Photo: Brent Calis

Photo: Brent Calis

Bien que ce mélange de différentes époques et de différents mondes puisse sembler chaotique, Opéra McGill parvient à maintenir l’essence et à démontrer le génie de cet œuvre à travers une interprétation moderne et burlesque, grâce à de belles performances et un talentueux orchestre symphonique.

Photo: Léa Pool

Chaque année, les levées de fonds en tous genres rapportent des millions de dollars, car la cause rassemble et mobilise, tout particulièrement aux États-Unis. Par la même occasion, toutes sortes de compagnies y trouvent leur compte. Il ne faut pas être un génie en économie pour s’apercevoir qu’un aspirateur portant le signe du ruban rose se vend nécessairement mieux qu’un même aspirateur sans prétentions philanthropiques.

Pourtant, alors que l’argent s’entasse, il semble ne pas y avoir de suivi, ni de données claires concernant l’allocation des fonds, ni de détails sur la coordination des recherches ou sur les résultats obtenus. La sensibilisation au fléau du cancer du sein part d’une bonne intention, certes, mais il n’en demeure pas moins qu’elle véhicule des propos mensongers. Cette campagne semble entre autres clamer haut et fort que plus il y aura de contributions, plus grandes seront les chances d’éliminer la maladie; elle pèche aussi par omission, car on mentionne rarement –sinon jamais– la nécessité d’investir dans la prévention d‘un des cancers les plus répandus et meurtriers.

Photo: Léa Pool

En fait, la véritable hypocrisie des campagnes du ruban rose réside dans le fait que des compagnies telles qu’Avon, un des leaders en la matière, sont aussi les compagnies qui vendent des produits de beauté contenant des composants cancérigènes.
L’exploitation d’une maladie à des fins lucratives ne cesse de prendre toutes les couleurs et toutes les formes (campagnes de lutte contre le VIH, les maladies cardiovasculaires, et j’en passe). C’est, dirait-on, le capitalisme… dans toute sa splendeur.

L’Industrie du ruban rose propose un pas dans la bonne direction, celle de la mise à jour d’une hypocrisie camouflée avec ruse, un documentaire qui nous mène très certainement à réfléchir, mais qui malheureusement ne creuse pas assez loin les problématiques qu’il soulève et ne réussit donc pas à fournir les réponses concrètes et satisfaisantes auxquelles le spectateur, intrigué, s’attend. Petit budget ou trop peu de capacité d’investigation? Sans narrateur, le film manque aussi de structure et de mouvement, son idée directrice est difficile à suivre, au point que l’on a parfois l’impression de regarder des séquences en pré-montage. Les idées excellentes finissent par se perdre dans un amas de banalités qui tendent à se répéter.

L’Industrie du ruban rose
Où: Dans tous les bons cinémas
Quand: À partir du 3 février

Dans le noir, une danseuse sur pointes amorce un tour sur scène, puis, sur un air d’opéra de Puccini, fait des pas de bourrée sur place. Un homme arrive et l’imite. Ils enfilent leurs équipements sportifs Cooper, ce qui laisse présager la suite des événements. Leur parade nuptiale entomologique a lieu à trois reprises, l’homme laissant littéralement tomber la femme, mais ils finissent par se désarmer.

Photo: Tobie Marier Robitaille

Le deuxième tableau offre un contraste saisissant (la pièce entière étant d’une intensité en montagnes russes) avec le même couple, l’éclairage tamisé et la musique pour piano seul du compositeur Goldmund, laissant deviner l’intimité d’une chambre à coucher. Virginie Brunelle y intègre des portés spectaculaires et novateurs, à faire pâlir d’envie les grands chorégraphes de ballet d’aujourd’hui. Les portés au mur qui suivent apportent aussi une dimension surprenante. La chorégraphe a pensé à des détails, comme les doigts de l’homme formant un cœur sur le sexe de la femme lorsque celle-ci glisse entre ses bras. Les ondulations du dos de Simon-Xavier Lefebvre sont particulièrement charnelles et son effleurement d’un mollet féminin du bout des doigts se montre d’une belle délicatesse. On peut s’imaginer deux amoureux parfaitement complices.

La réalité s’avère tout autre. Dans la scène suivante, le même homme danse avec une danseuse différente mais portant une coupe de cheveux similaire, sous un éclairage néon bleuté. Sur la célèbre ballade «Love Hurts», l’entrejambe est plus exposé, le pied est haut, les mouvements coïtaux sont crus.

On revoit plus tard la première danseuse vêtue de ceintures lui comprimant la poitrine tel un corset. L’autre la rejoint et ensemble elles exécutent pieds nus une danse sauvage suggérant un défilé sur podium, juchées sur d’imaginaires talons hauts.

Les ceintures finissent par tomber, ce qui nous donne enfin droit à des baisers échangés entre le couple principal. Évidemment, la tendresse ne peut durer et fait place à une pluie orageuse de ceintures. L’homme reste seul à se battre contre lui-même, sur une musique pour piano préparé.

La pièce tire vers sa fin sur la chanson «To Build a Home», du Cinematic Orchestra avec Patrick Watson, ce qui illustre bien là où la chorégraphe veut en venir.

Les deux danseuses s’en tirent correctement mais sans plus au niveau de la technique sur pointes (pieds mollement pointés ici et là, arabesques en attitude qui manquent d’aplomb). Reste que c’est un rare plaisir de voir de la danse sur pointes à Montréal, sachant que peu de chorégraphes veulent fournir les efforts nécessaires. Foutrement est d’une belle physicalité, le pouvoir évocateur reposant plus sur la danse en tant que telle que sur la performance et la théâtralité, qui sont aussi bien maîtrisées soit dit en passant. Les pièces musicales et les éclairages accompagnent à merveille les intentions de la chorégraphe. Mais ce qui fait sa plus grande force est le mélange bien dosé de l’esthétique classique ponctué de trash contemporain.

Photo: Dominique Lafond

La mise en scène, à l’exception de la direction des acteurs, laisse un sentiment d’ambivalence. La pièce démarre pourtant en grand avec l’arrivée des convives, déjà trop bruyants pour être vrais, trop grotesques pour être authentiques. Le spectateur s’attend déjà à voir jaillir les incivilités, les pulsions, les cris gutturaux et les malaises de toutes parts. Pourquoi le metteur en scène et le scénographe choisissent-ils de rajouter du symbolisme? Ce dernier, illustré par l’ésotérisme d’une grande lanterne chinoise qui clignote soudainement d’un bleu électrique pour tétaniser l’assemblée, la Mariée pratiquant la télékinésie, la Mère qui occupe le trône du Père en faisant du tricot en silence, l’arrivée impromptue d’une poupée-cadavre, le corbeau géant qui perd ses yeux ,laissant ainsi passer la lumière derrière le mur, est superflu.

