la presse étudiante

Au cours de ces dernières années, les journaux étudiants mcgillois ont été d’utiles lanceurs d’alerte sur le campus. Agressions sexuelles, dysfonctionnement chronique des services de santé mentale, précarité ou encore malnutrition étudiante, autant de sujets mis en lumière par le Délit et The Daily.

Par ailleurs, en l’absence d’une école de journalisme à McGill, les journaux étudiants compensent et forment à chaque année des dizaines de mcgillois·e·s au journalisme en français et en anglais.

L’imposition de ce référendum menace les rédactions étudiantes comme une épée de Damoclès. Au lieu d’assurer leur fonction, elles se voient régulièrement contraintes d’allouer leurs maigres ressources à une campagne de survie. De plus, cette campagne devient en quelque sorte permanente, tant il faut se plier à la majorité et au bon vouloir des groupes de pression du campus. Comment, dans ces conditions, assurer la liberté de la presse et le fonctionnement même de la démocratie dans notre communauté étudiante?

Nous comptons sur la bonne volonté de l’administration de l’Université McGill pour mettre fin à ce système référendaire qui précarise les journaux étudiants et met en péril la seule voix francophone, indépendante et libre du campus.

Signataires : 

Ronny Al-Nosir, chef de section innovations, automne 2016

Joseph Boju, rédacteur en chef, 2014–2015

Julia Denis, rédactrice en chef, 2015–2016

Inès Dubois, coordinatrice réseaux sociaux, 2014–2016

Céline Fabre, chef de section culture 2015–2016

Ikram Mecheri, rédactrice en chef, 2016–2017

Magdalena Morales, coordinatrice multimédias, automne 2016

Chloé Mour, cheffe de section culture, automne 2016

Matilda Nottage, coordinatrice multimédias, 2015–2016

Esther Perrin Tabarly, cheffe de section société, 2015–2016

Théophile Vareille, éditeur de section actualités, 2015–2017

Arno Pedram, responsable multimédia Le Délit, hiver 2017, éditeur culture The McGill Daily, 2017–2018

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Du rap keb au MTELUS

Les Dead Obies ne sont pas un groupe de rap habituel. En effet, il se distingue par leurs paroles bilingues et les esthétiques de groupe et individuelles qui leur sont propres. Leur concert s’ouvre sur une entrée quasi-théâtrale: un écran géant diffuse des images en direct de la salle, puis la caméra retrouve le groupe dans la bouche du métro Saint Laurent, et les suit jusqu’à leur arrivée sur scène.

Le spectacle démarre alors avec une chanson inédite : «Family First», chanson qui annonce le thème de la soirée.  Ils enchainent ensuite avec des tubes de leur album Gesamtkunstwerk, sorti en mars 2016, tels que «Waiting», «Johnny», «Wake-up Call», «Explosif», ou encore «Where They @». Ce concert était aussi l’occasion pour eux de jouer les morceaux de leur dernier EP Air Max: «Jenny Freestyle», ou encore «Allo Allo», et «Game Over» avec la chanteuse Naadei, invitée pour l’occasion. C’est donc avec une énergie débordante que les six artistes assurent près de deux heures de show, devant une foule en délire. Les pogos éclatent, tout le monde danse et hurle. Le sol du MTELUS en vient à vibrer.

La famille avant tout

Ainsi, c’est dans une ambiance de fête que les Dead Obies partagent la scène avec des invités de choix. La première partie est assurée par Mike Shabb et d’autres membres du label Make it Rain Records, un label regroupant plusieurs artistes de la scène du rap montréalais. Des artistes qui seront d’ailleurs invités à remonter sur scène pour la chanson finale. Le spectacle est aussi ponctué par des performances solo de deux des MCs du groupe: Yes Mccan interprète le titre «F.P.T.N.» de son EP PS. Merci pour le love et Joe Rocca dévoile un de ces titres indédits, French Kiss. Pour couronner le tout, le public a eu droit à un défilé de la marque de vêtements D.O.H.G., co-créée par ce dernier. Ces performances nous montrent bien que les projets personnels des membres ne sont pas vus comme un frein au groupe en lui-même, au contraire. Les Dead Obies ne sont pas près de se séparer, comme nous le montre l’interprétation de «Mets la monnaie dans ma main», morceau dont le clip est en préparation et qui promet de devenir leur prochain tube.

Après avoir tapissé la ville des paroles de leurs chansons, c’est donc un coup de communication et un pari réussi pour Dead Obies. La vue de l’énergie de la foule au sein d’un MTELUS complet a confirmé  leur très grande emprise sur le rap québécois.

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Le rappeur engagé

Toutefois, Gaël Faye c’est avant tout un rappeur, auteur-compositeur, chanteur et interprète. Son rap est un rap engagé, un rap qui fait réfléchir et qui touche. Il aborde les questions de l’exil, l’immigration, le racisme, le métissage ou encore de la souffrance engendrée par son départ du Burundi. Ces sujets, qui ne sont pas toujours très gais, il arrive tout de même à les rendre beaux, et compréhensibles. Ses textes parlent à tous ceux qui sont issus d’une diaspora, tous ceux qui ont quitté leur pays par choix ou nécessité, et aussi tous ceux qui viennent d’une double culture et sont issus d’un métissage.

Lorsque l’on écoute Pili Pili sur un croissant au beurre on découvre des chansons rythmées comme  Ma femme, joyeuses tel que Bouge à Buja, et d’autres plus douces, poétiques, avec un brin de tristesse nostalgique tel que  Petit pays. Gaël Faye nous emmène dans son monde avec un album aussi poétique que nostalgique. On y décèle la nostalgie d’un Petit pays perdu, nostalgie d’une jeunesse insouciante et c’est cette nostalgie qui nous permet de nous retrouver dans ses textes. On se laisse entrainer par la musique, et on se laisse porter par des textes profonds.

Un langage qui unit

En tant qu’artiste francophone, représentant l’Afrique et l’Europe dans ses chansons, Gaël Faye nous offre une nouvelle idée de la francophonie. En effet, il nous offre une image de la langue française comme une langue universelle, une langue qui relie des gens du monde entier entre eux. À travers ses textes on retrouve des thèmes qui peuvent nous parler à tous d’un façon ou d’une autre tel que la notion de métissages, et les questions d’identité que cela peut engendrer.

Sa plume, une autre corde à son arc

Mais Gaël Faye c’est aussi un écrivain. Son récent livre  Petit Pays vient compléter Pili Pili sur un croissant au beurre. Ce livre raconte l’histoire de Gabriel, son enfance au Burundi avant que la guerre ne bouleverse le pays et ne le force à s’exiler en France. Bien que non-autobiographique, nous retrouvons les mêmes thèmes que dans ses chansons, tels que la rencontre des cultures, et l’amour d’un homme pour sa terre natale. Le ton utilisé dans le livre aide aussi à retrouver cette nostalgie présente dans l’album. En effet c’est Gabriel, 8 ans, qui raconte l’histoire mais c’est Gabriel l’adulte qui l’écrit. Réflexions d’adultes et d’enfants se mêlent ainsi et dialoguent afin de nous raconter l’histoire.

