Après d’abondantes critiques négatives de The Captive, le dernier film d’Atom  Agoyan (également connu pour Chloe, Exotica, De Beaux Lendemains), nombreuses étaient les attentes d’un public mitigé. L’urgence de la sortie de Souviens-toi, peut être expliquée par le fait qu’il n’y aura bientôt plus aucun survivant de cette tranche historique qu’est l’Holocauste. Agoyan saisit ce moment pour nous rattacher à un phénomène passé tout en l’ancrant habilement dans le présent. Si le suspense est au coeur de ce scénario hitchcockien écrit par Benjamin August, une autre trame s’ajoute à celle de la quête de vengeance: celle du désespoir d’un homme seul et aliéné dans un monde où il n’a même plus de contrôle sur ses propres souvenirs. De plus, le périple qu’effectue Zev tout au long de l’intrigue est également renforcé par une représentation réaliste de la société nord-américaine moderne, construite à la manière de Maupassant à travers une série de portraits d’enfants, de vendeurs, de réceptionnistes, d’aides-soignantes et même de douaniers.

Souviens-toi est un véritable hymne à la mémoire. Dans un premier temps, la mémoire est au centre du scénario puisque le handicap mental du protagoniste lui fait revivre encore et encore l’acceptation de la mort de sa femme et le lot de douleur qui s’ensuit. Zev, qui se retrouve à chaque éveil dans une situation d’incompréhension totale, décide d’écrire sur son bras un rappel «regarder la lettre» dans laquelle son ami Max lui a donné toutes les informations et explications nécessaires pour le rattacher au contexte présent. Si l’on découvre également qu’il porte un numéro tatoué datant de ses années de prisonnier à Auschwitz, on ne peut s’empêcher de faire un lien entre ce tatouage douloureux ancré à lui et ce rappel, marque d’un passé qu’il ne peut renier.

À la manière de cet individu qui doit revivre plusieurs fois la difficulté du deuil et de son périple, on peut faire un parallèle à une plus grande échelle avec l’histoire qui se répète, comme une mise en abyme d’un oubli collectif de périodes marquantes de l’histoire qu’il ne faudrait impérativement, selon Agoyan, laisser de côté. Ce thriller a comme thème la Shoah mais il pourrait très bien traiter d’autres génocides passés; la nationalité arménienne du réalisateur et son intérêt pour l’histoire de ce pays a pu être à l’origine son envie de choisir ce thème.

Une des scènes les plus touchantes de ce film s’orchestre autour d’une fillette à qui Zev demande de lire la lettre de Max à voix haute, l’innocence de ce personnage contraste dangereusement avec une période noire de l’histoire. «C’est quoi, un nazi?», demande la jeune fille entre deux phrases lues, et nous comprenons alors, nous spectateurs, l’importance de transmettre ces souvenirs aux générations futures. 

En somme, malgré le scénario très complet de la quête d’identité d’un homme désespéré, on ne peut s’empêcher de regretter les mises en scènes légèrement prévisibles  et le manque d’insistance sur la sphère psychologique de cet ancien prisonnier d’Auschwitz. Cependant, le fait d’avoir en première scène un personnage principal de cet âge, interprété avec brio par Christopher Plummer, relève la plausibilité du scénario et nous inspire de l’émoi. 

On retrouve des influences de This Must Be The Place de Paolo Sorrentino, à travers cette chasse au nazi, et de Memento de Christopher Nolan dans les fréquentes phases d’oubli et de réappropriation du présent. La bande originale du film, produite par Mychael Danna, accompagnée d’une transcendance du protagoniste par la musique, donnent au scénario une sensibilité supplémentaire. La projection se clôt sur un dénouement inattendu remettant en cause tous nos a priori. Alors que le  cheminement de souffrance du personnage résonne encore dans nos esprits, l’écume de souvenirs vacillants  nous submerge. 

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Par hasard engagé comme acteur de peep-show (spectacles à caractère érotique ou pornogra-phique, NDLR), il nous dévoile à la manière de confessions ses mésaventures tout en nous faisant part des peurs qui l’obsèdent et de ses rêves d’un ailleurs serein. «Pourvu qu’elle m’aime», nous confie doucement cet homme plein de désirs. À à travers lui, nous, spectateurs, vivons sa première histoire d’amour avec passion mais également le déchirement et la douleur insoutenable qui s’ensuivent. Nous vivons ses efforts maladifs pour ressembler à un autre, pour paraître anonyme. À notre tour, nous nous sentons trompés, utilisés, humiliés et nous ressentons au plus profond de nous cette crise du langage, celle des individus qui se croisent mais qui ne s’arrêtent jamais. 

«C’est fou ce qu’un regard posé sur vous peut vous ébranler», nous avoue cet homme, les yeux étincelants. Exprimant dans ce texte la précarité du travail et la solitude qu’un être peut ressentir dans une ville, on trouve un homme modeste qui existe par notre regard. Un homme qui, par son vécu, a perdu tout espoir en la bonté humaine, et qui parvient à nous affirmer haut et fort «Maintenant, c’est terminé. Vous pouvez me supplier pour un peu de tendresse… j’en ai plus rien à foutre. Vous pouvez crever devant moi…» Et pourtant, malgré cette colère et cette violence qui le ronge, on ne peut s’empêcher de voir en lui une candeur et une authenticité infinie. 

À la manière du Petit Prince, il s’agit d’un homme qui cherche seulement quelque chose à apprivoiser, un ami qui assouvirait sa solitude et ne chercherait pas à tricher. On note aussi des similitudes avec le personnage d’une pièce de Bernard-Marie Koltès, La nuit juste avant les forêts, dans laquelle un homme débite un flot de paroles pour tenter, en vain, de communiquer avec autrui. Si le personnage de Saint-Exupéry a choisi un mouton, notre acteur rêve d’un grand chêne au milieu d’un jardin fleuri. Écœuré d’avoir été trompé et utilisé comme un objet, il trouve en la nature son refuge secret; plus personne ne peut lui porter atteinte. La description de son jardin, durant laquelle Paul Van Mulder hausse la voix considérablement, est sans doute un des passages les plus touchants de cette pièce. On retrouve un enfant qui s’isole dans un monde qui lui est propre: son île, au milieu de son lac, près de son chêne, au milieu d’une multitude de fleurs colorées. Enfin, il est heureux.  

On retrouve aussi en lui deux figures conflictuelles: celle du jeune adolescent, prêt à tout pour être pris en considération, et celle de l’homme qui a peur à tout moment que son corps l’abandonne. En effet, la lampe que l’acteur fait osciller devant nous dans les interludes musicaux peut nous rappeler ce phénomène du temps qui passe et qui, pourtant, ne chasse pas toutes les inquiétudes.

Lorsque la douce musique Hope There’s Someone d’Antony & The Johnsons atteint nos oreilles pour clôturer cette pièce, avec ses mots d’espoir qui flottent toujours autour de nous, on ne peut s’empêcher de vouloir crier à notre tour ce manque de tendresse que l’on rencontre quotidiennement. À travers ce texte d’une sincérité à en couper le souffle, Paul Van Mulder nous bouleverse et nous donne soif d’exister, tout simplement.

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