Le choix des répliques présentées en boucle et la scène de la toilette semblent aussi douteux. Autant de choix de mise en scène éparpillés qui sont peut-être porteurs de sens mais qui restent trop hermétiques à la compréhension des spectateurs par rapport au texte. Ainsi, les spectateurs rendus perplexes, les moments potentiellement comiques passent inaperçus. D’un autre côté, on peut saluer le choix de ponctuer le chaos de moments silencieux suspendus dans le temps, créant des malaises sournois. La métaphore de Brecht des meubles qui se brisent tout comme les valeurs de l’époque est aussi bien transposée sur scène.

Les costumes d’époque paraissent plus appropriés à la pièce, sauf l’habit contemporain de la Femme, dont les collants d’un fuchsia agressif jurent avec le reste, et le visage poudré de l’Homme. Il faut aussi souligner l’inutilité de l’écran vidéo faisant office d’aquarium. L’environnement sonore ajoute bien à l’ambiance tout en cherchant trop à faire le tour du monde, en passant des chants bouddhistes tibétains à la musique de nô japonais.

Du côté des acteurs, chacun nous offre une performance honorable. Enrica Boucher réussit particulièrement bien à irriter dans son rôle de la Femme détestable. Le tour de chant de l’Ami, Paul Ahmarani, constitue quant à lui une belle performance.
En bref, le texte de Brecht a jadis été avant-gardiste et montre maintenant quelques rides. Heureusement, au fil des ans, il a fait d’innombrables petits et les thèmes et variations autour du mariage ont été maintes fois actualisés. Quant à Gregory Hlady, sa volonté de surligner les non-dits et d’étoffer le texte par un symbolisme appuyé est louable mais inattendue ici et se prêterait mieux à d’autres pièces.  La mise en scène souffre de sa bestialité, dénaturée par son suremballage dans un bric-à-brac confus.

La Noce de Bertolt Brecht
Où: Théâtre Prospero
1371 rue Ontario Est
Quand: jusqu’au 11 février

Photo: Films Seville

Du déjà vu
Le scénario nous rappelle inévitablement Chasseur de primes (Bounty Hunter) sorti en 2010, qui mettait en vedette Jennifer Aniston et Gerard Butler. Les rôles y étaient inversés alors que Butler tentait d’épingler Aniston dans une comédie plutôt mal ficelée. On peut dire que La Prime réussit là où Chasseur de primes a échoué: le rythme est soutenu, l’humour est plus subtil et le romantisme n’empiète pas sur l’intrigue principale. On remarque également que le style vestimentaire d’Heigl est mieux adapté aux circonstances que celui d’Aniston: des jeans plutôt qu’une mini-jupe et un chemisier ordinaire plutôt qu’un décolleté.
Même si l’on commence à connaître la recette des comédies traditionnelles américaines, on se surprend à rire face aux événements cocasses qui surviennent tout au long du film. La réalisatrice Julie Anne Robinson, connue pour avoir réalisé The Last Song et quelques épisodes de Grey’s Anatomy, nous épargne quelques clichés vers lesquels il était facile de glisser. Le jeu des acteurs, comique sans être trop caricatural, est déterminant dans cette comédie dont le propos ne réinvente rien.

On ne change pas une formule gagnante
Ce film ne présente en effet aucune nouveauté, sinon les cheveux fraîchement teints en brun de Katherine Heigl. Elle rend une prestation du même registre que tous ses rôles précédents: une femme au caractère fort et tranchant, voluptueuse et un peu maladroite. Force est d’admettre que ce type de personnage lui convient très bien et elle livre ici une performance à l’image du long-métrage dans son ensemble: plutôt bien dosée et divertissante.

La prime (One for the money)
Dans tous les bons cinémas
Depuis le 27 janvier

Gracieuseté des éditions Futuropolis

Gracieuseté des éditions Futuropolis

On regrettera toutefois que l’histoire ne soit pas davantage développée. En effet, il est clair que ce premier tome pose les bases d’un récit qui pourra être de qualité, mais qui, pris indépendamment, il faut l’admettre, laisse le lecteur sur sa faim. Heureusement que les personnages qui se démarquent du récit sont tous dotés d’un certain charisme. On constate également que l’entité urbaine de Monplaisir, chaleureuse force destructrice qui étouffe tout libre-arbitre et toute liberté de pensée, semble elle-même se démarquer comme un personnage intriguant.

Gracieuseté des Éditions Delcourt

Pour nous rappeler que chaque instant a son impact sur la vie et nous pousser à être attentif aux détails (et peut-être pour nous mystifier un peu?), l’auteur français a ainsi imaginé un récit qui se déroule de reflets en reflets, tel un zoom graphique sans fin, précisément dans cet espace-temps limité, prouvant ainsi la faisabilité du projet. En une soixantaine de pages à l’organisation identique (neuf cases en noir et blanc par page qui mettent en scène des images de plus en plus détaillées, zoomées), l’énigme muette Trois Secondes présente divers personnages dont il appartient au lecteur de comprendre les actions et les relations à force d’observation attentive.

Défi époustouflant, fascinant –passons les adjectifs dont la presse s’est jusqu’ici délectée pour qualifier cet ouvrage–, cet album vient sans conteste d’une idée originale. Soumettre le lecteur à une foule de détails, le forcer à de multiples allers-retours entre des jeux de miroirs particulièrement réussis est en soi une excellente idée. Découper une énigme dans l’extrême détail, zoomer au ralenti jusqu’à la lune pour placer le lecteur dans la peau d’un inspecteur qui cherche un indice dans le reflet d’un reflet d’un reflet est sans conteste la confirmation que l’on peut encore faire preuve d’une immense imagination en art. Pour cela, bravo à Mathieu, qui semble ici être de la trempe des génies.