Gaël Faye est donc un artiste complet qui allie musique et littérature avec des textes de rap qui racontent une histoire. Ces textes empreints de beauté nous font redécouvrir le rap, et ça fait du bien. C’est un rap engagé, qui nous fait réfléchir tout en nous faisant danser et nous permettant de s évader. Un vrai coup de cœur.

À voir aussi: 

https://www.delitfrancais.com/2017/02/07/nouvelle-vague-du-rap-montrealais/

https://www.delitfrancais.com/2017/02/07/27543/

https://www.delitfrancais.com/2017/02/07/le-rap-cetait-mieux-avant/

https://www.delitfrancais.com/2017/02/07/rappeurs-de-mcgill-et-alentours/

https://www.delitfrancais.com/2017/02/07/heroines-des-temps-modernes/

https://www.delitfrancais.com/2017/02/07/un-artiste-engage-et-engageant/

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Un engagement social à travers l’art

La mobilisation pour la cause des Noirs aux États-Unis est récurrente dans les médias, et pour cause: brutalité policière, incarcération de masse et racisme systémique ne sont qu’une partie des fléaux touchant les Africains-Américains. L’album de Solange nous offre donc une nouvelle forme de mobilisation: une mobilisation par l’art.

C’est un album d’activiste et il ne s’en cache pas. Solange le dit elle-même, c’est un album «pour les femmes noires fait par une femme noire» . Chaque morceau adresse à sa manière une question affectant la communauté afro-américaine, et plus particulièrement les femmes.

Le meilleur exemple est le fameux «Don’t Touch My Hair», une des chansons les plus médiatisées de l’album. Cette chanson qui pose la question des cheveux afro et la façon dont beaucoup (de blancs) se pensent autorisés à les toucher comme une attraction touche toutes les femmes de couleur d’une façon ou d’une autre. Cette chanson envoie aussi un message fort qui replace les cheveux en tant que partie intégrante de la femme noire. À travers ce morceau, Solange réaffirme son identité et celle des femmes noires avec fierté et dignité.

For Us By Us

Cependant cet album n’est pas qu’une célébration de la beauté noire, c’est aussi un album qui valorise la culture afro-américaine et qui ne s’en excuse pas. Il offre enfin un espace à des personnes qui ont trop souvent été réduites au silence et oubliées. Dans une culture dominée par le regard blanc, que ce soit au niveau de la mode, au niveau institutionnel, ou encore politique, A Seat at the Table rend hommage à la culture noire, et les personnes constituant cette culture. C’est un espace où la culture dominante n’a pas sa place, elle est invitée à écouter et c’est tout.

Les chansons comme Mad (avec Lil Wayne), F.U.B.U. (avec The-Dream, et BJ The Chicago Kid), ou encore Don’t You Wait font partie de ces chansons dans lesquelles Solange ne s’excuse pas d’être noire. Mad valide les sentiments des Africains-Américains d’être mad (fâché, ndlr) et ce, peu importe le point de vue de la culture dominante sur la question. F.U.B.U de son côté est vraiment un hymne noir, qui valorise la personne Noire, c’est une chanson «For Us, By Us» qui ne laisse aucune place aux autres. À travers ce morceau, le «N‑word» est explicitement utilisé dans l’objectif de créer un espace réservé aux personnes noires. Effectivement, les personnes blanches ont comme «devoir» de ne pas utiliser ce mot lié au passé colonial. En effet, elle chante: «don’t feel bad if you can’t sing along / just be glad you got the whole wide world» (ne te sens pas mal de ne pas pouvoir chanter, mais soit content d’avoir le monde entier pour toi), faisant référence à ce mot et à la prépondérance de la culture dominante. Cette idée est récurrente dans son album, un album noir pour les noirs. Avec Don’t You Wait, Solange adresse ses critiques à propos du succès de son dernier album — succès porté par un public majoritairement blanc. Elle affirme qu’il ne faut pas attendre d’elle qu’elle chante sur les mêmes sujets qu’avant, surtout dans ces moments où la cause des afro-américains est si importante.

Dans une culture dominée par le regard blanc, que ce soit au niveau de la mode, au niveau institutionnel, ou encore politique, A Seat at the Table rend hommage à la culture noire, et les personnes constituant cette culture.

Les interludes, aussi importants que les morceaux dans l’expérience musicale et artistique offerte par l’album, appuient cette dimension de valorisation et validation de la culture noire. En effet, plusieurs artistes sont invités dans ces interludes comme les parents de Solange, Master P, ou encore Kelly Rowland. Ces interludes permettent aux auditeurs de mieux comprendre les chansons, mais offrent aussi un espace à des personnalités noires pour exposer leurs expériences, et ainsi mieux compléter cet album. Par exemple, dans Tina taught us, Tina Knowles, la mère de Solange, raconte comment sa fierté d’être une femme noire était vu à tort comme du «racisme anti-blanc» alors qu’elle le dit elle-même, célébrer la culture noire ne veut pas dire rejeter la culture blanche.

A Seat at the Table résonne fort aujourd’hui car il n’attend pas la validation du Blanc pour exister. Il redéfinit les codes et la place des Afro-Américains dans le contexte actuel, et offre une nouvelle façon de s’engager. 

Pour aller plus loin:

• http://www.solangemusic.com/digitalbook/
• http://saintheron.com/featured/a‑seat-with-us-a-conversation-between-solange-knowles-mrs-tina-lawson-judnick-mayard

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Panayotis Pascot (PP): Alors à la base je faisais des vidéos sur Youtube. J’ai commencé à 11 ans dans ma chambre, à envoyer des messages en «copier-coller» à toutes les personnalités que je pouvais trouver sur Facebook et au bout de 500 messages il y en a quelques-unes qui ont commencé à me répondre. Je les ai rencontrées, j’ai apporté une petite caméra, je les ai interviewées avec le son de l’iPhone (regard vers le téléphone du journaliste du  Délit,  rires), j’ai publié les vidéos sur le web et de fil en aiguille, j’ai réussi à rencontrer de plus en plus de personnes. J’ai eu la chance de me faire de plus en plus d’amis dans ce milieu, entres autres Alex Lutz (qui joue Catherine dans la mini-série Catherine et Liliane diffusée pendant Le Petit Journal, ndlr) qui m’a présenté aux équipes du Petit Journal. Et voilà!

LD: Dirais-tu que ton travail en tant qu’intervieweur pour le Petit Journal est une nouvelle forme, plus jeune, de journalisme?