Ceci étant dit, au-delà de l’idée, que reste-t-il, concrètement, dans les pages que l’on feuillette, avide de comprendre une histoire pour le moins compliquée? Difficile à dire. Difficile de ne pas s’impatienter face à la complexité du récit: on aime travailler, certes, on aime réfléchir, certes, mais on apprécie moins fermer un livre en se demandant comment résumer son histoire… qu’on a en fait pas compris. Aux questions: «Qui est le destinataire de la balle? Quel scandale secoue la presse? Qui est dans l’avion?», il est difficile de répondre après une lecture légère, un peu désinvolte. Une deuxième, voire une troisième lecture s’impose pour saisir les subtilités d’un récit peut-être pris au piège dans son défi. Les lecteurs patients et avides de provocation apprécieront, enjoués par l’originalité d’un album qui ne peut pas laisser indifférent. Les autres se demanderont peut-être si nous ne sommes pas parfois un peu trop à l’affût d’une idée originale, oubliant sans doute de temps à autre ce qui fait aussi d’une histoire une bonne histoire: sa clarté.

D’une certaine manière, que Montréal soit si concrète signifie également qu’elle ne peut exister littérairement. Contrairement à Paris, New York ou Berlin que je n’ai pu découvrir qu’à travers le filtre envoûtant de l’écriture, Montréal m’apparaît comme trop tangible pour que quelques lettres sur une page en saisissent l’essence. C’est une erreur, évidemment. Je sais très bien que Montréal a déjà été écrite, mais ce n’est que très tard que j’ai été mise en contact avec le Montréal littéraire, grâce entre autre à Michel Tremblay et Nelly Arcan, et je peine encore à accorder leur Montréal avec la mienne, comme s’il m’était impossible d’accepter qu’on ait pu la vivre différemment que moi.

C’est tout de même avec une fierté ridicule que j’ai découvert, dans Un Homme en suspens (The Dangling Man), le Montréal de l’américain Saul Bellow. Né à Lachine en 1915 (le dernier enfant d’une famille russe juive tout juste immigrée au Canada) et déménagé à Chicago en 1924, Saul Bellow s’est entre autre vu remettre le prix Nobel de littérature en 1976 pour l’ensemble de son œuvre, dont les ouvrages les plus célèbres sont surtout Les Aventures d’Augie March (1953) et Herzog (1964). Un Homme en suspens (1944) est le premier roman que publie Saul Bellow et consiste en une sorte de chronique à la structure assez vague de la vie de Joseph, un jeune homme d’une vingtaine d’années, marié, qui attend plus ou moins d’être convoqué par l’armée américaine. Sans emploi, Joseph arpente les rues de Chicago pour passer le temps tandis que sa femme Iva part travailler tout les matins, assiste occasionnellement à des soirées entre amis ou en famille, et livre ses réflexions cyniques sur l’hypocrisie et le ridicule du monde dans lequel il doit vivre. La prose de Bellow (du moins dans la traduction française) est à la fois plate et fiévreuse et Joseph y apparaît tant soumis que révolté jusqu’au tout dernier moment où l’appel tant attendu de la guerre lui sert de délivrance et d’emprisonnement ultime.

Montréal ne joue qu’un rôle très mineur dans le récit de Bellow. Évoquée comme souvenir d’enfance, la ville où le narrateur a lui aussi grandi est la scène d’une époque passée et idéalisée –«Je n’ai jamais trouvé une autre rue ressemblant à Saint-Dominique»– où la pauvreté n’est plus source de soucis, mais permet plutôt une liberté qu’il ne retrouvera plus jamais. Bien qu’elle soit très partiellement décrite, très partiellement évoquée, la mention de Montréal dans le roman de Bellow a eu sur moi un effet très étrange, comme si c’était la première fois que mon univers était concrètement représenté dans de la « grande » littérature. Certes, je n’ai pas lu Mordecai Richler, qui possède probablement une vision plus pertinente de Montréal, mais voilà bien la preuve de la relation ambiguë que l’on peut avoir avec notre univers lorsqu’il est raconté.

Nicolas Quiazua | Le Délit

Hakim Guelmi est un sympathique DJ de Montréal, habitué à la scène des clubs et afters. Il a déjà mixé en ouverture pour Max Cooper à Londres; ils avaient d’ailleurs fait un joli duo. «Je connaissais déjà Max. Je savais exactement ce qu’il allait jouer, ça fittait parfaitement» dit-il en entrevue avec Le Délit. Sa musique a évolué depuis qu’il a commencé il y a trois ans. Hakim est pointilleux dans sa sélection d’échantillons et l’ensemble est plus profond que ce qu’il faisait à ses débuts. Son style tech house oscille entre de nombreuses sous-catégories: «un peu progressif, un tout petit peu industriel, minimal, très deep, très dark. Un peu mélodieux aussi.» Peu importe le descriptif, la fosse s’est échauffée rapidement. Hakim Guelmi nous décrit son expérience la plus catastrophique marquée par l’échec de son ordinateur. C’est pour ça qu’il est revenu aux «traditionnels» CD pour livrer la marchandise. «Si ça m’était arrivé à Igloofest, je crois que j’aurais quitté la scène» dit-il.

Nicolas Quiazua

Max Cooper emprunte des mélodies à différents genres, il charme avec ses rythmes complexes mais honnêtes. Le DJ irlandais est plus réservé et plus capricieux que ses cohôtes. Cet ancien chercheur scientifique possède maintenant plus de cent compositions à son nom. Il vit de la musique et ne le regrette aucunement. Son côté mélodieux vient des leçons de piano que donnait sa mère. Pour ses performances live, il reprend ses morceaux qu’il adapte à l’ambiance, en l’occurrence, hivernale. «Quand je compose un morceau dans le studio, je le fais avec une personne en tête, ce que je veux qu’elle ressente. Live, j’y vais plutôt pour alimenter le party. Surtout ici, les gens doivent bouger pour se réchauffer.» Sa musique reste accessible dans sa complexité qu’il recherche sans relâche. Il s’agit de revenir au langage musical commun tout en laissant une riche possibilité d’interprétation. Un bonbon pour l’esprit, finit-il par qualifier son art.

Nicolas Quiazua | Le Délit

Sébastien Léger se donne tout entier. Il mixe des rythmes francs et cela transparaît dans l’attitude de la foule. La foule avait repris une consistance liquide. Sa techno plus évidente et accessible a clos la soirée en beauté. Différent des autres soirs de la saison Igloo aux quais du Vieux-Port, ce Samedi assumait complètement son identité techno house. Selon l’opinion générale, c’était un franc succès, «record d’affluence battu, DE-LA-BOMBE» comme l’a indiqué le DJ sur sa page Facebook. Les amateurs de musique électronique n’ont pas eu besoin du phénomène Justice pour être fidèles à ces rendez-vous survoltés.