PP: Je suis tout sauf journaliste en fait. Au  Petit Journal en tout cas. J’ai pas de terme précis, je suis juste un mec qui aime bien faire des vannes et on lui donne un micro et une caméra… alors c’est mortel!

LD: Donc en fait si on te pose des questions sur les mutations du journalisme et la mort du journalisme, ça ne va pas marcher… (rires). Par contre on peut te poser des questions sur tes techniques d’entrevue. Quel est ton conseil pour avoir quelqu’un en entrevue? Tes petits tips?

PP: C’est l’honnêteté. Être honnête, ça fonctionne sur tout. Je pense que si t’es honnête les gens te kiffent. Par exemple, il y a des stars que j’ai déjà choppées dix minutes parce que ma première question c’était «Je suis désolé mais je ne sais pas qui vous êtes»!

LD: Ta meilleure entrevue?

PP: Les gens dans la rue! Je trouve ça fantastique le gens dans la rue, je trouve ça beau. Mais sinon j’ai adoré interviewer et passer une après-midi avec Frédéric Beigbeder (auteur et chroniqueur français, ndlr), c’est un grand monsieur.

LD: La pire?

PP: Ah je ne peux pas dire ça… ça se garde (rires).

LD: Ton petit regret d’entrevue?

PP: Pharell Williams. Je suis resté cinq minutes à côté de lui sans rien dire. J’aurais pu poser des questions, j’aurais pu avoir au moins deux minutes d’entrevue avec lui et j’ai rien dit, comme une daube, parce que j’attendais une interview avec Karl Lagerfeld.

LD: Ton entrevue rêvée?

PP: Xavier Dolan. Ah ouais, ouais, Xavier Dolan! Ou franchement Wes Anderson que je kiffe beaucoup. Là, dernièrement, Gonzales Iñàrritu aussi. Et les Daft Punk! J’y pense. Un vrai kiffe ça!

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Le Délit (LD): Pouvez-vous commencer par vous présenter un petit peu: qui vous êtes, où vous avez grandi et comment vous êtes devenu réalisateur?

Michael Rowe (MR): Je suis né en Australie, et ça fait maintenant 22 ans que j’habite au Mexique. J’ai été scénariste, enfin, un scénariste sans succès pendant 7 ans, du coup je suis devenu réalisateur il y a cinq ans.

LD: Premières Neiges (Early Winter) est votre premier film en anglais. Pourquoi tourner en anglais seulement maintenant?

MR: Alors, j’ai tourné mes deux premiers films en espagnol car je vivais au Mexique et c’était plus simple, mais j’ai ressenti l’envie et le besoin de retourner à ma langue maternelle. Ces trois films forment une trilogie (Año Bisiesto, The Well et Premières Neiges, ndlr) et j’avais envie de tourner en anglais avant de finir la trilogie.

«J’ai ressenti l’envie et le besoin de retourner à ma langue maternelle»

LD: Premières Neiges traite d’un couple traversant une crise. Pourquoi ce sujet en particulier?

MR: J’ai 45 ans, j’ai été marié, j’ai été divorcé, mon frère a vécu un divorce, un de mes amis aussi… Je voulais donc explorer le thème de la famille, du prix à payer pour garder une famille unie, et si ce prix n’est pas trop élevé parfois.

LD: Vous avez tourné votre film à Montréal, il a été produit avec une boîte de production québécoise, et met en scène des acteurs québécois, donc dans un cadre plutôt francophone. Pourquoi avez-vous choisi d’avoir une famille anglophone dans un cadre francophone?

MR: L’idée de conflit du langage, de la mise à l’écart sociale et géographique est très importante pour moi par rapport à ce que j’ai vécu, les choses que j’ai faites dans ma vie. Ce sont des thèmes toujours d’actualité pour moi, et pour le justifier j’ai voulu qu’un de mes personnages principaux vienne de Russie (la mère Maya, ndlr), autrement ça n’avait pas de sens.

LD: Techniquement, quelles étaient les différences entre tourner avec une équipe canadienne et une équipe mexicaine?

MR: La plus frappante était la notion de division de travail. Au Canada, elle est très organisée et stricte, alors qu’au Mexique la façon de faire est plus latine je dirais. Si quelque chose doit être fait, ne serait-ce que changer de place un accessoire, peu importe qui est sur le plateau il le fait. Ici, il faut contacter l’accessoiriste qui vient et fait le travail. J’ai trouvé ça assez frustrant, ça me paraissait tellement peu pratique.

À part ça, l’équipe était super, très pro. Je pense qu’ils étaient surpris au début de ma façon de faire les choses, comme quand je faisais plusieurs plans courts et détaillés afin de les mélanger aux plans principaux en production, ou encore quand je faisais des plans très longs. Ce n’était pas forcément dans leur façon de faire habituelle mais après quelques jours, quand ils ont vu la tournure que prenait notre projet, ils étaient de plus en plus enthousiastes.

«Pour un premier film, l’honnêteté est le plus grand pouvoir: si un film est honnête alors il sera bien»

LD: Et alors, que pensez vous de votre expérience canadienne?

MR: Chaque film est une expérience différente, et souvent l’expérience que j’en tire dépend de ma relation avec les acteurs, et vraiment, pour ce film, elle était super. J’ai vraiment passé un bon moment!

LD: Si vous pouviez donner un conseil à un réalisateur en herbe de 20 ans, qu’est-ce que ce serait?

MR: Ne mens pas. Sois honnête. N’écris pas sur des choses dont tu ne connais rien. Ne raconte pas d’histoires à propos d’octogénaires, ou des monstres de l’espace mais plutôt sur des gens de 20 ans, les épreuves traversées, les difficultés éprouvées, les joies ressenties. Il faut comprendre que ce qui est vrai pour toi, l’est pour tout le monde. Tout le monde a eu 20 ans, et au final avoir 40 ans n’est pas si différent, tu es juste un peu plus ridé (rires). Donc si tu comprends la valeur de ton expérience, tu feras un bon film.

Et je pense que c’est la où Xavier Dolan est bon. Son premier film, J’ai tué ma mère n’est pas un chef d’œuvre mais il est fort, il est honnête. Et tu ne peux pas cacher l’honnêteté à l’écran. Quand quelqu’un est honnête dans son film, le public le ressent tout de suite. Pour un premier film, l’honnêteté est le plus grand pouvoir: si un film est honnête alors il sera bien.

«Je voulais donc explorer le thème de la famille, du prix à payer pour garder une famille unie, et si ce prix n’est pas trop élevé parfois»

LD: Bon nous avons une tradition au Délit, c’est la question de la musique! Il est 23h le lundi soir, nous sommes en pleine soirée de production, quelle musique mettriez-vous pour nous réveiller, nous redonner la pêche?

MR: (rires) Une parmi les premières chansons d’ACDC.