Qui plus est, ce n’est pas un secret que les Français sont passés maîtres dans l’art des soirées électro. Et les Montréalais en redemandent toujours.

Nicolas Quiazua

(Illustré par notre coordonnateur visuel Nicolas Quiazua)

Igloofest
Où: Quais du Vieux-Port
Quand: du 26 au 28 janvier

Nicolas Quiazua

Lindsay Cameron

La troupe fait preuve de créativité, utilisant l’espace de la salle et jouant avec le public. Les acteurs ont des jeux variés qui façonnent une heureuse symbiose, surtout lorsqu’il s’agit des numéros chantés en duo et en groupe. Les acteurs gagnent par leurs interactions et fortifient mutuellement leurs jeux.

Nowak illustre habilement la dualité de l’histoire: la succession de moments humoristiques et de retombées sombres donne un goût parfait et équilibré du pessimisme et de l’optimisme que l’on trouve dans Sweeney Todd. La narration marque les transitions avec fluidité, ce qui enlève toute possibilité de stagnation.

Lindsay Cameron

La grève de MUNACA en automne 2011 avait menacé l’utilisation des édifices universitaires pour la représentation. L’AUTS envisageait une relocalisation à Concordia, ce qui aurait coûté cher à la troupe étudiante qui dépend largement de subventions privées. L’AUTS est en effet une organisation indépendante de l’administration universitaire et de l’AÉUM. Sweeney Todd est le fruit de l’effort d’étudiants de diverses facultés réunis par leur goût pour le théâtre. L’AUTS anticipe une série de représentations fructueuse pour Sweeney Todd, encouragée par le grand nombre de billets déjà réservés.

Yves Renaud

L’Opéra de Montréal s’est transporté dans l’Espagne du 15^e siècle pour cette œuvre de Verdi datant de 1853. Entre costumes colorés et décors sobres et modernes, Oriol Tomas met en scène un classique de la Trilogie Populaire du compositeur italien avec un souci du détail assez remarquable. Le duo coréen-japonais ténor-soprano lyrique que forment Dongwon Shin et Hiromi Omura fonctionne plutôt bien, même si l’on peut reprocher à l’interprète de Leonarda de délivrer une performance un peu trop académique, bien qu’elle fasse preuve d’une aisance surprenante lors des moments clés en soliste à l’instar d’un air «D’amor sull’ali rosee» parfaitement maîtrisé.

Malgré un début qui peine quelque peu, très vite tout se met en place et l’Orchestre symphonique de Montréal, dirigé par Francesco Maria Colombo, tout comme les Chœurs de l’Opéra de Montréal, livrent une prestation de qualité.

Dongwon Shin, surtout au troisième acte et pendant «Di quella pira, l’orrendo foco», semble avoir charmé une audience sensible à l’émotion de la voix du ténor, même si certains ont entendu des sifflets lorsque le rideau s’est baissé. Les joies de la scène.

Mais le tableau final et le duo baryton-mezzo-soprano entre Gregory Dahl et Laura Brioli (le Comte et Azucena) reste l’un des meilleurs moments. Nous sommes mis devant une scène finale où l’on découvre, si l’on veut bien jouer le rôle innocent conféré au spectateur, que Manrico n’est que l’instrument d’Azucena désirant venger sa mère, brûlée quelques décennies plus tôt. «Sei vendicata, o madre! E vivo ancor!» («tu es vengée ma mère! Et elle vit encore!»)

L’opéra est un art qui se savoure même quand on en connaît la fin. Il trovatore est sûrement l’un des plus grands classiques du romantisme, même si on peut lui préférer Nabucco ou encore Rigoletto. Les interprètes contemporains se sont fortement appropriés la façon de présenter l’œuvre, si bien que cette dernière a beaucoup changé durant les vingt dernières années.

Tant musicalement que sur scène, à l’instar du décor simpliste, parfois aux limites de l’épurement, cette appropriation d’une œuvre aux exigences très spécifiques peut devenir problématique. En d’autres termes, manque-t-il quelque chose à Il Trovatore, tel que présenté à l’Opéra de Montréal? Objectivement, non. Tout semble au rendez-vous.

Il faut se pencher sur l’alchimie entre les interprètes pour comprendre le potentiel problème. L’alchimie qui manque à la troupe nous pousse en effet à trop percevoir la représentation comme un enchainement de morceaux séparés les uns des autres, alors qu’on préférerait témoigner d’un «ensemble», comme l’opéra devrait toujours créer.

Yves Renaud

Le professionnalisme by the book serait-il aujourd’hui tel qu’on en viendrait à un excès de perfectionnisme déteignant grandement sur l’émotion qui peine à ressortir au bout des quatre actes?

Entre les «brava» intempestifs d’un spectateur, souhaitant visiblement interrompre les scènes pour encourager le reste de la salle Wilfrid-Pelletier à applaudir à outrance, peu était laissé à l’OSM pour faire briller les dernières mesures de ces airs mondialement connus mais désormais oubliés. D’autant plus que les surtitres ont l’admirable effet de rendre dépendant le spectateur à ce qui se déroule hors de la scène afin de la comprendre. Voyez l’ironie.

L’opéra se vit donc presque comme un concert au Centre Bell. Pourtant, l’Opéra de Montréal nous a surpris et continuera de nous surprendre. Il Trovatore demeure une prestation éminemment construite et fidèlement donnée qui sait définitivement attirer le grand public montréalais avec sa très belle programmation.

On a beau dire que l’Opéra de Montréal ne surprend pas, l’expérience lyrique est si rare et tout de même d’une qualité si remarquable qu’elle s’apprécie davantage, même si l’institution montréalaise a encore du chemin à faire pour rivaliser sur la scène internationale.

Enrico Caruso avait un proverbe: «Les Français sont faits pour composer de la musique d’opéra, les Italiens pour la chanter, les Allemands pour la jouer, les Anglais pour l’entendre, et les Américains pour la payer.» Il serait temps de faire mentir ce cher Enrico.