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Tout commence avec le groupe Bodywash (précédemment appelé Cult Classic), groupe de dreamy-pop (pop-rêveuse, ndlr) formé de cinq étudiants mcgillois qui assurent ce soir la première partie. Le ton du spectacle est donné face à ce début plein d’entrain et de bonne humeur, on ne peut s’empêcher de danser sur place et fredonner l’air de leurs chansons.

Après cette ouverture réussie, place à Effusion. Leur concert s’ouvre avec une reprise de «Blackbird» des Beatles et on comprend que l’émotion soit au rendez-vous. On frissonne et les voix des chanteurs solos nous emportent dans un autre monde, on s’évade avec eux. Ils passent des chansons tel que «I Don’t Have to Change», une reprise de John Legend, mais aussi des chansons qui nous donnent envie de danser comme«Independent Woman», ou encore un medley des Fugees.

Ce qui impressionne ce n’est pas seulement les voix de certains chanteurs solo, c’est aussi l’harmonie qui se dégage du groupe. Par définition, aucun instrument ne les assiste sur scène, seulement l’imitateur de beatbox qui donne le rythme.

Une énergie partagée

L’énergie d’Effusion est contagieuse, et ce malgré une esthétique visuelle assez statique. Ils sont habillés de façon similaire: tous en noir pour la première partie, en bordeaux et blanc lors de la deuxième; et forment deux lignes. Les filles devant, les garçons derrière tandis que la personne effectuant le solo se place toujours au milieu du groupe.

Quoi qu’il en soit, on ne voit pas le temps passer, on se laisse juste transporter par leurs voix. Au milieu du concert, quatre garçons du groupe s’emparent de la scène et nous jouent une sorte de petite pièce de théâtre. Ils regardent la télé et chantent chaque générique des séries connues de tous telles que Friends, That’s So Raven (Phénomène Raven, ndlr) ou encore le générique du dessin animé Arthur. Cette parenthèse change un peu du reste du concert, plus formel, et crée un lien avec le public: les gens rient, et se rappellent ces séries, emblématiques pour certains.

Le concert se termine comme il a commencé, avec une chanson donnant la chair de poule, parfaitement interprétée, et sous un tonnerre d’applaudissement. On sort de la salle avec une seule envie: pouvoir chanter aussi bien qu’eux. On continuera de s’entrainer sous la douche en attendant leur prochain concert.

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Une table pour informer

Le but de leur table d’information mercredi dernier était de faire découvrir l’association aux étudiants mcgillois et de les sensibiliser à la migration forcée et l’impact que cela peut avoir sur l’éducation des jeunes. Un événement important pour l’association, surtout que les 50 centimes prélevés chaque semestre ne sont plus suffisants pour soutenir le PER, comme nous explique Daniel Kent, membre de l’association et élève en quatrième année. Il est donc important pour l’association de se faire connaître de plus en plus par les étudiants, surtout en vue de leurs efforts pour augmenter les frais à un peu moins d’un dollar par semestre afin de pouvoir accueillir six réfugiés l’année prochaine (quatre Syriens et deux venant de camps au Malawi ou au Kenya). Amélie Fabian, coprésidente de l’association, affirme que l’administration doit ajuster sa redevance à l’inflation, chose qui n’a pas été faite depuis la création du programme en 1986. «C’est donc vital pour EUMC McGill de se faire connaître des étudiants», ajoute-t-elle.

«En tant qu’étudiants universitaires nous avons une voix et une possibilité réelle d’impacter la vie de quelqu’un grâce au programme.»

Un événement controversé

Afin d’attirer l’attention et sensibiliser les élèves, l’événement, initialement appelé «Mock refugee camp on campus»,(Faux camp de réfugiés sur le campus, ndlr) prévoyait la disposition de tentes en face de l’université dans lesquelles les membres de l’association se seraient trouvés avec des brochures et affiches. L’idée était donc de créer un espace ou les bénéficiaires du PER et membres d’EUMC McGill auraient pu s’exprimer sur leur expérience, mais aussi sur le travail que fait l’association. Or, cette idée a été très mal reçue par une partie de la population estudiantine, qui trouvait que l’idée donnait une image très réduite et minimaliste de la vie dans un camp de réfugiés. Une lettre ouverte écrite par deux étudiantes et recueillant des centaines de signatures a été partagée dans un événement appelant à l’annulation totale de l’événement. Finalement, après discussions avec des exécutifs de l’AÉUM, et vu l’envenimement des réactions sur Facebook, l’idée des tentes a été abandonnée. Cependant, la controverse a permis à EUMC de se faire connaître, et a même poussé des gens à aller voir leur table d’information, à se renseigner sur les actions d’une telle association, et potentiellement à s’y investir dans le futur.

Une visibilité inespérée

Peu connue de la communauté mcgilloise, EUMC McGill est pourtant une association dont les résultats se font vraiment ressentir par la population visée. En effet, chaque année des étudiants viennent étudier à McGill à travers le PER, un programme qui, selon les bénéficiaires, change leur vie. La controverse engendrée a donc permis à EUMC de gagner une visibilité sur le campus beaucoup plus grande que celle espérée. Comme nous dit Amélie Fabian, «la crise des réfugiés est un sujet important surtout en ce moment et en tant qu’étudiants nous avons une voix et une possibilité réelle d’impacter la vie de quelqu’un grâce au programme. Il est donc important que les gens nous connaissent et sachent ce que l’on fait.»

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Le film retrace les débuts des N.W.A, son ascension, la tournée nationale, mais aussi le déclin du groupe et enfin sa séparation. Il présente aussi les carrières solo d’Ice Cube et Dr. Dre, ainsi que les problèmes personnels de chacun, avant de finir sur la mort d’Eazy E en 1995. Straight Outta Compton parvient à raconter non seulement l’histoire du groupe et de ses membres, mais aussi le contexte social dans lequel ils ont évolué.

Straight Outta Compton, c’est plus qu’un film sur la musique. C’est aussi un film de société, qui montre le quotidien de jeunes hommes noirs vivant dans une communauté défavorisée aux États-Unis à une époque où le racisme était omniprésent seulement 20 ans après l’abolition de la ségrégation officielle du pays. En effet, le long-métrage raconte l’histoire d’une Amérique divisée, où la brutalité policière est une réalité pour beaucoup trop de jeunes. On pense à la scène marquante où Ice Cube, en rentrant chez lui, se fait menotter très violement devant ses parents. Son crime? Être de la mauvaise couleur de peau et sortir dans la rue au moment où la police décide de faire une descente dans le quartier de Compton. Le film évolue autour de ce thème récurrent de la violence policière avec comme point culminant les émeutes de 1992 à Los Angeles.

Une Amérique divisée, où la brutalité policière est une réalité pour beaucoup trop de jeunes.

L’organisation chronologique du film nous permet vraiment de suivre le fil de l’histoire, ce qui donne le temps de nous attacher aux personnages, de les comprendre. Ils nous font rire et pleurer, on a peur pour eux, on les soutient, et on découvre le point de vue de personnes régulièrement effacées de la sphère médiatique. Le film donne une voix aux Afro-Américains, une voix qu’on leur a trop souvent enlevée.

La bande son du film est essentiellement composée de l’album Straight Outta Compton, premier et seul album de N.W.A: une raison de plus de voir ce film biographique! En effet, à une époque où le rap était vu comme une musique de gang, une musique peu sérieuse qui glorifie la violence et les drogues, N.W.A brisait les codes et sortait des textes francs, violents et de qualité. Chaque chanson raconte une histoire. Le spectateur comprend comment la chanson «Fuck Tha Police» a été imaginée, la symbolique de «Straight Outta Compton», ou encore la façon dont Eazy E est passé de promoteur à l’un des rappeurs emblématiques du groupe. Mais tout ne s’arrête pas là: le film met aussi en scène des chansons emblématiques des années 90 produites par Dr. Dre telles que «Just a G thing» avec Snoop Dogg, ou encore «California Love» avec Tupac.

Straight Outta Compton n’est donc pas seulement un film pour les amateurs de rap, mais un film qui utilise la musique pour rappeler aux spectateurs que la lutte  contre la brutalité policière continue toujours aujourd’hui. Ce long-métrage reste un moyen de parler de problèmes qui touchent encore une grande part de la population, car ce que Dr. Dre, Ice Cube et Eazy E dénonçaient il y a plus de vingt ans est malheureusement toujours condamnable aujourd’hui.

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Rodolphe Husny: Je suis comptable de formation, j’ai 33 ans, je me présente à Outremont pour les conservateurs contre Thomas Mulcair pour la deuxième fois. Durant les quatre dernières années, j’ai été en poste au Ministère du Commerce International à Ottawa où j’ai travaillé sur des accords de libre échange.
Pour le parti, on a réussi à avoir un budget équilibré même sans diminuer les transferts en santé et en éducation. Les libéraux avaient coupé les transferts aux provinces, et nous avons priorisé deux éléments: garder les impôts bas, pour les individus comme pour les entreprises. Tous les experts assurent que le Canada sera en croissance l’année prochaine. On croit fortement en la baisse des taxes pour préserver la compétitivité du marché canadien.
Vous, les étudiants, votre priorité est de trouver un emploi en sortant de l’université: vous avez besoin d’un gouvernement qui ne va pas augmenter la paperasse, qui va diminuer les impôts pour s’assurer que les entreprises aient la marge de manœuvre pour vous embaucher!

LD: Vous avez travaillé au Ministère du Commerce International à Ottawa, comment votre expérience au niveau fédéral vous aidera pour vos projets dans votre circonscription ? Qu’est-ce qui vous donne l’avantage ?

RH: Je connais les petites et moyennes entreprises, je connais les grandes entreprises, j’ai travaillé avec elles, j’ai fait 50 missions économiques du Canada à l’étranger. J’avais une double mission: accompagner les entreprises pour qu’elles puissent exporter puis attirer les investissements au Canada. Ce que je propose dans le programme de mon parti, j’y ai travaillé pendant quatre ans.

LD: Quelles sont vos propositions pour améliorer l’économie montréalaise? Aussi, avez-vous un plan pour créer de l’emploi dans votre circonscription, particulièrement pour les jeunes?

RH: Attirer les investissements, retenir nos entreprises, exporter. Un emploi sur cinq au Canada dépend de l’exportation, il faut que nos petites et moyennes entreprises exportent, et pas seulement vers les États-Unis. Je veux surtout que Montréal soit compétitif du point de vue fiscal pour attirer les entreprises mais aussi les retenir. Ça serait mes trois mots: attirer, retenir et exporter, pour Montréal.

LD: Oui absolument, et donc pour revenir sur cette thématique des jeunes: pourquoi un étudiant voterait pour le Parti Conservateur?

RH: C’est vraiment la question de votre avenir, parce que les gens savent que le déficit d’aujourd’hui sera simplement vos impôts demain. C’est bien beau de promettre un déficit, mais à la fin il va falloir le payer.
C’est vous qui faites le choix en disant: «est-ce que je trouve qu’on est tellement en difficulté financière qu’on doit faire un déficit?» Quand j’entends des partis qui disent qu’ils veulent fermer 20% de notre économie, qui est le secteur énergétique, moi ça me fait peur parce que on est à McGill ici, et à McGill il y a quoi? Il y a des ingénieurs, des chercheurs, des techniciens, tout ça là, notre économie en est dépendante. Il y a des ingénieurs québécois qui fournissent des services à l’industrie pétrolière et gazière. On peut pas juste comme ça dire on ferme ça. Ça aura un impact: il y a des comptables, des avocats, il y a toute une industrie de services ou manufacturière qui travaille aussi pour notre secteur énergétique des sables bitumeux.

LD: La question de la musique: à 11h du soir, vous devez nous réveiller, nous redonnez de l’énergie, qui mettrez-vous ?

RH: Stromae, c’est toujours lui qui me boost.

LD: Avez-vous un dernier commentaire, un message à faire passer à nos lecteurs ?

RH: Allez voter, renseignez-vous, c’est votre avenir, c’est vous qui allez en subir les conséquences, je sais que tout le monde essaie de faire le pitch pour le changement, mais le changement apporte aussi des risques. Qu’ils regardent les deux car les partis peuvent promettre monts et merveilles mais il y a aussi des risques. C’est facile d’attaquer quand on n’est pas au pouvoir.

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Christine Poirier (CP): J’ai fait mon bac à l’université Laval, puis ma maîtrise et scolarité de doctorat à l’université McGill. Pendant mon doctorat j’ai démarré une entreprise de vêtements d’allaitement, qui s’appelle Momzelle pour aider les mères à se sentir bien avec l’allaitement en public. C’est l’entrepreunariat qui m’a mené à la politique car j’ai souvent représenté les jeunes entrepreneurs canadiens auprès des ministres fédéraux pour les inciter à investir dans l’entrepreunariat et la jeunesse. J’ai choisi le Parti libéral du Canada parce que c’est un parti d’ouverture, un parti qui promeut l’égalité des chances, qui respecte la dignité, qui prend des décisions basées sur les faits et la science.

LD: La dernière fois que les libéraux étaient au pouvoir dans la circonscription de Laurier—Sainte-Marie c’était en 1989, qu’est-ce qui selon vous peut faire la différence cette année et vous redonner le contrôle de cette circonscription?

CP: C’est la première fois cette année que le terrain est ouvert vu que M. Duceppe n’est plus là, il a déjà perdu, et même s’il se représente, j’ai une chance de gagner. Je fais campagne pour cela depuis mai 2014. 