Il Trovatore
Où: Salle Wilfrid-Pelletier – Place des Arts
Quand: du 24 au 28 janvier

David Macleod 

Jeune homme dans la trentaine, David Macleod est manifestement à l’aise sur scène, alternant entre blagues et chansons tristes, et s’adressant familièrement à un public encore modeste. L’auteur-compositeur-interprète paraît d’abord seul avec sa guitare –une Fender rouge sang là où on s’attendrait à une guitare acoustique– pour interpréter ses balades languissantes d’une voix douce et traînante qui rappelle Bon Iver, soutenue par un fingerpicking parfois laborieux, mais dont la répétition constante permet d’établir une sorte d’état de transe.

David Macleod est rapidement rejoint par une choriste à la présence un peu plus effacée, puis vers la fin par un batteur et un guitariste, qui viennent étoffer le son clair et mordant de la guitare électrique, sans toutefois changer l’essence de ses pièces. Un groupe complet l’accompagne habituellement, comme en témoignent les pièces disponibles sur son Myspace, mais l’ambiance créée par David Macleod et ses musiciens, plus proche du folk que du rock, reste envoûtante. Le public, venu en grande partie pour There Is Still Time…Brother, l’a généreusement applaudi après sa performance.

Mark Raweurda

There Is Still Time…Brother

Changement total de style avec There Is Still Time…Brother, un groupe à l’énergie explosive composé pour l’occasion de deux batteries, trois guitares et une guitare basse. Décidément plus rétro, There Is Still Time…Brother –un nom tiré de la scène finale du film post apocalyptique On The Beach (1959)– ne semble pas avoir de chanteur attitré: les quatre guitaristes, trois garçons et une fille, ont leur micro, placés à l’avant de la scène, et jouent au moins une fois comme soliste, tandis que les trois autres musiciens forment un chœur aux harmonies inventives et puissantes. Le groupe est polyvalent, passant du rock ‘n’ roll dansant aux ballades presque sirupeuses, jusqu’aux harmonies country, et ce sans aucun problème. Des quelques reprises, la plus belle est sans doute la très connue «Girl» des Beatles, que la chanteuse interprète magnifiquement d’une voix au timbre unique et étrangement obsédante. Si les voix ne sont pas toujours justes, There Is Still Time…Brother compense aisément par une énergie fiévreuse et sans retenue, qui a fait oublier à un public excité le froid glacial qui les attendait dehors aux petites heures du matin.

On rencontre tout d’abord le légendaire vice-président de General Motors, Bob Lutz, surnommé «M. Detroit». Il souhaite corriger l’erreur commise par son groupe en 2002 avec le modèle électrique EV1. Cette gamme qui ne s’est plus vendue par souci de rentabilité, avait créé de nombreux remous à l’époque. Bob Lutz se reprend donc avec le développement d’un nouveau modèle électrique: la Volt de Chevrolet. Cette lancée est freinée en 2008 alors que GM se trouve au bord de la faillite. Le gouvernement américain vole à son secours tout en lui faisant subir de fortes pressions et en lui exigeant de rendre des comptes.

Kerry Woo

Sur une note positive, le président de Nissan, Carlos Ghosn, lance le modèle Leaf, une voiture électrique qui se veut accessible à tous. C’est selon lui ce que le public attend d’eux. Dans un créneau plus luxueux, Tesla Motors entre dans la course avec à sa tête, Elon Musk. Ce jeune entrepreneur, co-fondateur de Paypal, est acclamé pour son esprit visionnaire, autant par les médias que par les grands acteurs de l’industrie. Il a vu son image se ternir au fur et à mesure que ses «voitures de rêve» ont été retournées aux usines pour défectuosité. On suit Elon Musk, aux prises avec un divorce très médiatisé, auquel s’ajoutent ses tentatives pour rétablir sa situation financière et la confiance de ses clients.

Un engagement mitigé?

Le marginal Greg «Gadget» Abbott se lance dans la mêlée avec une approche plus artisanale. En recyclant et en modifiant de vieux modèles, de la Camaro à la Porsche, il fait preuve du plus grand souci écologique. Malgré leurs caractères très différents, ces quatre leaders de l’électrique ont au moins un trait commun: ils ne baissent pas les bras. Ils ont fait face à de nombreux obstacles tout au long de la course, à commencer par la crise économique de 2008 pendant laquelle ils ont tenté d’innover alors que l’économie tombe en ruine. Malgré ce ralentissement, ils ont réussi tant bien que mal à retrouver une certaine prospérité.

Ce documentaire captive et l’on prend goût à suivre ces quatre visionnaires sympathiques et coriaces. Bob Lutz est à lui seul un spectacle grâce à son humour décapant et son autodérision. Elon Musk surprend par sa transparence quant à ses craintes et ses interrogations. À l’opposé, Carlos Ghosn semble inébranlable et l’on cherche en vain une faille dans son approche. Les apparitions de stars hollywoodiennes telles que Danny DeVito et Adrian Grenier sont également les bienvenues tout au long du film.

La qualité des interventions, la beauté des images et la trame sonore du documentaire ne réussissent toutefois pas à faire oublier les nombreuses questions qui demeurent sans réponse à la fin du film. On aurait aimé en savoir plus quant à l’essor de la voiture électrique au niveau mondial, son développement et son fonctionnement. Ce portrait américain de l’industrie automobile ne souligne pas les problématiques qui expliquent la quasi-absence de voitures électriques sur nos routes.

Si les intervenants du documentaire s’accordent pour dire que la voiture électrique est la voie de l’avenir, personne ne sait combien de temps il lui faudra pour s’imposer. On risque donc d’attendre encore quelques années avant d’être «électrifiés».

À Amsterdam, où il n’est pas rare de devoir déménager régulièrement, l’ombre menaçante du 1er de chaque mois hante les infortunés sans cesse en quête d’un nouveau logement. Quand les petites annonces ne sont pas écrites en néerlandais abrégé, plus de la moitié d’entre elles sont des tentatives de fraude. Une fois qu’on a répondu aux annonces intéressantes, on ne reçoit d’ailleurs que le tiers de réponses. Après ça, je passe la description des visites d’une dizaine d’appartements tous plus invivables les uns que les autres, bien que leur description et leurs photos sur Internet laissaient croire à un paradis sur terre.