LD: Vous venez d’accoucher et vous êtes déjà de retour dans la course! Comment est-ce que vous gérez votre vie de famille, la campagne et votre nouveau-né?

CP: Je dois dire que ça demande un niveau d’organisation supplémentaire. Heureusement j’ai eu le temps de me préparer pendant ma grossesse. Ce n’est pas quelque chose que je pourrais faire seule, et c’est mon conjoint et l’équipe qui font toute la différence.  J’ai été réellement absente pendant 9 jours de la campagne, mais pendant ces 9 jours-là, Sophie Grégoire Trudeau, l’épouse de Justin Trudeau est venue faire du porte-à-porte pour moi dans la circonscription avec une douzaine de candidats officiels de la ville de Montréal et des environs. C’était très touchant. On dit que la politique c’est comme une famille et je sens vraiment ça, ce soutien-là est crucial.

LD: Le taux d’abstention chez les jeunes était très haut lors des élections de 2011, avec seulement 38% des 18–24 ans ayant voté. Comment comptez vous encourager les jeunes d’aujourd’hui à voter, et pourquoi voteraient-ils pour le Parti libéral du Canada?

CP: Les jeunes font partie de notre plateforme électorale. Laurier—Sainte-Marie doit être l’une des circonscriptions les plus jeunes avec plusieurs universités aux alentours. Je pense qu’on a le meilleur programme pour les jeunes parce qu’on veut investir dans le futur, comme dans les infrastructures ou les technologies vertes. On veut aussi remettre des programmes pour que les jeunes puissent travailler auprès du gouvernement ainsi que des programmes d’emplois pour donner une chance aux jeunes qui arrivent sur le marché du travail et qui font face à des taux de chômages plus élevés que la moyenne. On essaye de répondre aux préoccupations des jeunes, c’est quelque chose que Justin Trudeau tient bien à cœur.

LD: Avez-vous un dernier commentaire à faire, une dernière chose à dire à nos lecteurs, un dernier message à faire passer ?

CP: Il y a des choses qu’on ne réalise pas tout le temps mais les partis politiques préparent leur plateforme en fonction des gens qui ont voté aux élections précédentes. Donc si on veut que nos voix se fassent entendre, que la voix des jeunes se fasse entendre c’est important de voter. Ca peut changer la donne complètement! Donc le 19 octobre c’est important de sortir aux urnes et d’aller voter.

LD: Vous étiez à McGill pour votre maîtrise, ainsi que votre doctorat, vous lisiez Le Délit?

CP: Je lisais Le Délit (rires). Je n’ai malheureusement pas été journaliste pour Le Délit mais je le lisais.

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Des Frosh pour tous les goûts

À McGill, plusieurs sortes de Frosh sont proposés, dépendamment ou non des facultés. Les Frosh non-facultaires sont généralement organisés par des associations étudiantes et ont des buts beaucoup plus spécifiques que les autres Frosh. Cette année, cinq Frosh non-facultaires étaient proposés, organisés par une variété de groupes étudiants comme plusieurs groupes chrétiens, une association d’étudiants juifs, l’Association des élèves musulmans, le Groupe de recherche à intérêt public (GRIP) et enfin le club d’activités en plein air, McGill Outdoors Club.

Sarah, qui a fait le Frosh en plein air cette année, explique au Délit que cette expérience lui a permis de rencontrer des gens partageant le même intérêt qu’elle pour la nature et de vraiment créer des liens avec ces gens sans distractions telles que les téléphones. De plus, un vrai travail d’équipe est demandé, ce qui rapproche encore plus les nouveaux étudiants, selon elle.

Les élèves peuvent aussi choisir de participer à un Frosh lié à leur faculté. Ces derniers sont organisés par des comités élus en fin d’année scolaire, et chaque faculté choisit un thème autour duquel articuler la semaine d’intégration. Cette semaine de Frosh dure généralement autour de quatre jours au cours desquels  plusieurs événements sont organisés  la journée tels qu’une tournée des bars («pub crawl»), tandis que le soir  des concerts et des soirées dans des discothèques de Montréal sont proposés. Ces Frosh liés aux facultés ont pour but premier que des élèves appartenant à la même faculté se rencontrent et tissent des liens avant le début des cours.

Changement de doctrine…

Les Frosh organisés dans le cadre des facultés sont ceux qui tournent le plus autour de la consommation d’alcool, et sont donc les premières cibles du changement de culture que McGill essaye d’instaurer. En effet, Mitchell Miller, coordonnateur de la vie étudiante pour Campus Life and Engagement (CL&E – Engagement et vie du campus, ndlr) explique en entretien avec Le Délit que «le but premier de Frosh est que tout les étudiants qui choisissent d’y participer s’y amusent, et qu’ils aient une expérience d’orientation saine et sûre.» Il ajoute : «Nous voulons aussi que notre travail à McGill montre au Canada entier que Frosh peut être un événement aussi marrant et énergique que sain et respectueux.» Afin d’arriver à opérer un tel changement, l’optique dans laquelle les responsables d’équipe («Frosh leaders») ont été choisis et formés a été revue. En effet, Christine Koppenaal, la v.-p. aux affaires sociales de l’AÉFA (Association Étudiante de la Faculté d’Art) nous explique que «la préparation de Frosh a comme concept central que Frosh est organisé pour les premières années. Cela peut paraître évident, mais il y a quelques années les positions de responsable d’équipe et de personnel d’orientation («o‑staff») attiraient des étudiants en deuxième et troisième année qui souhaitaient revivre leur propre semaine de Frosh avec leurs amis. Maintenant, on s’assure que les candidats comprennent bien que ces rôles sont des rôles de mentors, et c’est dans cette perspective que les formations sont pensées.»

Pour beaucoup, Frosh reste lié a l’idée d’une semaine de débauche, où l’on teste ses limites avant d’entamer la nouvelle année scolaire.

Le changement de culture de Frosh est un projet qui existe maintenant depuis 5 ans et cette édition, selon beaucoup d’organisateurs, a été une des meilleures que McGill ait vu depuis un moment. En effet, cette année, encore, plus que les précédentes, des efforts ont été faits pour vraiment se défaire de l’image de débauche, et arriver à donner celle d’une semaine amusante et riche en expériences et nouvelles rencontres. De plus, des efforts ont été fait en coordination avec le Service de Police de la Ville de Montréal (SVPM) ainsi qu’avec la communauté Milton-Parc, qui inclut les habitants et familles vivant au milieu du ghetto étudiant de McGill, et qui sont souvent les premières victimes de Frosh, surtout à cause du bruit occasionné par toutes les soirées qui se tiennent dans le quartier. Pour éviter des débordements, des équipes de l’AÉUM (Association Étudiante de l’Université McGill) patrouillaient dans le «ghetto» afin de garder le bruit à un niveau gérable.