Quand on a trouvé la chambre idéale, encore faut-il que les colocataires nous choisissent parmi la foule de candidats venus pour la visite… C’est alors qu’il faut ruser et exposer mielleusement les avantages qu’aurait notre élection: on sait être discrète comme une souris quand il le faut, mais on est d’ordinaire aussi pétillante qu’un ouistiti, on prépare le saumon à l’érable et au gingembre comme une déesse, on sait dire «patte de chien» en russe comme si on était né à Moscou, on fait des massages à tomber par terre et bien plus!

Cependant, se décider pour une chambre moins pire qu’une autre, convaincre les colocataires qu’on est leur meilleur candidat et régler les détails administratifs et financiers, tout ça n’est que le début d’une aventure qui se répète mois après mois. Il s’agit maintenant de déménager! D’abord, il faut essayer pour la énième fois de tout faire rentrer dans ses valises, y compris les nouvelles acquisitions qui nous semblaient jusqu’ici nécessaires – petite robe noire, souvenirs, romans de gare etc. On avait oublié à quel point notre valise était petite… et c’est à en avoir des sueurs froides quand on pense que dans deux mois à peine, il va falloir faire passer ce monstre en soute! Une fois rassemblés ladite valise prête à exploser et les divers sacs qu’on a dû y ajouter en catastrophe, il faut déménager tout ça «à la hollandaise»: à vélo et sous la pluie…

Après avoir fait le deuil d’une colocation d’un mois si rapidement passé, il faudra vite s’adapter à de nouveaux colocataires: celui qui fait toujours sa vaisselle en retard, celui qu’on ne voit jamais, celui qui nous rend fou à force de traîner des pieds, ou encore celui qui arrive à transformer la salle de bain en une scène d’explosion nucléaire.

Enfin, peu importe, puisqu’un mois plus tard, tout est à recommencer.

«On part tous pour un petit voyage cette semaine, Niagara, Toronto, Tousala… Juste deux ou trois jours. Tu sais bêta, tu fais partie de la famille, on t’emmène». Généreux T. Un vendredi après-midi j’embarque dans un 4×4 de location avec T., son épouse, sa fille, son gendre et son fils de dix ans. C’était l’occasion de sortir enfin de Montréal après une première année épuisante d’amphithéâtres bondés et de dortoirs empestant l’herbe.

Le périple commence mal. Nous manquons de rentrer illégalement aux USA car le GPS nous mène à Niagara New York, au lieu de nous conduire à Niagara Ontario. Une fois la route balisée, on commence un road movie pittoresque sur un long styx jalonné de Tim Horton’s. Premier arrêt: les chutes. Un lieu mythique imprimé sur tant de calendriers mauriciens, rêve et fantasme de tout Livingston du Nord. À cette première étape du voyage, c’est la fin d’un rêve, les chutes sont le dernier carré de nature d’un espace envahi par un parc d’attraction tentaculaire combinant nationalisme à fleur d’érable et consumérisme bien amerloque. T. peste, lui, après le temps: «Ayo mamao, il y a plus de vent que sur un bateau ici…»

Deuxième escale et noyau du voyage: Toronto. Le deuxième cercle de l’enfer. Tout semble gris. Les pancakes de l’hôtel sont fades. Chinatown ressemble à une ville de western. Les gens se bousculent à la parisienne. Un vendeur de camelote m’assaille chaque cinq minutes. Downtown Toronto est une caricature de New York. Leur Centre Eaton est à celui de Montréal ce qu’un oratoire calviniste est à une basilique baroque. Je n’arrive pas à savoir si la Tour CN est un bolet géant ou un mégalithe phallique. C’est dans ce grand tintamarre de stress et de klaxons que je retrouve une amie en stage dans la ville. «God, Toronto really sucks» conclut-elle après m’avoir fait une visite guidée de Gerrard Street.

Troisième escale: Ottawa. Le premier cercle du Purgatoire. Une capitale fédérale coquette et proprette. Les maisons et les magasins ont le charme de la ville de province normande où vit mon grand-père français. Un bon endroit pour passer sa retraite, en quelque sorte. Tout est propre. Et puis soudain, l’horreur! une araignée géante qui se dresse devant la cathédrale, comme pour vous rappeler que le Royaume des Cieux est encore loin.

(Fin et nuance au prochain épisode)

Gabriel Garcin

Dans sa boite à outils, Garcin possède une gamme d’objets symboliques qu’il réutilise à souhait pour mettre en scène le théâtre de ses songes: sa grande bobine de ficelles pour l’écoulement du temps, de grands cadres de photos d’où il contemple son passé et une série de marionnettes en papier pour peupler ses rêves.

L’œuvre de Garcin est en quelque sorte là pour nous rappeler qu’il est essentiel de cultiver la simplicité et la vérité en photographie, de laisser divaguer notre imagination, d’aller jusqu’au bout de notre pensée et surtout de mettre la main à la pâte! Voici une ode à notre bonne vieille technique argentique qui a tendance, de nos jours, à se faire marcher sur les plates bandes par le numérique, ce prétentieux rat de l’informatique qui nous ment!

L’historienne Anna Clark soutient qu’à l’époque de la Grèce antique, rien n’était plus dégradant pour un homme mûr que d’être comparé à une femme. Par exemple, recevoir le sperme était réservé aux jeunes hommes, aux esclaves, aux prostitué(e)s et aux femmes. Ainsi, il est important de nuancer les différents aspects de l’homosexualité telle qu’on la conçoit aujourd’hui avant d’avancer que les institutions de la Grèce antique l’autorisaient librement.

De ce fait, Anna Clark suggère que les Grecs anciens exprimaient simplement leur désir pour les jeunes, garçons ou filles. Alors que les filles les plus attirantes, celles considérées comme l’élite, étaient cloisonnées dans leurs maisons, les garçons allaient à l’école et se montraient nus au gymnase. Les jeunes hommes, sans poils, avec la peau douce et le pénis délicat, avaient toutes les caractéristiques requises pour être considérés érotiques par les hommes adultes. Ils suscitaient le désir, mais cela entrainait-il nécessairement la pratique de la sodomie?

Gracieuseté de Wikicommons

Pour Georges Devereux, un ethnopsychiatre, les garçons voyaient en leur amant un suppléant de leur père. Les historiens s’entendent d’ailleurs presque tous pour dire que les pratiques homosexuelles grecques avaient une fin éducative et que l’homme plus âgé devenait le modèle de son jeune amant en le prenant sous son aile. Selon Anna Clark, les jeunes étaient couverts de cadeaux et adulés par leurs aînés, sans toutefois que ce type d’échange soit considéré comme de la prostitution.