Un autre moyen utilisé pour institutionnaliser ce changement de culture a été un vrai travail autour du vocabulaire utilisé pendant Frosh. En effet, les «pre-drinks» («pré-boissons», ndlr) ont été baptisés «rassemblements de groupes» tout comme la tournée des bars (pub crawl, ndlr) qui est maintenant appelée la «tournée de Montréal». Le but est de ne plus associer certains événements à l’alcool, mais de les rendre plus neutres afin de respecter les choix de chacun quant à la consommation de boissons alcoolisées. De plus, la Faculté d’Art a introduit un système d’«amis sobres» grâce auquel les premières années souhaitant rester sobres étaient mis dans des groupes avec des chefs d’équipe qui ne buvaient pas. Enfin, chaque soir, au moins un responsable de chaque groupe devait rester sobre. Comme M. Miller le souligne, un des slogans de cette année était «Frosh a de l’alcool mais n’est pas pour l’alcool», slogan qui représente bien ce changement de culture.

…juste une illusion?

Malgré toutes les nouveautés dans l’organisation de la semaine d’intégration elle reste une semaine où la fête est mise à l’honneur. Pour beaucoup, Frosh reste lié a l’idée d’une semaine de débauche, où l’on teste ses limites avant d’entamer la nouvelle année scolaire. De plus, certaines réformes mentionnées ci-dessus, comme le changement de vocabulaire, ou encore celle d’un responsable sobre par jour, n’ont pas vraiment été respectés.

Or, il est vrai que cette année, les participants et les responsables ont reconnu une ambiance différente, plutôt centrée autour de l’entente entre les facultés ainsi qu’en leur sein. Anne, une première année qui a fait le Frosh de la Faculté d’Art et Sciences,  interrogée par Le Délit, affirme avoir adoré son Frosh,  s’être sentie accueillie par la société mcgilloise et directement intégrée. Les participants, les responsables ou les personnes directement touchées par Frosh, tels que les habitants de la communauté Milton-Parc ou encore les «floor fellows» (responsables d’étage, dans les résidences universitaires, ndlr) sont les premiers témoins des progrès effectués et peuvent voir que les choses s’améliorent d’année en année, comme l’affirme M. Miller. L’image renvoyée par McGill semble cette année d’avoir été différente, même si M. Miller reconnaît qu’il faudra un certain temps avant que toute la communauté ne voie Frosh d’un nouvel œil.

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La salle était donc divisée en deux parties avec d’un côté différents kiosques offrant des informations plutôt basiques sur les bases de la religion, tels que l’explication des cinq piliers de l’Islam, une opportunité de lire et écouter le Coran, des informations sur le prophète ainsi que ses paroles et une présentation de femmes connues dans l’histoire de l’Islam. Des ateliers calligraphie, essayage d’hijab, et henné étaient aussi proposés, le tout modéré par des étudiants volontaires. Une des activités les plus populaires était la pose de henné, mais aussi l’essayage du hijab, voile porté par les femmes musulmanes, activités plus interactives, et moins statiques que ce que proposaient les autres stands.

L’autre côté de la salle offrait des discussions de 30 minutes modérées par des intervenants extérieurs, sur différents thèmes tels que  la dépendance et le contrôle de soi, le rôle de l’individu dans la communauté, la justice sociale, la famille, la réponse de l’Islam face à la violence et l’intolérance, et comment les études islamiques peuvent aider à gérer le stress et l’anxiété. À la table ronde sur la réponse de l’Islam face à la violence et l’intolérance, l’intervenant  a expliqué que la réponse devrait toujours être le jihad, mais que signifie ce terme ? Sheikh Hamdi Ben Aissa a expliqué que le mot jihad signifie «résister le mal afin qu’il ne s’étende pas. Mais cela s’applique aussi aux maux intérieurs de chacun. Faire le jihad veut donc dire résister à tous les maux, intérieurs et extérieurs». La discussion s’est ensuite peu à peu axée sur le rôle des femmes dans la communauté en général. Chaque discussion partait d’un thème assez large mais les gens présents autour de chaque table pouvaient diriger la conversation dans le sens qui leur plaisait.

Les organisateurs semblaient satisfaits de la présence quasi constante de personnes tout au long de l’événement, avec chaque table ronde plus ou moins remplie en fonction des sujets et un flux stable de personnes de stand en stand. Alexei Simakov, étudiant dans la Faculté des Arts en U3 nous a dit avoir apprécié le fait que cet événement «parte d’une initiative étudiante et qu’il ne soit pas organisé par l’AÉUM directement». Gabrielle Martin, étudiante dans la Faculté de management en U0 nous avoue être venue «pour le thé et le henné» mais a vraiment appris «de nouvelles choses sur la religion musulmane». M. Walli était content de voir des élèves de différents horizons, et pas seulement des musulmans, à cet événement qu’il considère un succès.

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En guise d’événement de lancement, les organisateurs avaient prévu une discussion autour de la brutalité policière à Montréal, surtout envers les jeunes en conditions précaires, animée par Mutatayi Fuamba, jeune ambassadeur du Conseil canadien pour les réfugiés, Rosalind Wong, membre de Solidarité Sans Frontières et Ralph, coordinateur aux services juridiques de l’association à 2 mains. Le panel a abordé la question du racisme lors de contrôles policiers à Montréal, expliquant que les jeunes issus de minorités raciales subissent beaucoup plus souvent la violence policière que les autres citoyens. Une partie de la discussion était également consacrée aux traitements reçus par des personnes habitant Montréal en situation irrégulière.

Un autre événement proposé durant ces journées était une discussion sur la brutalité policière et militaire israélienne dans les territoires palestiniens. Cette discussion animée par des membres du SPHR, était centrée sur ce que les civils palestiniens subissent chaque jour face a la violence des forces armées israéliennes. Les modératrices de l’atelier, Zahra Habib, étudiante en études du Moyen-Orient et en urbanisme, ainsi que Maggie Gilligan, étudiante en études islamiques du monde et du Moyen-Orient, ont exprimé avoir «profité de l’opportunité offerte des Journées de la Justice Sociale pour proposer cette discussion». Pour elles, le plus important était que les gens partent de l’atelier avec un sentiment de malaise face aux informations fournies, afin d’y penser et de faire avancer la conversation autour du conflit israélo-palestinien. Nadir Khan, étudiant en sciences politiques, a dit être venu car pour lui le conflit représente «un des enjeux internationaux les plus importants du monde».

À l’occasion des dix ans des Journées, Kira Page a expliqué au Délit que l’accent a vraiment été mis sur l’accessibilité de tous aux événements avec une traduction anglais-français soufflée offerte pour presque chaque évènement, ainsi qu’une traduction en langue des signes pour certains ou encore l’offre de garde d’enfants pendant les évènements. De plus, les espaces alloués aux ateliers étaient vraiment placés sous le signe du safe space, afin d’offrir la possibilité à tous d’y participer. Mme Page s’est félicitée du succès des Journées cette année: tellement de gens ont participé aux événements que certains n’ont pu accueillir tout le monde.