Afin de garder leur honneur sauf, les jeunes garçons ne devaient jamais s’adonner au sexe anal, une honte pour tout homme qui se respecte. Certains artéfacts archéologiques montrent des hommes d’âge mur s’adonnant au sexe en insérant leur pénis entre les cuisses des jeunes garçons. Toutefois, souligne Pierre-Luc Landry, les pratiques sexuelles n’étaient qu’une partie de ce qui était partagé entre les hommes: le maître enseignait ce qu’un citoyen doit savoir, notamment au sujet du comportement qu’il devra tenir.

Lorsque que les jeunes atteignaient la puberté, ils devenaient beaucoup moins attirants et nombre d’entre eux partaient à la recherche de leur propre jeune amant.

La destruction précède la création, c’est pourquoi sexe rime avec dominance et pénétration dans la Rome antique.

La notion de «sodomite» est, quant à elle, apparue au Moyen-Âge, alors que le concept d’homosexualité n’était certes pas le même que celui connu aujourd’hui, mais où la pénétration anale entre adultes consentants était vue comme une perversion. Le concept d’identité sexuelle nait d’une compréhension individualiste de la personne et ce n’est que plus tard, à l’époque des Lumières, que l’individu se définira en tant qu’entité à part entière, lors de l’élaboration du concept des droits individuels et de la propriété individuelle.

Image tirée du film Ora du réalisateur Philippe Baylaucq

D’abord, Ora de Philippe Baylaucq. On a déjà beaucoup décrit la technique innovante de Philippe Baylaucq pour filmer la danse chorégraphiée par José Navas avec une caméra thermographique. Cette dernière donne au film des allures de documentaire animalier. L’introduction montre des cellules qui se divisent, puis des créatures aux reflets chatoyants se fondent dans un univers de fonds sous-marins avec des effets sonores d’océan et de ruissellement. On note au passage un clin d’œil au Pas de deux du grand Norman McLaren avec ses effets stroboscopiques.

Image tirée du film Hope du réalisateur Pedro Pires

Hope, du réalisateur prometteur Pedro Pires, un collaborateur de Robert Lepage, est inspiré de la célèbre pièce de théâtre Jimmy, créature de rêve de Marie Brassard. On y découvre un général qui, proche de la mort, rêve d’un barbier androgyne dans un salon de coiffure où les clients sont des cadavres. L’œuvre muette est tournée au ralenti, dans des tons sépia et dans une esthétique des années 50 qui témoigne de l’immense talent de Pedro Pires à la réalisation comme à la direction photo. La remarquable trame musicale originale de Robert Lepage alterne entre drones à la Godspeed You! Black Emperor et clarinette jazz.

Le mythique Alexis le Trotteur. Image tirée du film Le Trotteur du réalisateur Francis Leclerc.

Trotteur est une collaboration entre Arnaud Brisebois, (son premier film et scénario) et Francis Leclerc, réalisateur confirmé (Un Été sans point ni coup sûr). Le synopsis est bien sûr inspiré de la légende d’Alexis le Trotteur, selon laquelle l’homme, risée du village, affronte en duel une locomotive dans une course sous la neige. Le résultat est un élégant film onirique, embrumé, jouant avec de forts contrastes de noir et blanc, comme la fumée de la locomotive qu’on croirait dessinée au fusain. Les acteurs sont maquillés de façon à leur donner un air de personnage de bande dessinée. Une autre bande sonore marquante accompagne le film: celle de Luc Sicard avec, au violoncelle, nul autre que Claude Lamothe.

La Ronde est le quatrième court-métrage réalisé par Sophie Goyette, produit par micro_scope (Incendies, Monsieur Lazhar) et présenté entre autres au Festival de Locarno. Vingt-trois minutes pour décrire l’errance d’une jeune femme à la suite d’un événement décisif. L’ambiance du film est particulière; l’action se déroule à l’extérieur pendant toute une nuit, et ce dans une banlieue ensommeillée. Les objets du quotidien sont transformés en poésie nocturne, du plat congelé aux néons d’un terrain de football. Le film s’avère un peu trop chargé, multipliant les scènes et les rencontres de courte durée, comme si la réalisatrice avait voulu faire un long-métrage dans un court.

Ce n’est rien est un film de Nicolas Roy qui avait été sélectionné en compétition officielle à Cannes pour la palme du meilleur court-métrage. La caméra suit l’acteur Martin Dubreuil, dont la performance est convaincante, en père vivant un drame familial, pris entre sa fille et son propre père. Les thèmes lourds, la caméra réaliste, l’économie de mots, la désolation et les tons mornes et gris sont dans la même lignée des films québécois encensés par les festivals internationaux.

Image tirée du film Nostradamos du trio de réalisateurs Bradley-Lampron-Tremblay

Sur une note plus joyeuse, Nostradamos est le court-métrage ayant gagné le concours du Festival du DocuMenteur de l’Abitibi-Témiscamingue, réalisé par le trio Bradley-Lampron-Tremblay. La ville d’Amos y est présentée comme la planche de salut lors de la fin du monde prochaine. On y fait la rencontre d’un agent immobilier faisant fortune grâce à l’immigration massive, un employé du Refuge Pageau projetant de construire une arche de Noé et un maire hilarant dans son sérieux implacable (chapeau à Ulrick Chérubin!). D’heureux moments de folie en perspective…

Sang froid de Martin Thibaudeau, une production de Kino Kabaret Montréal, avait remporté le prix du meilleur court métrage canadien au Worldwide Short Film Festival à Toronto. En quatre minutes, il aborde les problèmes de communication entre parents et enfants. Par le biais des regards échangés, de prises de vue à hauteur d’enfant, le réalisateur construit habilement une tension dramatique entre mère et fils.

Image tirée du film The Legend of Beaver Dam du réalisateur Jérôme Sable

Pour clore, The Legend of Beaver Dam, une comédie musicale hard rock gore à la tournure imprévisible de Jérôme Sable, saura plaire aux amateurs du genre. Il a fait partie du Toronto International Film Festival 2010 et du dernier Sundance. Il met en scène un moniteur et ses scouts autour d’un feu de camp, qui sera le théâtre d’un affrontement dégoulinant. Parions que l’efficace chanson «Stumpy Sam», au cœur du film, tournera longtemps dans vos têtes.

Gracieuseté de Alliance Film Medias

La particularité de ce film vient du fait que Margaret Thatcher est toujours en vie. Cependant, loin d’être une œuvre biographique comme a pu l’être The Young Victoria ce film raconte l’histoire d’une vieille dame aux prises avec des problèmes de démence qui revoit les scènes de son passé à travers différents objets, musiques, vidéos ou même conversations en essayant de surmonter le deuil de son époux Denis Thatcher. Meryl Streep, qui incarne Margaret Thatcher, réussit un tour de force pour nous transmettre toute la douleur liée à la perte d’un être cher, et à la poursuite de sa vie dans une solitude exiguë. La solitude et le deuil de Margaret Thatcher sont jumelés à une aggravation de la démence dont elle est victime et aux apparitions hallucinées de son défunt mari qui concordent avec les flashbacks sur sa vie précédente en tant que Dame de Fer de l’Occident.

C’est ainsi que la première femme ayant occupé le poste de premier ministre d’une nation occidentale est dépeinte avec énormément de plomb dans l’aile. Celle qui a fait trembler les fondements de la société britannique se montre fragile, frêle, voire même impuissante face à l’âge, tout en gardant son tact naturel.

L’approche empruntée par Phyllida Lloyd (réalisatrice) est touchante et surtout réaliste. Elle mène l’auditoire à saisir l’aspect éphémère de la grandeur d’un individu étant donné que le temps et la vieillesse sont les seuls gages d’égalité entre les individus. La trame narrative montre que les grands moments de la vie de la Dame de fer ont été poignants, forts et intenses. On passe de la jeunesse de madame Thatcher dans l’épicerie familiale et son entrée à Oxford, à sa première élection en tant que membre du Parti Conservateur et à son ascension vers le poste de premier ministre. Puis, des défis de l’implantation de ses politiques rigoureuses qu’elle considère «the medecine for the patient’s condition», à la victoire britannique lors de la guerre des îles Falkland (Malouines) qui aurait pu être davantage élaborée. Le film se clôt sur la chute de madame Thatcher, lorsque celle qui avait toujours préféré la compagnie des hommes a été trahie par ces derniers, assoiffés de pouvoir.

Gracieuseté de Alliance Film Medias

La pièce maîtresse du film est sans aucun doute la performance époustouflante de Meryl Streep (lauréate des Golden Globes en tant que meilleure actrice dans un film dramatique) En effet, Meryl Streep livre une performance touchante et saisissante d’une Margaret Thatcher vieillissante, qui nous fait ressentir toute la fragilité d’une femme qui fit trembler les fondations du Royaume-Uni. On sent une profonde appropriation et connaissance du personnage par Meryl Streep. Par ailleurs, son interprétation de la Dame de Fer nous présente un côté plus humain et sensible de cette femme considérée comme froide et insensible à cause de ses politiques publiques.

Somme toute, si vous attendiez un récit biographique de la vie de Margaret Thatcher vous allez être déçu; et si vous vous informez davantage vous trouverez peut-être l’erreur historique qui s’est glissée dans un des flashbacks.

Le Délit vous conseille d’aller voir le film en anglais pour voir le jeu de Meryl Streep, américaine, interprétant une femme à l’accent britannique prononcé.

Photo: Sarra Guerehani

De nombreuses régions, notamment l’Ouest rural, restent très pauvres et la dette souveraine pèse fortement sur les ménages les plus démunis. En effet, environ 18,5% du PIB est consacré au remboursement de la dette et la Tunisie continue à emprunter à des taux d’intérêts élevés pour parvenir à rembourser. La corruption, quant à elle, a été de qualifiée de «goutte d’eau dans l’océan de problèmes que le gouvernement doit résoudre actuellement», rappelant ainsi que la Tunisie traverse une période extrêmement difficile. Cependant, certains indicateurs soulignent que ce cercle vicieux peut être arrêté.

Les interlocuteurs de cette conférence ont effectivement insisté sur le fait que l’investissement étranger reprend petit à petit malgré tout et que les exportations offshores ont augmenté de 15% en 2011. En plus de cela, la famille Trabelsi et le président Ben Ali lui-même détiendraient l’équivalent de vingt milliards de dollars d’avoirs à l’étranger qui appartiennent de droit à la population tunisienne et devraient lui être retournés. La situation est donc très complexe et il est évident que toute révolution est synonyme de violence, de haine et de tragédies humaines, mais que l’espoir et le dévouement démocratique conduiront vers une évolution et une Tunisie juste et autonome dans le futur.

C’est donc après cette conférence animée qu’aurait dû être projeté le documentaire Al Sharara (2011) réalisé par Mongi Farhani à propos de la première étincelle qui a déclenché la révolution à Sidi Bouzid. Des problèmes qualifiés de «hors de contrôle» par le comité organisateur nous ont privés de cette projection tant attendue. Le film a été remplacé par un autre documentaire intitulé Le Combat de la dignité (2008). Ce court-métrage, filmé clandestinement dans le bassin minier dans la ville de Redeyef pendant le soulèvement populaire du 7 avril 2009, met en perspective la répression incessante du régime. À la sortie du film, son réalisateur a été obligé de s’exiler en France pour ne pas être persécuté par les autorités tunisiennes. Le témoignage de Leila Khaled, dont l’époux et le fils ont été incarcérés à la suite de cette manifestation, est très émouvant et illustre le désarroi d’une population au bord du gouffre. Les conditions de leur détention, les tortures et les séquelles sont la marque d’un régime autoritaire sans pitié, malheureusement peu médiatisé avant janvier 2010. À la fin du documentaire, madame Khaled évoque même la possibilité d’un changement en ajoutant que «2010 sera l’année de la jeunesse». Il est donc évident que la révolution tunisienne n’est pas survenue par hasard et que le fait que le régime autoritaire ait fermé les yeux sur le malheur de son propre peuple est à l’origine même de sa chute.

La discussion autour de la «rÉvolution», consacrée à un des événements majeurs du XXIe siècle, a donc eu le mérite de rassembler de nombreux tunisiens et autres intéressés pour apprendre, discuter et former sa propre opinion. Les petits stands dans le cinéma et les expositions d’artistes talentueux ont également donné une ambiance festive à ce rassemblement, histoire probablement de saluer et de se réjouir d’un succès démocratique encore embryonnaire mais tout de même prometteur.