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La salle se remplit petit à petit d’un public divers et varié, mais surtout curieux: que va donner l’association de la musique pop de Mika à un orchestre symphonique?

20h06 – silence dans la salle. Le chef d’orchestre fait son entrée suivi des choristes, et l’orchestre entame l’ouverture. C’est sous un tonnerre d’applaudissements que Mika entre ensuite sur scène. Sans introduction, il commence à chanter Toy Boy. Sa voix angélique se marie parfaitement avec l’orchestre, et le public est enchanté dès les premières notes. La voix de Mika nous emporte dans une autre dimension, dimension de laquelle on ne sortira qu’à la fin du concert. En effet, ancien élève du Royal College of Music de Londres, Mika est avant tout un chanteur à voix: son association avec un orchestre symphonique — et le mariage de sa voix si particulière et des violons — ne pouvait donc qu’être magique. On oscille entre chansons à voix telles que Underwater ou Any Other World et chansons plus dansantes, plus connues aussi, telles que Grace Kelly, Love Today ou encore Elle Me Dit. Chaque prestation transporte le public – qui fusionne avec Mika et l’orchestre – ou le surprend à travers des arrangements complètement revisités, comme avec Relax. D’autres chansons comme wOver My Shoulder témoignent simplement de l’étendue de la capacité vocale de Mika. Le chanteur nous fait également découvrir de nouvelles chansons qui sortiront dans son prochain album comme Ordinary Man ou The Last Party.

Durant les deux heures de spectacle, le public se laisse emporter non seulement par la musique, mais aussi par Mika, artiste complet qui parvient, avec sa grâce naturelle et son expressivité, à rendre le moment beau esthétiquement parlant, malgré une mise en scène assez simple. Les choristes font eux aussi un travail remarquable, n’éclipsant pas l’artiste mais ne se laissant pas éclipser non plus. Le public est fasciné par l’esthétique du spectacle, impressionné par l’orchestre, mais Mika arrive à rendre ce spectacle accessible à tous, petits et grands, vieux et jeunes, personnes seules et familles complètes. À chacun d’applaudir au rythme des chansons, de chantonner les refrains et même de danser, oubliant alors qu’un orchestre symphonique est présent en direct et que les musiciens ont besoin de silence pour s’entendre. Heureusement, le chef d’orchestre rappelle le public à l’ordre et plonge à nouveau la salle dans le silence, avec Mika et l’orchestre pour seule distraction.

C’est sous une ovation debout que Mika sort de scène. Il reviendra pour deux rappels, puis laissera ses nombreux admirateurs avec l’écho de sa voix comme seul souvenir. Après ce moment magique, c’est avec encore plus d’estime pour Mika que les spectateurs s’en vont. Le chanteur a réussi à prouver qu’il n’est pas seulement le juge drôle de la version française du télé-crochet La Voix ou un artiste radio pour les 13–15 ans, mais qu’il est un artiste complet qui parvient à allier musique classique et musique pop avec brio. Les trois jours de concert étaient complets; pari réussi pour Mika. Bonne nouvelle par ailleurs pour les fans du chanteur, ses concerts à l’OSM devraient faire l’objet d’une parution discographique en collaboration avec sa maison de disque, Universal. Il y a de quoi se réjouir!

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La conférence sur l’afro-féminisme s’est déroulée le samedi 7 février et avait pour objectif de nuancer l’image de la femme africaine, souvent vue soit comme une victime, soit comme une mère. Pour cela, quatre intervenants étaient invités: Mme Letty Chiwara, représentante d’ONU Femmes en Éthiopie, à l’Union Africaine et à la Commission Économique des Nations Unies pour l’Afrique; Mme Marieme S. Lo, maître assistante en études des femmes et du genre, ainsi qu’en études africaines à l’Université de Toronto; Monica Popescu, professeure agrégée au Département d’anglais de l’Université McGill; et M. Uzoma Esonwanne, professeur agrégé au Département d’anglais et au centre de littérature comparée de l’Université de Toronto.

Lors d’une discussion modérée par Sta Kuzviwanza, étudiante en économie et études africaines, chacun a mis à profit son expertise sur trois grandes questions: la perception occidentale de la femme africaine, l’importance de l’éducation pour éviter l’émergence d’une conception erronée de celle-ci, ainsi que la place des femmes dans le développement de l’Afrique. Les panélistes ont apporté des réponses diverses à ces questions mais ont tous souligné l’importance de donner une voix à ces femmes, trop souvent oubliées. Tous étaient d’accord pour dire que les femmes sont, dans beaucoup de pays et de communautés, les moteurs du changement social, mais que leur représentation n’est pas toujours à l’échelle de leur importance. La discussion s’est terminée sur des questions d’élèves adressées aux différents panélistes.

La conférence a été un succès, se déroulant dans une salle quasi pleine en ce samedi après-midi devant un public captivé. Les panélistes, eux, étaient contents de participer à cette discussion mais aussi de pouvoir s’exprimer sur un sujet peu abordé en Amérique du Nord. En effet, Mme Chiwara a affirmé être heureuse de constater la forte demande pour ce type de discussion à McGill, et a avoué qu’avant de venir, elle se demandait ce que les étudiants savaient vraiment du féminisme en Afrique. De son côté, Mme Lo nous a expliqué qu’elle trouve le thème stimulant intellectuellement, et que venir participer à la conversation était une façon de supporter une initiative étudiante intéressante. Finalement, toutes les deux étaient d’accord pour dire qu’il est important de changer les discours utilisés pour parler de la femme africaine, et que ce genre de discussion était donc une bonne opportunité pour donner une voix à la femme africaine dans le monde occidental.

Du côté des étudiants, la curiosité semblait être la première motivation. Jacob Omorodion, étudiant en sciences politiques, a expliqué qu’il était venu par intérêt, mais aussi parce qu’il n’avait jamais eu l’occasion de voir interagir le féminisme et l’Afrique. Pour lui, ce genre de discussion est nécessaire et en tant qu’université représentante d’un corps étudiant international et varié, McGill se doit d’accueillir ce type de panel.

D’autres conférences ont animé ce congrès qui s’est terminé le samedi 7 février avec comme événement de clôture la venue de Binyavanga Wainaina, journaliste et écrivain kenyan. Pour M. Ufondu la convention a été un succès, avec un public nombreux chaque jour. Pour lui, le succès a été rendu possible par le thème qui rassemblait les différents événements, une durée de trois jours consécutifs au lieu de quatre (comme l’an dernier), et des intervenants plus renommés que pour les éditions précédentes, dont Binyavanga Wainaina en tant qu’intervenant principal.

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